lunes, 21 de diciembre de 2015

AVISO, AVISO, AVISO

SE HACE SABER

 

Descansamos tres semanas y volvemos el 13 y 14 de Enero con la película marroquí: Los Caballos de Dios (Les Chevaux de Dieu), que tras pasar por la sección oficial del Festival de Cannes, ganó la Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid.

 
No nos vendrá mal esta parada para recuperar el aliento y reflexionar sobre nuestro futuro, pues el espectacular bajón de asistencia, desde que nos robaron el Viernes, nos está haciendo sacar la lengua; por que sabéis que, ahora más que nunca, dependemos de nosotros mismos y cada ausencia es un impacto en la línea de flotación. Poco más de mil euros van quedando en la cuenta, a la espera de la ayuda de la Diputación (1.600). En las últimas fechas, lo recaudado por entradas nos está sirviendo para pagar medias películas, y no siempre. En vuestras manos está la cuerda. Aflojad (en el sentido más amplio de la palabra) por favor, el que no quiere ser ahorcado os lo agradecerá.
¡Vamos a demostrarles que somos duros de pelar!

sábado, 12 de diciembre de 2015

Película 374 # Año 13

¡ATENCIÓN!

Esta semana, como anunciamos más abajo, comenzaremos algo más tarde (sobre las 9 de la noche) porque parece ser que hay unos señores que quieren convencer a otros, antes del Domingo, de que metan un papelito con su nombre en una urna. Dicen las malas lenguas, que para volverles a engañar como ya hicieron hace cuatro años. Y no se les ha ocurrido otro momento más inoportuno, para torturales con sus propuestas, que la hora rayana con nuestras proyecciones.

Aguas Tranquilas
Futatsume no mado (Still the Water) 
16 y 17 de Diciembre
Sala Avenida -Jaraíz-
21:00 Horas 


DIRECTORA

Naomi Kawase

GUIÓN: Naomi Kawase

MÚSICA: Hasiken

FOTOGRAFÍA: Yutaka Yamazaki

REPARTO: Nijiro Murakami, Jun Yoshinaga, Makiko Watanabe, Hideo Sakaki, Tetta Sugimoto, Miyuki Matsuda, Jun Murakami, Fujio Tokita

GÉNERO: Drama | Adolescencia. Vida rural 

DURACIÓN: 110 Min.

PAÍS: Japón




SINOPSIS

Los habitantes de la isla de Amami, viven en armonía con la naturaleza, están convencidos de que en cada árbol, cada piedra y cada planta vive un dios. Una tarde de verano, Kaito descubre el cuerpo de un hombre flotando en el mar. Su amiga Kyoko le ayudará a descifrar el misterio. Crecerán juntos, aprendiendo a ser adultos, descubriendo los ciclos de la vida, la muerte y el amor.
                                                                                                                                                                                   
 

¿Quién es quién?

El cine japonés, en el Cineclub El Gallinero, ha venido casi siempre de la mano de Hirokazu Kore-eda, aventajado seguidor de la escuela de cine del gran maestro Yasujiro Ozu. Seguro que le recordaréis mejor si os refresco la memoria con las películas que han pasado por nuestra Sala Avenida, por orden de aparición: Nadie Sabe, Hana, Still Walking, Kiseki y De tal padre, tal hijo.

Digna es, y sería muy injusto olvidarlo, la primera entrega de animación que pasó por nuestros corrales, allá por el 2003: El viaje de Chihiro del incomparable Hayao Miyazaki que consiguió, entre otros muchos premios, el Oso de Oro en Berlín en el 2002.

Y en esta ocasión nos visita Naomi Kawase con la obra anterior a la recien estrenada: Una pastelería en Tokio . Autora también, desde 1992, de numerosos documentales [Embracing, Kaleidoscope, Cielo, viento, fuego, agua y tierra, Nacimiento y maternidad, Correspondencia (con Isaki Lacuesta), Chiri....]. Y de un puñado de largometrajes: Suzaku (1997), Hotaru (2000), Shara (2003), El bosque del luto (2007), Visitors (2009), Hanezu (2011)..... La escritora y directora japonesa, nacida en Nara en 1969; es en estos momentos uno de los referentes de la creación nipona. Kawase proviene de la fotografía y retoma a menudo su método de trabajo. Sus producciones son mezcla de géneros (documental, diario, relato íntimo, video de artista, meditación, poética, autobiografía, ensayo).
En la fotografía, obra de nuestra reportera gráfica en la Seminci, la vemos junto a Guediguian presentando en Valladolid su última película.

 

Y me parece a mi
Todos somos dioses, pero los dioses también mueren

La vida transcurre delante de dos adolescentes en una isla japonesa azotada por tifones y días calmos en los que el viento se transforma en música entre los manglares. Vida de actores secundarios que contemplan con una mezcla de curiosidad y expectación cuanto sucede a los demás; pero con la certeza y el miedo de que pronto les tocará saltar al escenario y diseñar su propio porvenir. Entre los acompasados vaivenes del paso del tiempo, surgen violentas tormentas y dulces muertes, amores volcánicos y amores balsámicos, verdades ocultas y descubrimientos dolorosos...

La espiritualidad y sosiego de la tierra amenazada por las aguas contrasta con el materialismo sordo de la gran ciudad, donde la naturaleza ha sido engullida por el asfalto y sus habitantes necesitan ya del ruido para calmar los temores y dormir profundamente.

La visión poética de Naomi Kawase nos lleva de la mano de la inocencia al fondo marino, convirtiendo en aguas tranquilas aquellos lugares en los que, según el viejo pescador, acecha el peligro; y quien sabe si no estará construido sobre las hundidas almas de los dioses muertos.
Jaht 

Aguas Tranquilas fue vista por 32 espectadores
La nota media, según los seguidores del Gallinero, fue de: 9,30

jueves, 10 de diciembre de 2015

Saludo, que somos gente con educación...


viernes, 4 de diciembre de 2015

Película 373 # Año 13



Un Día Perfecto
(A Perfect Day)
9 y 10 de Diciembre
Sala Avenida -Jaraíz-
20:30 Horas

DIRECTOR

Fernando León de Aranoa

GUIÓN: Fernando León de Aranoa (Novela: Paula Farias)

 MÚSICA: Arnau Bataller

FOTOGRAFÍA:  Alex Catalán

REPARTO: Tim Robbins, Benicio del Toro, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry, Fedja Stukan, Eldar Residovic, Sergi López  

GÉNERO: Comedia. Drama | Comedia dramática. Road Movie. Guerra de Yugoslavia 

DURACIÓN: 106 Min.

PAÏS: España


SINOPSIS

En una zona en guerra, en la que los cascos de las Naciones Unidas tratan de controlar la situación, varios personajes viven sus propios conflictos; Sophie (Mélanie Thierry) quiere ayudar a la gente, Mambrú (Benicio del Toro) quiere volver a casa, y Katya (Olga Kurylenko) quiso una vez a Mambrú. Por su parte Damir (Fedja Stukan) quiere que la guerra termine, Nikola (Eldar Residovic) quiere un balón de fútbol, y B (Tim Robbins) no sabe lo que quiere. Un grupo de cooperantes trata de sacar un cadáver de un pozo en una zona de conflicto. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple se convierte aquí en una misión imposible, en la que el verdadero enemigo quizá sea la irracionalidad. Los cooperantes recorren el delirante paisaje bélico tratando de resolver la situación, como cobayas en un laberinto.




¿Quién es quién? 

Fernando León de Aranoa es, además de un escritor, dibujante e ilustrador madrileño de 47 años, uno de los grandes del cine español: director, guionista, y documentalista. También hizo cosas para televisión: Turno de oficio, Un, dos, tres e incluso algunos guiones para Martes y Trece; para que aquellos que se ríen cuando yo hablo del estilo socarrón y sardónico de un hombre tan serio, sepan que no ando tan descaminado. Nuestro Fernando es el padre de cosas tan bonitas, reales y duras como: Familia (1996), Barrio (1998), Los lunes al sol (2002), Princesas (2005) y Amador (2010) que hace cinco años tuvimos el honor de pasar por nuestro cineclub. En el campo de los documentales escribió, en 1997, el guión de La espalda del mundo(Javier Corcuera); y realizó: Caminantes (2001); colaborando en Izbieglize (1994) y en Invisibles (Buenas noches, Ouma) (2007).


El que escribe y su mejor amiga (la abuela Rocío), tuvieron la suerte de conocerle personalmente en la Seminci del 2011 y compartir con él unos minutos en una esquina de la barra del bar del Hotel Olid. León de Aranoa bebía agua y nosotros café y se mostró en todo momento afable e incluso interesado. Le dijimos que la temporada 8ª del Gallinero la habíamos iniciado con una de sus películas (Amador), que intentábamos sobrevivir con cine de autor en un pueblecito extremeño y que nos gustaba lo que hacía. Nos agradeció las deferencia y deseó larga vida al Cineclub, desde una calmosa y discreta soledad, y una timidez propia del que está convencido de que no hace nada extraordinario.

Tim Robbins, California 1958, es la tercera vez que nos visita, ya lo hizo con la película de ciencia ficción de Winterbottom: Código 46, allá por el 2006, 3ª temporada; y con la inolvidable película de Isabel Coixet: La vida secreta de las palabras.

