sábado, 10 de noviembre de 2018

Película 452 # Año XVI




Carmen y Lola
15 de Noviembre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas
 


DIRECTORA

Arantxa Echevarria 

GUIÓN:  Arantxa Echevarria

MÚSICA: Nina Aranda

FOTOGRAFÍA: Pilar Sánchez Díaz

REPARTO:  Zaira Morales, Rosy Rodriguez, Moreno Borja, Carolina Yuste, Rafaela León 

GÉNERO:  Drama. Romance | Homosexualidad. Drama romántico. Adolescencia   

DURACIÓN: 103 Min.    PAÍS: España




 SINOPSIS


Carmen es una adolescente gitana que vive en el extrarradio de Madrid. Como cualquier otra gitana, está destinada a vivir una vida que se repite generación tras generación: casarse y criar a tantos niños como sea posible. Pero un día conoce a Lola, una gitana poco común que sueña con ir a la universidad, dibuja graffitis de pájaros y es diferente. Carmen desarrolla rápidamente una complicidad con Lola, y ambas tratarán de llevar hacia delante su romance, a pesar de los inconvenientes y discriminaciones sociales a las que tienen que verse sometidas por su familia. 


¿Quién es quién?

Arantxa Echevarría
(Bilbao, 1968) es una directora, guionista y productora de cine y televisión.
Sus primeros pasos en la dirección comenzaron con el cortometraje Panchito, una tragicomedia con actores no profesionales que recibió, entre otros, el premio Telemadrid. De noche y de pronto, un thriller psicológico dirigido en 2014, fue nominado a mejor cortometraje en la XXVIII edición de los Premios Goya. El cortometraje El último bus, recibió el prestigioso premio de mejor proyecto del Festival de Medina del Campo.
Echevarría dirigió su primer largometraje Carmen y Lola que fue finalista del premio Julio Alejandro de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). Además, su ópera prima fue seleccionada en abril de 2018 para la Quincena de Realizadores (una sección paralela que cumple 50 años) para realizar su estreno mundial en el marco del Festival de Cannes, donde también optó al premio Caméra d'or a la Mejor Ópera Prima.
 
 
 
 

Carmen y Lola  fue vista por X espectadores
La nota media, según los seguidores del Cineclub fue de:


jueves, 8 de noviembre de 2018

Película 451 # Año XVI


Disobedience
8 de Noviembre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas



DIRECTOR

Sebastián Lelio




TÍTULO ORIGINAL: "Disobedience"



GUIÓN: Sebastián Lelio / Rebecca Lenkiewicz 

(Novela: Naomi Alderman)

FOTOGRAFÍA: Danny Cohen 

REPARTO: Rachel Weisz, Rachel McAdams, Alessandro Nivola, David Olawale Ayinde, Mark Stobbart, Cara Horgan, Sphia Brown, Lasco Atkins, Bernardo Santos, Omri Rose   

GÉNERO:   Drama romántico

DURACIÓN: 114 Min.        PAÍS: Reino Unido 

AÑO: 2017


SINOPSIS
Una mujer que se crió en una familia ortodoxa judía regresa a su hogar con motivo de la muerte de su padre, un rabino. La controversia no tardará en aparecer cuando ella comienza a mostrar interés por una vieja amiga del colegio.


¿Quién es quién?


Sebastián Lelio Watt (Mendoza, Argentina, 1974)

Director, guionista, productor y montador chileno.
Junto con Pablo Larraín, Andrés Wood y algunos otros, es una de las principales figuras del cine chileno post-dictadura. Tras graduarse en la "Escuela de Cine de Chile" comenzó rodando  cortos. A partir de 2005, ha dirigido cinco largometrajes notables con los que obtuvo premios en el circuito de festivales. “La sagrada familia” (2005) es una especie de versión chilena de la Teorema de Pier Paolo Pasolini (1968). Le siguió “Navidad” (2009), un intenso drama centrado  centrado en tres adolescentes alejados de sus familias y “El año del tigre” (2011), que narra la fuga de un interno durante el terremoto de Chile en 2010. “Gloria” (2013) es el relato de las aventuras amorosas de Gloria, una oficinista de sesenta años en Santiago, aunque la película no está exenta de tensiones y amargura, el tono general es menos perturbador de lo que Lelio había filmado antes. El cine de Lelio es el resultado de una aguda exploración en la sociedad chilena de actual.
Estrenó “Una mujer fantástica” (2017) en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2017. En dicho certamen obtuvo el premio Oso de Plata al mejor guion y el Teddy Award al mejor largometraje. Durante los meses siguientes, la película recibió numerosos entre los que se encuentran el Independent Spirit (mejor película extranjera), el Goya a la mejor película iberoamericana, y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, siendo la primera cinta chilena en obtener el galardón en esa categoría.

  

AL HABLA CON EL DIRECTOR 

"Disobedience": dos mujeres fantásticas

Las comunidades judías ortodoxas son un mundo en el que el cine no suele adentrarse. ¿Qué le atrajo a usted de él?
Su hermetismo. La película transcurre en un área recóndita de Londres de la que los londinenses no saben casi nada. La comunidad es fascinante. Operan según una tradición vigente desde hace miles de años. Visten de una determinada manera, tienen unos preceptos morales muy férreos… Penetrar en un mundo así es como viajar a otro planeta.

Disobedience opone la ley al deseo. Son temas que usted ya ha abordado en películas previas.
Sí, supongo que soy incapaz de resistirme a la tentación de asomarme a aquello que se considera prohibido. Respeto los valores del judaísmo, no quiero por esto faltarles al respeto. Para mí lo más fácil habría sido convertir la comunidad donde la historia transcurre en un villano, pero lo que obstaculiza a mis personajes no es la comunidad sino algo en el interior de ellos mismos. Me interesa especialmente nuestro derecho fundamental a la desobediencia.

La figura del outsider suele tener importancia en su cine…
Yo crecí con mi madre, nos pasábamos la vida mudándonos de una ciudad a otra, nunca pasábamos  mucho tiempo en el mismo lugar. Aprendí a no integrarme del todo a los círculos sociales con los que entraba en contacto. Me fascinan los outsiders porque me siento uno de ellos.

Asimismo, está claro que siente predilección por los personajes femeninos. “Disobedience” es su tercera película consecutiva protagonizada por mujeres. 
Crecí rodeado de mujeres fuertes… Me interesan las mujeres que desafían al establishment y están dispuestas a pagar un alto precio por ser ellas mismas. Las heroínas de mis películas suelen estar en los márgenes de la sociedad…En algunas  películas acostumbran a ser meros personajes secundarios. Yo prefiero ponerlas en el centro. 

En el centro de Disobedience hay una escena de sexo entre Rachel Weisz y Rachel McAdams que ha dado mucho qué hablar. ¿Qué desafíos afrontó a la hora de concebirla?
Mi gran duda fue: ¿cómo diseñar una escena erótica que nos permita sentir el deseo, el dolor, la urgencia, la desesperación y la conexión profunda que esas dos mujeres sienten, que a la vez es animal pero también espiritual? Decidí evitar la desnudez y, concentrarme en sus rostros para captar lo que sienten. Creo que así invito al espectador a implicarse de forma más activa en lo que ve.

En los últimos dos años ha rodado usted tres películas, ha empezado a rodar con repartos estelares y ha ganado premios como el Oscar o el Goya. ¿Cómo lo lleva?
Intento parpadear lo menos posible, no vaya a ser que al abrir los ojos descubra que todo ha sido un espejismo.

Disobedience  fue vista por 67 espectadores
La nota media, según los seguidores del Cineclub fue de: 8,40



domingo, 4 de noviembre de 2018

TEMPORADA XVI FANCINEGAY-CINECLUB "EL GALLINERO" - Película #450


"Girl"
7 de Noviembre/2018
Sala Avenida -Jaraíz-
20,30 Horas


Un año más nos sumamos a la XXIª edición de Fancinegay, el Festival de Cine LGBT de Extremadura, en su lucha por el reconocimiento y normalización de los derechos de las personas LGBT y su apuesta por el cine como vehículo de sensibilización.



DIRECTOR

Lukas Dhont

GUIÓN: Lukas Dhont y Angelo Tijssenes

MÚSICA:  Valentin Hadjadj

 FOTOGRAFÍA: Frank van den Eeden

REPARTO: Victor Polster, Erieh Worthalter, Valentijn Dhaenens, Oliver Bodart, Tijmen Govaerts 

GÉNERO:  Drama | Diversidad sexual

AÑO: 2018  DURACIÓN: 100 Min.

 PAÍS: Bélgica 




SINOPSIS

Lara es una chica de 15 años, que nació siendo niño y sueña con convertirse en bailarina.


 ¿Quién es quién?