Benicio Monserrate Rafael del Toro Sánchez, San Juan de Puerto Rico, 1967; no le olvidamos por su caracterización de Ernesto Guevara en  Che: Guerrilla y Che: El argentino.

Y los más atentos de nuestra Asociación recordarán a Sergi López (Villanueva y Geltrú - 1965 -) en: Mapa de los sonidos de Tokio, Pa Negre y El Niño



Y me parece a mi
Lo siento Borges, la lluvia es algo que no solo sucede en el pasado

¿Qué deberían hacer los Fernando León de Aranoa de la vida para convencer a los sesudos críticos de que su cine es más que válido, incluso necesario? ¿Cómo decir a estos señores que cobran por decir lo que piensan (¡de acuerdo, es su trabajo!) que retratar la realidad no es ni tendencioso, ni demagógico... y que es bastante más rentable servir al engaño, la manipulación, la versión oficial y el atontamiento general, que a otros tipos de testimonios diferentes: más humanos, sinceros y menos remunerados? ¿Cómo no rebajar la supuesta honesta intencionalidad del que escribe para un medio sostenido por el capital y las multinacionales, cuando el mensaje de la película puede ser claramente hostil para con estos patrocinadores de guerras y neoliberalismos?

No, ya se sabe, el cine social (Agnès Varda, Ken Loach, Hnos Dardenne, Guediguian, Aranoa, Bollaín...) está enfermo de naturalidad, dicen algunos expertos; y en el "séptimo arte", proclaman ufanos, han de prevalecer: la fantasía (alcanzar las cosas solo con la imaginación), lo increíble (los que invaden son los buenos), la ciencia-ficción (puedes mentir sin ponerte colorado), la diversión (efectos especiales y porno) ...... Y todo para dar la razón a la industria y a los poderosos; porque mal les iría, a los unos y a los otros, si la gente, sorda a sus recomendaciones, demandara otro tipo de entretenimiento en el que la conciencia y la memoria ocuparan el lugar preeminente que les corresponde.

Basándose en la novela de Paula Farias, Fernando León y Diego Farias, relatan 24 horas de la vida de unos cooperantes en cualquier lugar de guerra, aunque esta parece reconocible. Horas de sesenta vivencias y tres mil seiscientos ratos de respiración contenida. Horas intensas y a la vez horas perdidas. Allí, donde la vida no vale nada, la burocrática maquinaria destructiva, de la que dependen tantas empresas de paz y de armamento, no se detiene, en su afán de alargar el conflicto y, por tanto, el negocio.

Dice alguno de los "cítricos" que el sentido del humor es tan sutil en la cinta, que es prácticamente invisible e inservible; yo en cambio pienso que lo que cala precisamente, lo que impregna, es lo fino, la lluvia hecha polvo, duradera, persistente y purificadora; la que devuelve el brillo a los campos polvorientos y termina por llenar los pozos.

El cine social, ya lo he dicho en alguna otra ocasión, tiene a su favor la verdad, que es un componente que hace a la obra duradera y apreciada con el paso del tiempo; al contrario de la mayoría del cine comercial que es tan solo un producto de consumo inmediato y, por tanto, de inmediata evacuación.

Sí, yo soy un raro de los que entra en salas semivacías, cuando los otros hacen largas colas para ver la entrega decimoséptima de alguna exitosa saga; ¡a mucha honra!

                                                                                                                                         Jaht
Un día perfecto fue vista por 42 espectadores.   
La nota media, según los seguidores del Gallinero, fue de:6,60

viernes, 27 de noviembre de 2015

Película 372 # Año 13


Boyhood
(Momentos de una vida)
2 y 3 de Diciembre
Sala Avenida -Jaraíz-
20:30 Horas


DIRECTOR

Richard Linklater

GUIÓN: Richard Linklater

MÚSICA: Varios
 FOTOGRAFÍA: Lee Daniel, Shane Kelly

REPARTO: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard, Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan Devine, Fernando Lara, Elijah Smith, Steven Chester Prince, Bonnie Cross, Libby Villari, Marco Perella, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Shane Graham, Ryan Power 

GÉNERO: Drama | Infancia. Adolescencia. Familia. Cine independiente USA 
DURACIÓN: 159 Min.   PAÍS: USA



SINOPSIS

Historia dramática que recorre 12 años (2002-2013) de la vida de Mason (Ellar Coltrane) de los seis a los dieciocho. Durante este periodo, se producen todo tipo de cambios, mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, desilusiones y momentos maravillosos. Un viaje íntimo y basado en la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo. 


¿Quién es quién?
El cine USA, sorprenderá a quienes nos consideran poco aficionados a él, ha ocupado hasta el momento el 18,50% de nuestra programación. Es decir, de las 372 películas que nos preceden, 69 son producciones norteamericanas; algunas de ellas, cierto es, son de animación (Pixar, Tim Burton...). Y es que (no lo volveremos a repetir) nos gusta el buen cine en general, sin particularizar en géneros. A pesar del matonismo de su industria (abusiva cuota de pantalla, distribuidoras multinacionalistas, sagas impuestas desde el telediario....), sería un gran error prescindir de las aportaciones de su cine independiente; entre otras: Shortbus, Frozen River, The Visitor, Bestias del sur salvajesNebraska, ....Y tampoco hubiéramos sido los mismos sin: Los Hnos Coen, Woody Allen, Coppola, Jim Jarmusch; Sidney Lumet, Paul Thomas Anderson....., por nombrar a los más conocidos.

Richard Linklater (Houston, Texas; 30 de julio de 1960), llamado a ser otro de los grandes, estuvo entre nosotros, hace dos años, con  Antes del anochecer , donde coincidió con  Ethan Hawke (Austin, Texas, 6 de noviembre de 1970) al que ya conocíamos en el Gallinero por la última y estupenda obra de Sidney Lumet ( Filadelfia, 25 de junio de 1924 - Nueva York, 9 de abril de 2011): Antes que el diablo sepa que has muerto


Y me parece a mi
La miel amarga

Emotiva e inolvidable esta narración fílmica de Richard Linklater sobre los doce años, de los 6 a los 18, que transcurren en la vida de Mason y su entorno. Aunque el contexto sea muy norteamericano no es difícil identificar, e identificarse, con la mayoría de los personajes que se van desgranando por la infancia, adolescencia y juventud de una inocente criatura que espera el futuro con expectativas, temores y muchas preguntas.
La experiencia vital son la suma de todos los momentos que, como reflexiona el protagonista, nosotros no elegimos casi nunca, más bien nos atropellan.

El director grabó las escenas haciendo coincidir la vida fílmica con la vida de los actores y sus personajes, consiguiendo así una sensación espacio/tiempo que transmite naturalidad, armonía y verdad; demostrando que los trucos en el cine tal vez sean importantes y fundamentales, pero nunca superarán la autenticidad y frescura de la recogida del fruto en su justo momento.

Ese fluir de semanas y estaciones, de fechas señaladas, de ilusiones que caducan, de elecciones equivocadas, de imparable deterioro...; con la única y cierta compañía de una trituradora (algunos la llaman olvido, otros edad inconfesable) que acaba por dar el mismo trato a los días meritorios que a los horribles. Ese transcurrir de preguntas sin respuestas, o de inventivas disfrazadas de sabiduría. Esa certeza de que no podemos amarrar lo que nos gusta, ni calmar lo que duele, ni amar para siempre..Esa amenaza, que en algunos fue realidad, de saber que lo que hoy nos llena, tal vez mañana nos haga reventar.

Boyhood es una gran obra, muy completa, muy redonda, muy melancólica, muy poética y muy, ¡pero que muy, amarga!
Jaht


Boyhood fue vista por 36 espectadores.   
La nota media, según los seguidores del Gallinero, fue de:8,80

jueves, 26 de noviembre de 2015

Relatos de Don Wayne XLIX

"Me estoy acordando ahora del año en que la nómina del belén fue completada con un soldadito de plomo, un confederado de la Guerra de Secesión norteamericana, personaje que rodilla en tierra apuntaba alevosamente su Colt contra el dromedario del rey Baltasar." 

sábado, 21 de noviembre de 2015

Película 371 # Año 13


¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡ Atención, Attention, Zhù yì, Attenzione, Achtung, Atençâo, Προσοχή, обращать внимание, الاهتمام!, 注意! !!!!!!!


¡Que vienen, que vienen!


POR RAZONES IMPUESTAS:
CAMBIO DE DÍAS Y DE HORA A PARTIR DE ESTA PELÍCULA (Miércoles y Jueves 20,30)
En la medida de lo posible, cuando existan copias dobladas, la versión original será los Miércoles y la versión en castellano los Jueves.

El Gran Hotel Budapest
(The Grand Budapest Hotel)

25 y 26 de Noviembre
Sala Avenida -Jaraíz-
20:30 Horas



 DIRECTOR

Wes Anderson

GUIÓN: Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Hugo Guinness)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA:  Robert D. Yeoman 

REPARTO: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Jude Law, Willem Dafoe, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Larry Pine, Bill Murray, Léa Seydoux, Owen Wilson, Giselda Volodi, Florian Lukas, Karl Markovics, Wallace Wolodarsky, Bob Balaban, Volker Michalowski, Fisher Stevens, Waris Ahluwalia 

GÉNERO: Comedia. Aventuras | Años 30
DURACIÓN: 99 Min.
PAÍS: USA




SINOPSIS

Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.



¿Quién es quién?

Wes Anderson(Houston, USA, 1 de mayo de 1969), a quien no hace mucho tuvimos entre nosotros, Moonrise Kingdom, es un director considerado de culto por el personalísimo enfoque que da a sus cuentos/historias: anticonvencionalistas, de planos muy cuidados y milimetrados, con una sonrisa permanente ante los absurdos de la vida y una paleta de colores que convierten sus películas en una colección de hermosas postales. Por supuesto que, aunque sea un individuo tan original, ha tenido, según la web Intertextual, algunos mentores.Rosemary's Baby (La semilla del diablo)/Polanski-1968, El Ángel Exterminador/Luis Buñuel-1962, The Friends of Eddie Coyle (El Confidente)/Peter Yates-1973,  The Taking of Power by Louis XIV (La Toma del Poder por Parte de Luis XIV)/Roberto Rossellini-1966 y  Earrings of Madame de (Madame de ...)/Max Ophüls-1953. Las que, por orden de aparición, serían obras de la preferencia del esteta norteamericano; al que parecen no cobrar el cachet establecido sus actores, a juzgar por la cantidad de estrellas que alumbran sus proyectos .
Estas son las cinco películas, según dicha web, que os harán conocer un poco mejor a este excéntrico director.


A modo de recordatorio vamos a desgranar algunos de los nombres de actores que protagonizan El Gran Hotel Budapest y sus anteriores visitas al Cineclub: Ralph Fiennes (Escondidos en Brujas), Edward  Norton (Moonrise Kingdom), Jude Law, Willen Dafoe (Nymphomaniac 2, Anticristo, Manderlay..), F. Murray Abraham (A Propósito de Llewyn Davis), Adrien Brody, Tilda Swinton (Rompenieves, Moonrise Kingdom, Los Límites del Control, Quemar después de leer, Flores Rotas, El ladrón de orquídeas), Harvey Keitel, (El Congreso, Moonrise Kingdom), Mahieu Almaric (La Venus de las pieles), Jason Schwartzman (Simone, Moonrise Kingdom), Tom Wilkinson (El Escritor), Bill Murray (Moonrise Kingdom, Los Límites del Control, Flores Rotas) y Lea Seydoux (La Vida de Adèle, Malditos Bastardos)


Y me parece a mi
Viejas paredes empapapadas en nostalgia

Cuando te sientas a ver una película de Wes Anderson, has de tener claro que te vas a subir a otro mundo; debes revisar tus claves de lógica y comprensión de las cosas y cambiarlas; aflojar cualquier atadura convencional y estar dispuesto a admitir, sin vacilación, que una suerte de anárquica inocencia y ridícula maldad luchan por controlar los designios de los seres vivos, incluídas las mascotas. Has de engrasar debidamente esas ironías que fueron ágiles, y ahora chirrían, para ponerte a la altura de sus historias fantásticas. Debes relajarte para no sentir vértigos y mareos en el inmenso tobogán de los sueños, fabricado con todos los caramelos que no pudimos comer cuando niños y que desemboca en la triste realidad de los mayores. Y ya, en ese momento, remostado de personajes wesandersianos, es cuando te haces cómplice y empiezas a disfrutar. A mí me ha funcionado con El gran hotel Budapest, pero sé que algunos abandonan en la primera fase y acaban acusando al director de majadero, y están en su derecho; como dicen estarlo los aficionados al fútbol que pagan su entrada para poder meterse con el arbitro.

Este cuento de entreguerras que habla de una Europa amenazada, por los de siempre; de unos ricachones sin principios ni escrúpulos y de unos supervivientes ingeniosos, elegantes, cultos y con sensibilidad poética, es una delicatessen con aromáticas, coloristas y dulces volutas de días que no volverán; y que en los recuerdos de los narradores, se han ido soldando con ensoñaciones, fantasías y otras entrañables demencias sin las que la vida sería aún más absurda, más irreal y menos interesante. Porque, para mí, aquello que no está contaminado de humanidad, amor, humor, exageración y errores no merece ser contado.
Jaht
El G. H. Budapest fue visto por 21+18 = 39 espectadores
La nota media de los asistentes fue:7,70

sábado, 14 de noviembre de 2015

Película 370 # Año 13


Una Segunda Madre
19 y 20 de Noviembre
Sala Avenida - Jaraíz -
21:00 Horas 




 DIRECTORA

Anna Muylaert

GUIÓN: Anna Muylaert

MÚSICA: Fabio Trummer, Vitor Araújo

FOTOGRAFÍA: Bárbara Alvarez

REPARTO: Regina Casé, Camila Márdila, Karine Teles, Lourenço Mutarelli, Michel Joelsas, Helena Albergaria, Antonio Abujamra 

GÉNERO: Drama | Familia 

DURACIÓN: 110 Min.

PAÍS: Brasil




SINOPSIS 

Val es una interna que se toma su trabajo muy en serio. Sirve a un adinerado matrimonio de São Paulo día y noche, y cuida a su hijo adolescente, al que ha criado desde su infancia. El orden de este hogar parece inquebrantable, hasta que un día llega desde su ciudad de origen la inteligente y ambiciosa hija de Val, Jessica, a la que había dejado al cuidado de unos familiares en el norte de Brasil 13 años atrás. La presencia de la joven pone en peligro el balance de poder en la casa. Esta nueva situación pondrá en tela de juicio las lealtades de Val y la obligará a valorar lo que está dispuesta a perder.


¿Quién es quién?

Anna Muylaert (São Paulo, 21 de abril de 1964 (51 años) es una actriz, guionista, y directora cinematográfica y de televisión brasileña.
Anna estudió cine en la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo (acrónimo en portugués: ECA-USP) en artes escénicas. Como guionista participó de los equipos de creación de los programas Mundo da Lua (1991) y de Castelo Rá-tim-bum (1995) por parte de la TV Cultura, Disney Club (1998), de SBT, y de Um menino muito maluquinho (2006), de la TVE Brasil, además de haber escrito el episodio de Open a Door :"O menino, a favela e as tampas de panela", dirigido por Cao Hamburger.

En 2005, fue coguionista de la serie Filhos do Carnaval, de la HBO, y realizó el último tratamiento guionístico del filme O ano em que meus pais saíram de férias, ambos dirigidos por Cao Hamburger. En 2007, colaboró en los guiones de la serie "Alice", con la dirección de Karim Ainouz, producción de Gullane filmes/ HBO. Ha escrito el guión del filme "Quanto dura um amor?" en asociación con Roberto Moreira.
Este es su cuarto, y más exitoso, largo como realizadora. En el 2002 dirigió Durval Discos

El cine brasileño ha sido "rara avis" en nuestro cineclub, esta es la tercera entrega. Habríamos de remontarnos al 2009 para encontrar dos muestras, muy celebradas por cierto: Tropa de Élite (Jose Padilha) y Estómago (Marcos Jorge)
Pero el hecho de que el cine de Brasil carezca, en nuestro país, de  cauces de distribución y comercialización adecuados, no quiere decir que sea una cinematografía residual. Directores, que fueron y son, como: Mário Peixoto, Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Walter Salles, Fernando Meirelles, Hector Babenco.... nos hablan de su calidad. Entre las películas más reconocidas se encuentran: Limite, Rio 40 Graus, Dios y el Diablo en la Tierra del Sol, Tieta de Agreste, Central do Brasil (Estación Central), Ciudad de Dios, Budapeste, La casa de Alicia....
Y en el campo de la interpretación tal vez reconozcáis a: Carmen Miranda, Sônia Braga, Florinda Bolkan, Rodrigo Santoro... 



Y me parece a mi
La humildad vencedora

La directora brasileña, sin tomar parte, sitúa al espectador ante una estampa de nuestros días: la relación laboral y afectiva entre una mucama y la familia que la tiene a su servicio. La aparición de una despierta y joven criatura, hija de la eficiente criada, consigue remover los cimientos de la estúpida lógica del convencionalismo y las castas sociales.
Con una férrea suavidad, Anna Muylaert, construye un escenario cierto que acabará empoderando al débil y haciendo aprender, a quien nunca se lo había cuestionado, que al mundo no le sostienen el dinero y sus influencias; que ellos, sin nosotros, son muy poca cosa; que la dignidad, aunque cueste, es el estado normal de la persona; y que serás fuerte si eres querido.
Lo realmente meritorio de esta declaración de justicia humana es que se hace sin elevar la voz en ningún momento, utilizando la humildad como arma de destrucción masiva y abriendo los ojos a quienes, creyéndose buenos amos, nunca fueron conscientes de su maestría como modernos esclavistas.