Lukas Dhont (Gante, 1991)

Director y guionista de nacionalidad belga, actualmente vive en Gand.
Se graduó en artes audiovisuales en la Escuela de Artes KASK de su ciudad. Sus primeros cortometrajes, “Corps Perdu” (2012) y “L'Infini” (2014), se pasearon por diferentes festivales internacionales ganando numerosos premios y “L'Infini” llegó incluso a estar nominado para el Oscar.
Temas, como la danza, la identidad y la transformación son recurrentes en sus trabajos. La pasión por el baile ha llevado a Dhont a colaborar regularmente con el bailarín y coreógrafo Jan Martens, con quien entre otros ha firmado la actuación “The Common People”. Presentada de forma anticipada en el último Festival de Cine de Cannes, en la sección Un Certain Regard, “Girl” ha sido aclamada por la crítica y el público, al obtener cuatro premios e imponer al joven director entre las voces más prometedoras del cine europeo.


“Corps perdu” (2012, cortometraje)
“Skin of Glass” (2012, cortometraje)
“Boys on Film X” (2013, cortometraje)
“L'Infini” (2014, cortometraje)
“Girl” (2018, largometraje)


Al habla con Lukas Dhont y Angelo Tijssens director y guionista

¿Cómo ha sido la experiencia en el circuito de los festivales donde habéis estado?
LUKAS: Comenzamos en Cannes, ganando la Queer Palm. Fue una gran alegría. Premios como éste son muy importantes para ir abriendo puertas y conseguir desarraigar la discriminación en torno al género, la sexualidad e identidad.                               

En  Otras películas sobre jóvenes y sobre transexuales fijan más la atención en la parte emocional, en vuestra película trabajáis más el aspecto físico y la tortura que vive con su cuerpo. ¿Qué es lo que te gusta o porque has decidido poner el foco esa violencia física auto-infligida?
ANGELO: La película parte de la historia de Nora, la chica en la que se basa la película. Ella rechazaba su propio cuerpo a toda costa. Evitaba relaciones íntimas con otro cuerpo porque sentía que ése no era el suyo… Sentía extrañeza ante su cuerpo y ante la sociedad. Vivía una lucha interior contra su físico, intentando darle forma identificativa de género. Un proceso que implica pastillas, inyecciones, terapia, dolor, tiempo y mucha paciencia.  Fue emocionante escucharla… Hemos tratado de representar ese proceso en una metáfora con el Ballet, una disciplina transformadora y muy exigente. Al final la historia de Lara no es más que eso. Pastillas inyecciones, terapia, dolor y mucha, mucha paciencia. 

¿Te molesta que pongan la etiqueta de película LGTB?
LUKAS: No me molesta la etiqueta, me molesta que sólo pongan esa etiqueta. Yo soy gay y es parte de mi identidad, pero no soy solo gay; soy director, soy europeo, soy un veinteañero… Con mi película pasa lo mismo. Es un drama psicológico y sociológico de cómo ser adolescentes ahora, en esta sociedad.  Esto puede tener muchas etiquetas no solo las de la diversidad. No me gusta cuando lo meten todo en un paquete y lo clasifican. 
 (Lander Bergés y Blanca Ortega)

Girl  fue vista por 57 espectadores
La nota media, según los seguidores del Cineclub fue de:

Y NO OLVIDES QUE MAÑANA JUEVES NUESTRA PROGRAMACIÓN CONTINUA CON:




domingo, 28 de octubre de 2018

Película 449 # Año XVI


Matar a Dios
1 de Noviembre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas



DIRECTORES

Caye Casas / Albert Pintó



TÍTULO ORIGINAL: "Matar a Dios"

GUIÓN: Caye Casas y Albert Pintó

FOTOGRAFÍA: Miquel Prohens 

REPARTO: Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja, Emilio Gaviria   

GÉNERO:   Comedia negra

DURACIÓN: 90 Min.        PAÍS: España 

AÑO: 2017




SINOPSIS
Una familia prepara la celebración de fin de año en una aislada casa en medio del bosque, cuando irrumpe un misterioso vagabundo; es enano, dice ser Dios y amenaza con exterminar a la especie humana al amanecer. Sólo se salvarán dos personas, y la familia ha sido elegida para escoger a esos dos únicos supervivientes. El destino de la humanidad recae en cuatro desgraciados que, evidentemente, van a querer salvarse.


¿Quién es quién?


Albert Pintó (Terrassa, 1985)
Director, guionista y realizador de publicidad. Ha trabajado durante varios años como profesor de la ESCAC (Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña). Desde 1999 ha sido artista gráfico y caricaturista de Fotogramas, Cinemanía, El Periódico, Interviú y Deporte en los medios. En el mundo del cine se ha dado a conocer por los cortos "Aún hay tiempo", "Lucille"“Nada SA” (2014) y “RIP” (2017). “Matar a Dios” es su primer largo.