Los personajes, variopintos, frescos y reales, aunque para nada estereotípicos, están interpretados con la naturalidad que requiere la historia; aportando a un tema recurrente en el cine una originalidad impropia.
Jaht 
Una Segunda Madre fue vista por 55 espectadores.   
La nota media, según los seguidores del Gallinero, fue de:

domingo, 8 de noviembre de 2015

Película 369 # Año 13


La fiesta de despedida
12 y 13 de Noviembre
Sala Avenida - Jaraíz -
21 : 00 Horas



 DIRECTOR
Tal Granit, Sharon Maymon

GUIÓN: Tal Granit, Sharon Maymon
MÚSICA: Avi Belleli
 FOTOGRAFÍA: Tobias Hochstein

REPARTO: Ze'ev Revach, Aliza Rosen, Levana Finkelstein, Raffi Tavor, Ilan Dar, Yosef Carmon, Hilla Sarjon

GÉNERO: Drama. Comedia | Comedia negra. Vejez. Enfermedad. Comedia dramática  

PREMIOS:
   
2014: Festival de Venecia: Premio del Público
2014: Seminci: Espiga de Oro (Mejor película) y mejor actriz (Rosen & Finkelshtein)

DURACIÓN: 95 Min.
PAÍS: Israel




SINOPSIS 

En una residencia de ancianos de Jerusalén, un grupo de amigos construye una máquina para practicar la eutanasia con el fin de ayudar a un amigo enfermo terminal. Pero cuando se extienden los rumores sobre la máquina, otros ancianos les pedirán ayuda, lo que les plantea un dilema emocional y los implica en una aventura disparatada.




Y me parece a mi

Dile a Dios que se ponga

Tal Granit y Sharon Maymon nos contaron en la presentación de esta comedia de lo postrero: "Los actores principales pasan todos de los setenta y hemos tardado cinco años en tenerla preparada. Nos decían que nos diéramos prisa porque se les acabaría el tiempo. Afortunadamente todos han podido disfrutar del estreno"

La fiesta de despedida nos habla, con un lenguaje claro y un humor que se agradece, de la eutanasia; esa puerta hacia la muerte digna que los gobiernos y los poderes religiosos se empeñan en cerrar. La manera de tratar el tema es irreprochable: respetuosa y con una calidez humana de la que carecen los que dicen defender la vida; a los que habría que ver tomando decisiones si fueran ellos, o los suyos, quienes tuvieran que pasar por la tortura de seguir penando innecesariamente.
El jurado de la Seminci se fijó en el trabajo de esta compenetrada pareja, no solo por un merecido reconocimiento por lo bien hecho, también porque ayuda a desdramatizar el tema y a darle otra dimensión (naturalidad y dulzura) de la que carece.

Para quienes duden, por el supuesto dramatismo de la propuesta, asegurarles que fue la película que más carcajadas provocó, dentro del Calderón, en la 59 edición de la Seminci.
No os la perdáis.
Jaht 

 

¿Quién es quién?
Con "La fiesta de despedida", el cine israelí, acomete su quinta participación en el cineclub. No es una de nuestras fuentes cuantitativas pero, a juzgar por los títulos, que el curioso lector de este blog estará deseando que desgrane, sí es un cine de gran interés y calidad.

Las aves judías tardaron en anidar en nuestro Gallinero. Fue avanzada la 5ª temporada; allá por el 2008, cuando nos llegó una exitosa propuesta de Eytan Fox (Yossi & Jagger, La burbuja (Solos contra el mundo......), de título: Caminar sobre las aguas. En el mismo año, pero en la temporada 6ª descubrimos, gracias a  Los limoneros , a una de nuestras actrices favoritas, la palestina Hiam Abbas, de la    mano de Eran Riklis (La novia siria, El viaje del director de recursos humanos, Mis hijos....). En el 2011 (8ª temporada), la ópera prima de Scandar Copti y Yaron Shani, con un nombre como un cuchillo: Ajami. Y pronto cumpliremos un año de la última aportación de la celebrada y complicada:  El Congreso de Ari Folman. Todo esto antes de recibir con honores a Tal Granit y Sharon Maymon (en la foto) que se han hecho célebres gracias a Mita Tova , denominación original del film que hoy nos ocupa y que también comparten los largometrajes: Mortgage (2006), Una cuestión de tamaño (2009);  y los cortos: Matar a un abejorro y Vacaciones de verano.



La fiesta de despedida fue vista por 81 espectadores.   
La nota media, según los seguidores del Gallinero, fue de:8,60

martes, 3 de noviembre de 2015

FOTO DENUNCIA

¡¡¡Los corresponsales de "El Gallinero" en la SEMINCI fueron sorprendidos por un reportero gráfico debidamente camuflado "haciendo su trabajo" en aguas del Pisuerga!!!
¿Es para esto para lo que les pagamos dietas y costeamos todos sus desplazamientos...?
Luego nos lamentamos. Así nos va...

miércoles, 28 de octubre de 2015

Película 368 # Año 13


Papusza
5 y 6 de Noviembre/21:00 Horas
Sala Avenida - Jaraíz -






DIRECTOR 
Joanna Kos-Krauze/
Krzysztof Krauze

GUIÓN:  Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze

FOTOGRAFÍA: Krzysztof Ptak

REPARTO: Jowita Miondlikowska, Zbigniew Walerys, Antoni Pawlicki, Artur Steranko, A Walden.

GÉNERO: Drama/Biografía

DURACIÓN: 125 Min.

PAÍS: Polonia



SINOPSIS

Biografía de Bronislawa Wajs (Papusza), primera poeta gitana que recibió el reconocimiento de ver su obra publicada en Polonia. Repudiada por su propia comunidad, que la acusó de haber traicionado los secretos de su pueblo, Papusza vivió inmersa en la pobreza y la abnegación, torturada por la culpabilidad hasta su muerte en 1987.


¿Quién es quién?

Bronisława Wajs, "Papusza, nació en Lublin (Polonia) 17 de agosto de 1908. Falleció el 8 de febrero de 1987. 
Poeta y cantante romaní, hija de familia de gitanos nómadas,  para los que la naturaleza, los bosques, los ríos y los caminos eran su hogar. Sobre sus cabezas el cielo limpio y azul de Polonia, a sus pies las pedregosas veredas que surcan las ruedas de madera tiradas por caballos.
Gran parte de la obra poética de esta mujer constituye una descripción de la vida gitana, escritos apasionados en los que expresa la magnitud de los sufrimientos de su pueblo en un tiempo marcado por la guerra, por la amenaza constante del mundo gadjikane (no gitano) y por la nostalgia de nada, del camino que lleva a ningún sitio. La melancolía propia de un pueblo que carece del sentido de de patria, unas gentes que  capaces de sobrevivir en la dura utopía del camino. 
El tabor de la poetisa bajaba por los bosques orientales de Volinia hasta el sur de Ucrania. Eran arpistas, transportaban sus instrumentos y paraban uno o dos días en las aldeas, momentos que la gitana aprovechó para aprender a leer.
En 1962 fue incluida en 1962 en la Unión Polaca de Escritores. Sus obras han sido publicadas y traducidas a alemán, inglés, francés, español, sueco, italiano. Algunos de sus poemas se incluyeron en 1998 en el libro "The Roads of Roma: A PEN Anthology of Gypsy Writers"


Está en la película.

LA MALDITA DIFERENTE
La tragedia vital de Bronisława Wajs, protagonista de una historia de rebelión y sacrificio, acusada de revelar los secretos de su pueblo, fue filmada en 2013 por el matrimonio formado por Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze casi como un espectáculo visual, tan pictórico como cinematográfico. Mediante un fascinante blanco y negro, la cámara retrata los encantos de la vida calé pero también sus calamidades. Un drama hiperrealista  en el que la figura central es Papusza.
No se trata de una película sobre una mujer que primero aprende a leer y a escribir, y después canaliza de esta manera su talento creativo, sino de una historia universal. Una historia de mujeres sometidas a un sistema patriarcal y arcaico en el que las supersticiones y maldiciones están al orden del día, y en donde el contacto con otra cultura sólo provoca problemas. Papusza se transforma así en la imagen de una mujer sometida que sólo encuentra la libertad a través de lo que escribe en papel, aunque esa misma libertad termine después por volverla loca
Desde el primer al impresionante último plano, el trabajo de los directores, con encuadres y composiciones cercanas al romanticismo pictórico alemán. El trabajo de Krzysztof Ptak como director de fotografía es deslumbrante; una belleza que, por cercanía en el tiempo y en el espacio, es fácil comparar con la de Lukasz Zal y Ryszard Lenczenwski para “Ida” (película 353 del Gallinero).La imagen, en realidad, es más de media película, porque en lo narrativo la pareja de directores cuenta su relato a través de secuencias muy cortas que intercalan momentos en desorden cronológico entre 1910 y la década de los 70.


Y me parece a mi
La maldita diferente

Papusza, término romaní que significa muñeca, es el nombre con el que los gitanos polacos conocían a Bronislawa Wajs, la primera mujer de esta etnia que vio publicada su intuitiva obra poética.
Los Krauze (Joanna y Krzyztof ) son un matrimonio de directores con películas tan fiables como “Plaza del Salvador”que en esta ocasión también nos han sorprendido, positivamente, presentando una crónica de las ventajas e inconvenientes del vivir nómada de un pueblo valiente e irreductible, pero también carcomido por las poco científicas profecías y los prejuicios; máxime cuando un elemento ajeno y payo se introduce en la comunidad.

La original manera que han elegido para contarlo potencia el valor de este diferente biopic. El zoom que nos aleja y nos introduce en los poblados y asentamientos de la familia Wajs; el color, que abarca una amplísima gama de grises y ayuda a que la acción se sitúe en el tiempo del recuerdo; los paisajes, a la par grandiosos, libres y desolados…… Tal vez en el debe, para ser justo con mi completo criterio, se deberían anotar excesivos retrocesos en la narración, que en ocasiones nos desdibujan el hilo argumental; aunque es cierto que la apabullante fotografía amortigua los pequeños errores; porque, ¿quién se resiste a esos días de lluvia y nieve en plena campiña; a esos ríos cristalinos; a las hogueras en plena noche crepitando al ritmo del arpa, la trompeta y el acordeón; a los caballos, echando humo por los ollares mientras tiran del carro?
Jaht



“¿Quién se resiste a esos días de lluvia y nieve en plena campiña, a esos ríos cristalinos, a las hogueras en plena noche crepitando al ritmo del arpa, la trompeta y el acordeón, a los caballos echando humo por los ollares mientras tiran del carro?”  (Sinhué)


Papusza, fue vista por: 66 espectadores
Los asistentes la valoraron con un:8,70

lunes, 26 de octubre de 2015

Desde Pucela



60 años después la Seminci sigue viva. Ese cine raro; de autor; de gentes que, tras mirar a un lado y otro por encima del cuello de sus gabardinas, entran en las salas, no solo a divertirse o entretenerse, si no también a sentir y sufrir; ese extraño espectáculo aún respira, y no podéis imaginaros con cuanta potencia. Valladolid, estos días, huele y sabe a novedades cinematográficas y está impregnado de nombres y recuerdos: películas, actores, directores....Lo que fue y será nuestro fecundo mundo de certezas e imaginaciones, de sueños y fantasías, de confraternización y argumentos misantrópicos.
Pocos besos tan amorosos y pasionales como aquellos que en una  ya lejana edición, alguién estampó sobre un celuloide, dejando una huella imperecedera.

Para los que no tengan aún muy claro de qué va esto, y para destruir los prejuicios de quienes ven tras el Cine de Autor experimentales y aburridas historias, un breve repaso a nombres y obras que forman cuerpo con la Seminci: Fellini, Bresson, Bergman, Truffaut, Orson Wells, Visconti, Samuel Fuller, Billy Wilder, Tarkovsky, Bertolucci, Ken Loach, Kurosawa, Kubrick, Buñuel, Kiarostami, Chabrol.... y también Louis Malle, Wong Kar-wai, Ridley Scott, Spielberg, Paskaljevic, Zhang Yimou, León de Aranoa, Kim Ki-duk, Audiard, Víctor Erice, Kaurismaki, Saura, Guediguian.....
Por aquí, entre los miles de títulos que han pasado (este año se proyectan más de 270 películas) es bueno recordar algunos que entraron en nuestro país por la puerta de la Seminci: Diario de un cura rural, Ciudadano Kane, La naranja mecánica, El séptimo sello, Noches de Cabiria, La vía láctea, Los 400 golpes, Primera plana, Alguien voló sobre el nido del cuco, El manantial de la doncella, Harakiri, Barbarroja, Persona, Nazarín, Las dos inglesas y el amor, Harold y Maude, Amarcord, Extraños en el paraíso, Sacrificio, Ojos negros, Asunto de mujeres, Semilla de crisantemo, Thelma & Louise, Léolo, La estrategia del caracol, Café irlandés, Mi nombre es Joe..........y más recientemente: Réquiem por un sueño, Hierro 3, La ciudad está tranquila, Billy Elliot, Italiano para principiantes, El hijo de la novia, Good Bye, Lenin, Lost in Translation, Las invasiones bárbaras.........

Y una vez introducido el tema, esta especie de enviado especial del Gallinero os va a hablar de lo que acontece en esta edición del 2015 que se inauguró el día 24 con dos películas, una de ellas, la comedia de Corbacho y Cruz, fuera de concurso.

DÍA 1

Dheepan   Jacques Audiard   (Francia) 

Las otras guerras

Los inmigrantes, refugiados, apátridas, exiliados....nos cuenta Jacques Audiard, son seres invisibles para la mayoría de nosotros y cuando reparamos en ellos es porque les consideramos una amenaza, un incordio o un problema irresoluble, al que se llega porque alguien firmó en su momento, y de manera irreflexiva al parecer, la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Cuando los responsables gubernamentales, a regañadientes, deciden acogerlos, lejos de concederles un hábitat digno y solidario, les endosan el estatus de marginales. Pero los seres humanos desplazados y supervivientes pueden tener detrás una vida tan terrible, tan injusta y tan merecedora de reparación como la de Dheepan.

Dheepan es solo un nombre obligado a resucitar para que un guerrillero perdedor pueda renacer en alguna parte de la considerada zona civilizada, allá donde supuestamente no hay guerras y donde, también supuestamente, las leyes se cumplen y se respetan derechos fundamentales.

El director francés, como ya nos había demostrado en otras ocasiones, ni es complaciente ni pusilánime, y aunque pueda parecer excesivo en algunos momentos, deja patente que la ficción es solo un zarpazo de la realidad dormida, la que acecha tras la turbada mente de un elefante acosado y justiciero.
MI CALIFICACIÓN   7 SOBRE 10 

 Incidencias   Corbacho/Cruz   (España)
[Fuera de concurso]

La "graciosa" xenofobia

Simpática comedia que no consigue elevar el humor a la categoría de arte. Demasiados flecos deshilachados como para considerar redonda esta parodia de los ridículos tiempos que estamos viviendo. Una ensalada sin aliñar y cuajada de sketches, más o menos graciosos en función del comediante.

La idea tiene su interés y uno tiene la impresión de que si la hubieran tomado, guionistas y realizadores, algo más en serio, aproximando el retrato de los personajes a colores grises o negros, en lugar de a tonos pastel, estaríamos hablando de algo diferente. Porque está muy bien lo de reírse de la falta de principios, la mediocridad, la corrupción, la tecnológica estupidez, la inutilidad uniformada y todas las taras que afligen (a unos más que a otros) a los españolitos del siglo XXI, pero el cachondeo tiene un recorrido corto y la sensación que le queda al espectador es que se busca un entretenimiento liviano, y que la maldad que envuelve a los ocupantes del AVE anclado en la estepa, son defectillos irresolubles y perdonables que despertarán hilaridad en quienes no tengan que sufrir a semejantes energúmenos y desequilibrados.

Cuando se realizan estos intentos fallidos y terapéuticos de la exposición de nuestras vergüenzas, no puede uno dejar de acordarse de García Berlanga, y en la comparativa quedan empequeñecidos claramente los autores de Incidencias.
MI CALIFICACIÓN    5 SOBRE 10

 DIA 2

45 Años   Andrew Haigh   (Reino Unido)
Un negro moscardón penetra la conciencia

Las dudas, las nubes negras, las lejanas cartas son una amenaza, quién sabe si definitiva, para una pareja dispuesta a celebrar los 45 años de su matrimonio. Una tranquila jubilación, sin hijos que distorsionen los otoñales días de una larga vida en común, puede verse alterada por incómodos aleteos del pasado.
¿Nos queremos, nos hemos querido, hemos sido sinceros o solo nos soportamos porque la soledad es más dura y los convencionalismos, a nuestra edad, no hay quien se los salte? Unos acontecimientos que el destino pone al descubierto casi cincuenta años después, disparan todas estas preguntas en la cabeza de Kate. ¿Esa información, congelada en el tiempo, es realmente importante o la excusa necesaria para replantearse toda una convivencia y un escueto futuro?

Pequeña y esquemática obra de Andrew Haigh que plantea un conflicto existencial bien resuelto por las interpretaciones de dos actores de carácter que hacen de los pequeños gestos, las miradas y la inmovilidad sus más creíbles armas.
MI CALIFICACIÓN   6 SOBRE 10


Una historia de loco   Robert Guediguian   (Francia)

Los locos tienen razón

Basándose en la autobiografía del periodista gallego José Antonio Gurriarán contenida en su libro: La Bomba, Robert Guédiguian traslada la acción del atentado del ESALA (Ejército Secreto Armenio para la Liberación de Armenia) en Madrid a la embajada de Turquía en París, no sin antes mostrar, en una especie de reportaje-ficción documentado, el origen de la violencia posterior del grupo armado, que no es otro que el "invisible" genocidio de su pueblo (millón y medio de muertos) a manos del imperialismo turco, no reconocido aún por los otomanos.

El odio, la venganza y el efecto publicitario suelen estar en la base de cualquier acción terrorista y la fórmula para acabar con estos actos y sus daños colaterales, según el realizador marsellés, Gurriarán y muchos que afortunadamente piensan como ellos, pasa por intentar llegar a la raíz, hacer un esfuerzo de comprensión y convencerles de que pueden luchar por su justa causa abandonando su sociedad con la muerte.

Esta otra forma de enfocar ha demostrado ser más efectiva, para erradicar las luchas armadas, que las represiones políticas, la cerrazón ante las negociaciones y el ninguneo de los estados poderosos para con los débiles y humillados. Claro que nos han hecho creer que lo políticamente correcto es castigar a quienes no cumplen con las reglas del juego, sin que reflexionemos sobre quienes y porqué han confeccionado tantas normas excluyentes.

Esta, mi crítica 800 para Filmaffinity, la he hecho coincidir, desde la 60 edición de la Seminci, con una película del valiente, comprometido y honesto Robert Guediguian, que trabaja para un mundo mejor utilizando el cine como herramienta, y al que le deseo el mayor éxito, porque no en balde él es uno de los nuestros.
MI CALIFICACIÓN   8 SOBRE 10

Una pastelería en Tokio   Naomi Kawase   (Japón)

Cuando el amor se contagia

La historia también está sustentada por las vivencias diminutas, vino a decir Kawase en la presentación de Una pastelería en Tokio, película que proyectó en primicia, dentro de la Sección Oficial de la 60 Seminci.
Con un lenguaje de sublimación poética, que construye un castillo inexpugnable en el que habita la inocencia, la directora japonesa nos cuenta una historia mínima (imposible no recordar a Carlos Sorin) empapada por la sonrisa de una angelical viejecita llena de vida, aunque la muerte la visitó para quedarse siendo una adolescente.

Las bellas imágenes de los cerezos en flor, el tranquilizador bisbiseo del viento y los dulces aromas, que casi llegan al patio de butacas, no alejan al espectador de las crudas realidades de los personajes, de sus soledades y sus inciertos futuros, pero allá donde llega el bálsamo de la ternura la vida se ilumina; de forma que una historia de discriminación se convierte en un ejemplo solidario de reconducción.
Pocos, como los orientales, para contar tanto con tan pocas palabras. Difícil olvidar (¡ojalá no lo consiga!) a Tokue, una víctima, que recicla en amor todo el odio recibido, el asco en arrullo y los pasteles incomibles en irresistibles dorayakis.
MI CALIFICACIÓN   7 SOBRE 10

DÍA3

 
 Aurora   Rodrigo Sepúlveda   (Chile)
Cuerpecitos de guaguas fríos

"No botar guaguas", es un mensaje que en el 2003 se colocó en contenedores de basura y lugares donde alguien pudiera arrojar cadáveres de recién nacidos. El llamamiento formaba parte de una campaña que la socióloga Bernarda Gallardo inició para concienciar a la sociedad de que los bebés aparecidos eran seres humanos a quienes se les habían negado todos los derechos, incluido el de un digno entierro. Con este argumento el director chileno construye una película curiosa y reflexiva; curiosa porque remueve cimientos legalistas y de sentido común y reflexiva porque sabes que en el fondo no es un asunto menor que atañe a una mujer excesiva y desequilibrada, si no que es un enfoque humano y diferente que la mayoría "ovina" está dispuesta, de inmediato, a considerarlo una excentricidad de madre frustrada e insatisfecha.

En la 60 Seminci, donde se ha presentado, algunos se han puesto de cascos, a juzgar por el ruido que producían sus herraduras sobre el suelo del Teatro Calderón. Allá ellos, entiendo que no les haya gustado, pero sepan que a mí los resoplidos, coces, relinchos y otras expresiones equinas, prefiero oírlas en un hipódromo que en la sala de un cine. Dudo que el director y su equipo, cuando han realizado su trabajo lo hayan hecho para ofender al espectador; en cambio la educación más elemental nos dice que patear a alguien o algo no es muy respetable, no solo para los agraviados de forma directa, también para quienes sí han disfrutado con la película o consideran inadecuado (un teatro no es una cuadra) y molesto (no es música precisamente lo que producen sus zapatos) su estentóreo enfado.    
MI CALIFICACIÓN   6 SOBRE 10



 Zonda, folclore argentino   Carlos Saura   (Esp/Arg/Fr)
[Fuera de concurso] 

Viento del pueblo

Carlos Saura vuelve a la música argentina, en este caso a la que erupciona principalmente en el noreste del país, como si se tratara de un canto de sirenas que le persigue desde su juventud. La zamba, la chacarera, la cueca....; ritmos indios, andinos, pamperos....; acompañados del baile y enriquecidos, alguno de ellos, por el jazz y otras músicas populares.

El Zonda, es un viento fuerte y cálido, proveniente de la cordillera cuyana, que afecta desfavorablemente a los seres vivos produciendo cierta inquietud y excitación. Las gentes de este documental de Saura le hacen frente con las armas creativas de la danza y la canción.

Dos homenajes imprescindibles, si de alma, memoria y sangre del pueblo hablamos, los que hace el aragonés en las figuras de Mercedes Sosa (Cambia,todo cambia) y Atahualpa Yupanqui (Las preguntitas sobre Dios).
La música como ligero y necesario vehículo de la cultura capaz de transmitir y emocionar, ni más ni menos.
MI CALIFICACIÓN   7 SOBRE 10 


Dégradé   Hnos Nasser   (Palestina)

Al león flaco....

En Gaza, además de resistir al acoso israelí, suceden otras cosas según los Hnos Nasser. En esta franja las batallas no son exclusivamente contra el ejército israelí, facciones palestinas de diferente ideología acaban chocando entre sí y Hamás, en ocasiones, pasa de ser un grupo aliado para convertirse en autoritario y represor.

Y, mientras los hombres juegan a la guerra, las mujeres intentan que la vida se normalice acudiendo a la peluquería; porque contra las explosiones de los obuses, las ráfagas de ametralladora, los apagones y el pánico, ellas utilizan el arma de la rutina pacífica: acicalarse, chismorrear, planificar y escaparse durante unas horas del siniestro acontecer de las jornadas. Pero no es fácil sustraerse de la realidad.

La película hubo de rodarse en Jordania por múltiples problemas, según los directores, que solo pretendían dar otro punto de vista de las actividades que llevan a cabo una parte importante de los 800.000 palestinos que habitan esta zona encendida y que no participan de la lucha armada o la inmolación. Tal vez por las dificultades, la falta de medios o por decisión meditada, la ópera prima de Arab y Tarzan acaba siendo prácticamente la grabación de una obra de teatro, con algunas actrices más que solventes.
MI CALIFICACIÓN   6 SOBRE 10



Nahid   Ida Panahandeh   (Irán)

¿Alguien sale de un callejón sin salida?

Nahid es una mujer valiente amarrada a una realidad aparentemente insalvable. La joven, que tiene la envidiable facultad de levantarse cada vez que se cae y de rectificar cada vez que se equivoca, está condicionada por un desastroso matrimonio, acordado en su primera juventud y por un hijo fruto del mismo.

En Irán, si has nacido hembra tienes un serio problema porque muchas de las decisiones de tu vida las toma alguien que, por lo general, está bastante menos capacitado que tú. Si además eres un ser de espíritu libre, sin ataduras religiosas, en una sociedad tan mediatizada por las creencias y los convencionalismos, es como para salir corriendo. Pero lo cierto es que si, después de estas desgraciadas circunstancias, eres capaz de seguir riendo posiblemente te conviertas en indestructible.

La joven directora, Ida Panahandeh, tiene el oficio propio de los de la Escuela de Teherán; y mantiene un ritmo acompasado durante el relato que convierte la obra en un producto digno, interesante y bien abrochado. Declaraba la realizadora iraní, en la Seminci 2015, que aún no ha sentido la necesidad de salir de su tierra para contar las historias que le han ido surgiendo.
MI CALIFICACIÓN   7 SOBRE 10

DIA 4

El mundo abandonado   Margarethe von Trotta  (Alemania)

El resultado de los desórdenes emocionales

La experimentada directora alemana, basándose al parecer en una vivencia personal, ha traído a esta 60 Seminci una película que,al contrario de Hanna Arendt, no ha impactado en el patio de butacas; y no porque sea incierta o increíble, si no porque esos sentimientos que se expresan en la historia nos pillan muy alejados a los mediterráneos, de sangres más calientes y culturas más convencionalistas.
Porque tú, adulto, ¿cómo reaccionarías si te enteras de que un familiar muy próximo aparece de repente sin que tú tuvieras la más mínima sospecha de su existencia? ¿Te alegrarías?,¿montarías en cólera porque alguien muy querido no ha confiado en ti y te lo ha ocultado?, ¿es lo mismo pertenecer a una familia de un estracto social alto, o a una de perfil bajo?......
Todas estas preguntas, y otras más, se te plantearán tras ver esta ficción biográfica que, da la impresión, la querida Margarethe se la ha tomado como un ejercicio de engrase y mantenimiento profesional, sin excesiva dedicación y sin tomarse la molestia de infundir alma a los personajes; a menos de que sea eso precisamente lo que nos ha querido contar.

Ciertamente en casi todas las familias existen secretos, muchos acaban haciéndose visibles y las reacciones pueden ser más o menos curiosas, más o menos pasionales; pero lo que queda claro, aunque haya indicios de cambio, es que a las gentes del sur las erupciones volcánicas de lava fría no nos convencen.
Aún así, la propuesta de la realizadora me sigue pareciendo interesante por sincera y autocrítica, aunque a nosotros los afectados nos parezcan marcianos con un enorme cerebro y una pequeña válvula de bombear sangre, o combustible parecido.
MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10

La adopción   Daniela Féjerman  (España)

Cuando un niño es un objeto de valor

Es lo que tiene el cine de autor que, en muchas ocasiones, los creadores acaban escribiendo o rodando experiencias personales, adornándolas con algo de fantasía o complementándolas con cosas oídas o leídas. Definitivamente, descartamos la teoría de que el material primigenio para hacer las películas sale de un sucio tubo de ensayo y de un siniestro laboratorio.
Pues eso, parece ser que Daniela Féjerman, la directora argentina, sufrió en su vida un episodio muy parecido al que nos muestra en La adopción que, como su nombre indica, tiene que ver con las vicisitudes de una pareja catalana a la busca y captura de un niño por tierras del este europeo.

El peso de esta especie de road-movie sentimental y kafkiana, cae sobre los hombros de Nora Navas y Francesc Garrido, los futuros padres que, buscando mejorar su vida se meten en un auténtico lodazal de despropósitos y corrupción.

Sería deseable que la película llegara acompañada de un aviso, prohibiendo la entrada a quienes estén a punto de iniciar un proceso de adopción en países extranjeros, para no influir de manera definitiva en sus decisiones; o tal vez los asistentes sociales deberían proyectarsela a los interesados para que no cometan los mismos errores que esta pareja catalana por tierras de Lituania.
MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10


El valle de los carneros   Grímur Hákonarson  (Islandia)

Los hermanos Caín
Puede que para las autoridades islandesas, unos cuantos carneros y unas miles de ovejas sean una amenaza sanitaria para la cabaña del resto del país; pero para quienes han trabajado toda su vida para consolidar una raza autóctona y campeona, estas sedosas bolas de lana son amigas, hijas y esposas. Ellas y sus portentosos machos han sido la alegría del valle, la excusa para los festejos, la razón para levantarse cada día..... Y ahora los engreídos veterinarios dicen saber lo que hay que hacer. Pero hasta los mayores enemigos sumarán esfuerzos para evitar el total exterminio.

Difícil ponerle género a esta tierna, y a la vez arisca, entrega cinematográfica. Su director ha llegado a decir que es un wester en cinemascope como los que hacía Sergio Leone. Lo cierto es que Rams (El valle de los corderos) es una simpática joyita que llena los ojos, huele a verdad y sabe a cine añejado en barricas de roble.
Otro ejemplo más de que las cosas pequeñas pueden ser épicas si se les da el tratamiento adecuado y se cuentan desde la humildad y la honestidad.
MI CALIFICACIÓN  7 SOBRE 10

DIA 5

Boda de papel  Nitzan Giladi  (Israel)

Los que rompen muñecas

Hagit es una jovencita inocente con una sonrisa que enciende las estancias oscuras, con una mirada que te hace avergonzarte hasta de las mentirijillas, con un almacén de ilusiones y una capacidad de perdón envidiables..; ¿qué le falta entonces a esta jovencita, para comerse el mundo?. La maldad, esa es la carencia que la hace diferente. En este mundo ese déficit es un hándicap insalvable que complica la existencia de quienes padecen la maravillosa enfermedad de la inocencia permanente, y de quienes rodean a estos seres, porque saben que viven en un estado de injusticia permanente.

Nitzan Giladi ha traído su primer largometraje a la Seminci 2015, film que aquí se conocerá como Boda de papel, certificando la buena salud del cine israelí; y tratando un tema, que podría fácilmente caer en lo melodramático, con el suficiente pulso para evitar sensiblerías. Porque en el fondo, según las propias intenciones del autor, lo que queda de manifiesto es que los llamados normales son quienes sufren de una severa discapacidad intelectual.
MI CALIFICACIÓN  7 SOBRE 10

¿Por qué yo?  Tudor Giurgiu  (Rumanía)

¡Por listo, te ha tocado la china!
 
¿Por qué yo?, es la pregunta que un joven fiscal rumano le lanza a su jefe cuando es consciente de que está siendo utilizado para encubrir corrupciones de las altas esferas.
Oportuno thriller político sobre tramas que controlaban el estado, se repartían las prebendas y entorpecían las investigaciones en la "democracia" del país del conde Drácula, allá por el 2002. Y recalco lo de oportuno, por las similitudes de todos estos procesos intervencionistas en los estados mafiosos del sur europeo (léase Italia, España, Portugal....). El control y presión sobre los ciudadanos que no se dejan comprar utilizando, sin escrúpulos espías, policía y todas las armas que el mandato popular ha puesto, supuestamente, en manos de los mismos que manejan el cotarro desde tiempos inmemoriales.

Es mentira que haya división de poderes y que la ley desenmascare a todos aquellos que la incumplen. Los circunloquios kafkianos acaban axfisiando cualquier intento de regeneración, porque para ello la limpieza habría de ser más profunda y las llamadas fuerzas del orden, no debieran hundir sus raíces en regímenes anteriores; y aquí nos estamos refiriendo tanto a la Securitate como a la policía política de Franco.

MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10


Beeba Boys  Deepa Mehta  (Canadá)
¡Si Gurú Nanak levantara la cabeza!

En la comunidad sij de Vancouver, además de cumplir con la familia y los ritos religiosos, algunos de los jóvenes miembros tienen otras aficiones, por ejemplo: el control de drogas y armamentos, negocio que como todos sabemos proporciona buenos dividendos y exige poca capacidad intelectual.
Los Beeba Boys son una banda que se apunta a aquella máxima del "vive deprisa, muere pronto y deja un bonito cadáver".

La película sorprende en principio porque, de la espiritual y menuda Deepa Mehta, no esperabas algo que, buscando reflejar la violencia latente en las calles de la ciudad canadiense, recurre al estilo Tarantino (del que soy un admirador, pero bajo otra mirada), no sabiendo reflejar la épica contenida en las mejores aportaciones del género de gánster.
Una lástima, porque no dudo en absoluto de la capacidad, más que reconocida, de la directora india, asentada en Canadá. Títulos como: Fuego, Tierra, Agua y Cielo la avalan.
A favor de Beeba Boys el colorido portentoso del que siempre hace gala la hindú y pocas aportaciones más.
MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10

DIA 6
Tikkun  Avishai Sivan  (Israel)

¿Dios te ama?
Tikkun es el primer largo de Avishai Sivan y el último que muchos asistentes al Calderón, en la Seminci 2015, van a ver del citado director, a juzgar por los abandonos de butaca y el pataleo con el que algunos recompensaron su ópera prima. Que digo yo: si estás obligado a estar en la sala al inicio de la proyección para no molestar a los demás, ¿por qué se permite la deserción, gota a gota o chorrito a chorrito, a lo largo del metraje?.
A la gente le incomoda el ritmo, la colocación de la cámara, la falta de música, la sobriedad de los planos, la explicitud de algunas escenas...,y puedo entenderlo, pero harían bien en informarse antes del comienzo para ahorrarnos a los demás innecesarias molestias.

Y una vez hechas estas precisiones, mi opinión es que esta obra tenebrista es una meritoria toma de contacto con el séptimo arte del realizador israelí. No está pensada efectivamente para entretener, si no para mostrar el resultado del integrismo religioso en la mente de un joven estudiante ultraortodoxo, y todo su entorno familiar, después de un suceso que los creyentes podrían interpretar como una resurrección.
Tikkun toma su nombre del término "rectificación", que los judíos interpretan como un retorno desde el más allá para arreglar asuntos pendientes de su vida pasada.

"Tal vez, piensa Aaron, no estoy muerto porque he de conocer todo aquello que ignoraba; la vida que está detrás de la oración y el sacrificio, la vida de los otros". "He contravenido una decisión divina al salvar la vida de mi hijo, reflexiona el padre, su maldición caerá sobre nosotros, tengo que hacer algo"

El trabajo de cámaras fijas, el color en blanco y negro (estupenda fotografía), la ausencia de banda sonora..., acentúan el mensaje oscurantista, obsesivo y claustrofóbico que se nos quiere transmitir.
Cuenta Avishai Sivan que quien protagoniza el personaje principal (Aharon Traitel), debuta en la interpretación y fue seleccionado por haber formado parte, hasta los quince años, de una escuela jasídica, aportando su personal experiencia.
MI CALIFICACIÓN  7 SOBRE 10


The girl king  Mika Kaurismaki  (Canadá)

Una reina que leía

La reina Cristina de Suecia fue, parece ser, una mujer tan adelantada a su tiempo que de haber vivido en nuestros días seguiríamos considerando que aún no habría llegado su hora. Porque díganme si ustedes creen que nuestras reinas y reyes contemporáneos tienen ya resuelto eso de considerar preferente la cultura e ilustración de sus súbditos y si tienen asumido que su condición sexual puede pasar, con total naturalidad, por tener una pareja con su misma entrepierna.
Creo no obstante que su figura está pelín idealizada y que posiblemente su imagen es tan solo una deformación cinematográfica, a menos que algún sesudo historiador me convenza de lo contrario.

El mayor de los Kaurismaki, esta vez bajo bandera canadiense, lleva a cabo un biopic de este interesante personaje, con mucho oficio pero con pocas novedades y con escasa capacidad de emocionar, a pesar del empeño de la actriz protagonista bien secundada por Michael Nyqvist. 
MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10


La arteria invisible  Pere Vilà i Barceló  (España)

Arterias seccionadas

Pere Vilà i Barceló insiste en su mirada cinematográfica que no le hace nada simpático para la mayoría del público. Preguntado sobre el por qué de la lentitud de sus planos fijos, él argumenta, y creo que con buen criterio, que es su manera de involucrar al espectador, de implicarle, de que el que mira acompañe en las desazones y molestias a los protagonistas.

La arteria invisible es la traslación, a nuestra cultura sentimental, de lo que sería el hilo rojo con el que los japoneses representan las relaciones entre las personas. La fragilidad de este cordón es el que nos condena, más a menudo de lo deseable, a inhospitas soledades.

La trama, en esta ocasión, nos habla de las consecuencias de actos a los que en su origen no se les ha dado demasiada importancia y que estallan años después, aportando más desequilibrio a una situación ya de por sí complicada.
Los personajes del director catalán suelen ser individuos noqueados, desesperados o al borde de la locura; víctimas desde la infancia del abandono y de la falta de calor familiar y difícilmente recuperables. Las interpretaciones de Nora Navas (histérica por frustración materna) y Alex Brendemühl (político sin escrúpulos) son más que solventes y las reacciones de sus personajes, enfrentados a equivocadas decisiones del pasado, más que creíbles.
Que todo esto podría contarse de otra manera y con menos metraje, posiblemente; pero ya sería otra película, otro realizador y desconocemos el resultado, que tal vez disgustaría a quienes, como a mi, nos parece bien como está.
MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10

DIA 7


Mustang  Deniz Gamze Ergüven  (Francia)

Jaula para caballitos salvajes

En algún lugar de Turquía, cerca del mar, donde la luz mediterránea pinta las flores e ilumina la vida que vendrá, está a punto de producirse un apagón porque unas jovencitas pondrán en riesgo, con toda la inmoralidad que albergan las criaturas entre los diez y los dieciocho años, los convencionalismos culturales y religiosos de sus mayores. Jugar con chicos, subiendo a sus hombros, es una osadía lúbrica que debe corregirse. La abuela y el tío, alentados por el vecindario amenazado, se ponen manos a la obra, dispuestos a encauzar la maléfica fuerza que corre por las venas de las adolescentes.

¿Es la envidia, la ira por lo perdido, el miedo a la libertad....?. ¿Qué extraños sentimientos llevan a las sociedades a cortar las alas a quienes quieren levantar el vuelo? ¿Por qué se defienden de enemigos imaginarios?

Estupenda sinfonía de imágenes y contenidos la de la directora turca, afincada en Francia, Deniz Gamze Ergüven. Magistral fórmula la de mostrar una milenaria tragedia a través de los inocentes ojos de una niña, que a la vez será la valiente voz de la denuncia y la esperanza de un auténtico amanecer.

No es extraño que en el 2015 haya sido la película preferida por la crítica y el público de la Seminci, a la vez Espiga de Plata y Premio Pilar Miró para su creadora. Pero lo que sería un auténtico triunfo sería una buena acogida en ese hermoso país, en el que transcurre la historia, y que parece incapaz de huir del oscurantismo.
MI CALIFICACIÓN  8 SOBRE 10


Fúsi  Dagur Kári (Islandia)

La montaña humana

Sin duda, junto a las niñas de Mustang, el personaje que ha recogido más muestras de cariño en esta Seminci 2015, ha sido el hombre con más kilos de humanidad de la muestra: Fúsi.
A sus cuarenta y pocos, Fúsi es un Peter Pan bonachón, uno de esos raros ejemplares que se saltan la serie y circulan por la vida con la maldad desactivada, siendo considerados por sociólogos, psicólogos y otras lumbreras, elementos defectuosos.

Quienes se consideran triunfadores o dominantes del sistema de mierda en el que vivimos, no dudarán en clavar los dardos de la indiferencia, o el desprecio, en las anchísimas espaldas de los seres como este islandés, que ha dignificado con esta película a todos los de su condición; y que siendo ya muy válidos, un día se harán imprescindibles por su honestidad y su capacidad de amar.

Dagur Kári escribió el papel pensando en Gunnar Jónsson (Mejor Actor en Valladolid), muy conocido en espacios cómicos de la televisión de su país. "Un día, cuenta el director, imaginó a este niño grande conduciendo, en un aeropuerto, el camioncito que transporta las maletas; y esa fue la semilla que dió origen al proyecto"

Mejor nos iría si hubiera más gente como Fúsi y menos "listos" emprendedores, ambiciosos, competitivos y trepas.
¡Larga vida a todos los Fúsi del mundo!
MI CALIFICACIÓN  8 SOBRE 10

13 minutos  Hirschbiegel (Alemania)

El carpintero y la mala hierba

Es desesperante concluir que ese espacio de tiempo, el que da título a la película, es tan significativo en la historia de la humanidad. Pensar que podríamos habernos ahorrado cuarenta millones de muertos, cálculo aproximado de las víctimas de la 2ª Guerra Mundial, si el megalómano alemán hubiera aguantado un poco más su discurso de engañabobos o se hubiera quedado unos minutos más recibiendo los parabienes y aplausos de su entregado público. ¿Alguien, sobretodo tras lo conocido posteriormente, se hubiera atrevido a calificar a George Elser como un terrorista, a pesar de las muertes colaterales que produjo la explosión?

Abundando en sus conocimientos del momento histórico; de los albores, el desarrollo y la derrota del III Reich, el cineasta Oliver Hirschbiegel (artífice de El Hundimiento), nos pone los dientes largos con la posibilidad cercana, que se construyó el carpintero resistente, de eliminar la causa de los males posteriores cuando la cabeza del monstruo ya era visible para los más avezados estudiosos del comportamiento humano.
Fue, junto a la operación Valkiria, la ocasión más clara de dar muerte a Hitler; con la diferencia de que el último atentado se llevó a cabo cuando la mayoría del mal ya estaba hecho y en este primer intento la maquinaria asesina aún no había llegado a la fase trituradora.

Aunque muchas de las situaciones de "13 minutos" nos resultan muy conocidas, no falta literatura al respecto; el enfoque de un humilde, y habilidoso, artesano contra la hidra de siete cabezas es bastante más novedoso y concede al film un interés añadido.
MI CALIFICACIÓN  7 SOBRE 10

Foca sin aliñar

Nadie quiere la noche  Isabel Coixet (España)


Fuera de concurso, cerró Isabel Coixet la Seminci 2015 en una gala en la que se aprovechó para entregar una espiga de honor a la protagonista de Nadie quiere la noche: Juliette Binoche. Es precisamente la actriz francesa la columna, tal vez la única, sobre la que está construida esta aventura de mares helados, trineos y esquimales.

Josephine, la esposa del explorador estadounidense Robert Edwin Peary, decide estar cerca de él cuando consiga la hazaña de la conquista del Polo Norte (hace poco más de un siglo). Quienes han de acercarla al campamento lanzadera, intentan que desista por los peligros que acechan en la ruta y lo próximo que está la noche polar; pero ella, una mujer con carácter y resistencia hace caso omiso a las recomendaciones.

La historia de supervivencia; la blancura infinita; las dudas, y a pesar de todo, la entrega amorosa hacia quien tal vez no la merezca, están dignamente escenificadas. La naturalidad de la joven esquimal (Rinko Kikuchi) es bastante creíble. Los medios empleados para trasladarnos a tierras tan puras y tan inhóspitas, son más que generosos. La profesionalidad de la directora no se discute...... Y en cambio el resultado nos deja insatisfechos, con la impresión de que a este plato, de tan buena presencia, le falta algo esencial: ¿tal vez la sal?, ¿una pizca de picante?, ¿una humilde cabeza de ajo?....No lo sé, pero no llega la emoción a las tripas y lo peor es que eres consciente de que lo que falta es poco y barato.
Pues nada, a seguir comiendo foca cruda, hasta que la que un día fue gran cocinera recupere el sabor o el recetario perdido de los Coixet y los Castillo.
MI CALIFICACIÓN  6 SOBRE 10


PALMARÉS DE LA SECCIÓN OFICIAL

ESPIGA DE ORO


HRÜTAR [Rams (El Valle de los Carneros)]
DIRECTOR: Grímur Hákonarson (Islandia)

ESPIGA DE PLATA



MUSTANG 
DIRECTORA: Deniz Gamze Ergüven (Turquía)

MEJOR DIRECT@R 

NAOMI KAWASE (Japón)
Por An (Una Pastelería en Tokio)

MEJOR ACTRIZ


CHARLOTTE RAMPLING (Inglaterra)
Por 45 Years (45 Años)

MEJOR ACTOR 


GUNNAR JÖNSSON (Islandia)
Por Fúsi 

PREMIO DEL PÚBLICO
Y
PREMIO DE LA CRÍTICA 
PARA
MUSTANG
 Deniz Gamze Ergüven (Turquía)