Caye Casas (Terrassa, 1976)
Se ha dedicado desde 1998 al humor gráfico. Entre 1999 y 2017 trabajó para el diario Sport, realizando diversas colaboraciones para otros medios. Como director y guionista de cine, ha realizado varios cortos, logrando más de 100 premios en festivales y más de 500 selecciones en festivales nacionales e internacionales. Si hacemos caso de lo que de él dice su madre nos encontramos ante el mejor dibujante y director del mundo…
  

AL HABLA CON LOS DIRECTORES: 

“Matar a Dios”, premio del público en Sitges, ópera prima de los directores tras lograr grandes éxitos con sus cortos.
¿Habéis trabajado previamente juntos en los cortos “Nada S.A.” y “RIP”, y debutáis en el largo con “Matar a Dios”, ¿cómo lleváis el reparto en la dirección?
–Pasamos muchas horas discutiendo y elaborando el proyecto; la historia,  el guion, la planificación…  Cuando nos ponemos de acuerdo al 100%, nace la peli. En el rodaje ya no hay contradicciones porque lo hemos trabajado mucho…Los actores nos llaman el monstruo de dos cabezas.

¿Podríamos decir que “Matar a Dios” tiene parte de crítica existencialista?
– Sí, se trata de una comedia negra, surrealista que habla de temas profundos que nos afectan a todos, la religión, la especie humana, la familia, la muerte… Todo pasado por el filtro humor negro, te ríes pero que te hace pensar y hace que te hagas preguntas sin caer en la pretensión.

“Matar a Dios” es una película multipremiada en diferentes festivales.  ¿Qué premio os han hecho más ilusión?
– Todos… Quizás el más especial fue el Gran Premio del Público del Festival de Sitges, cuando nos dijeron que habíamos ganado nos pusimos a llorar como niños.

No contáis con ayudas públicas ni apoyo de televisión? ¿La temática de vuestra historia podría haber sido el problema?
– Estamos malditos en ese aspecto, ni en los cortos ni en el largo nos suelen apoyar, supongo que nuestras historias  resultan incómodas, políticamente incorrectas… Merecemos una oportunidad, esperemos que esto cambie con el estreno de “Matar a Dios”.

Matar a Dios habla de relaciones de pareja, del ocaso de la vida, de sexo, de la familia, de religión, del existencialismo, ¿cuál es el principal mensaje de vuestra historia? 
– Hay muchos. Vivir el momento porque cuando la palmes no hay nada, es uno. Otro: que la especie humana somos una basura, un cáncer para el planeta. Consideramos que al planeta le iría mucho mejor sin los seres humanos.
(El Blog de Cine Español) 




  

viernes, 19 de octubre de 2018

Película 448 # Año XVI


Buenos Vecinos
25 de Octubre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas



DIRECTOR

Hafsteinn Gunnar Sigurdsson



TÍTULO ORIGINAL: "Undir Trénu"

GUIÓN: Huldar Breidfjörd, Hafsteinn Gunnar Sigurodsson

FOTOGRAFÍA: Monika Lenczwska 

MÚSICA: Daníel Bjarnason

REPARTO: Steinpór Hróar Steinpórsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurdur Sigurjónsson, Porsteinn Bachmann, Selma Björnsdóttir, Lara Jóhanna Jónsdóttir   

GÉNERO:   Comedia negra

DURACIÓN: 89 Min.        PAÍS: Islandia 

AÑO: 2017




SINOPSIS
Un hombre es acusado de adulterio por su prometida, viéndose obligado a trasladarse a casa de sus padres. Mientras lucha por la custodia de su hija de cuatro años, se ve progresivamente involucrado en una disputa entre sus progenitores y los vecinos de estos, a propósito de un viejo y hermoso árbol.


¿Quién es quién?

Hafsteinn Gunnar Sigurðsson (Reikiavik, 1978)


Realizó estudios de guión y dirección en la Universidad de Columbia, Nueva York. Su primer largometraje, “Either Way” (2011), se proyectó en más de 50 festivales de todo el mundo. Con esta película cosechó tal éxito que acabó siendo objeto de un remake en Estados Unidos, “Prince Avalanche” (2013), protagonizada por Paul Rudd y Emile Hirsch. En 2012 fue seleccionado como uno de “Los diez directores europeos a seguir” por Variety. “Paris of the North” (2014) fue su segundo largometraje.

FILMOGRAFÍA
“Serpientes de cascabel” (Rattlesnakes, 2007)
“De cualquier manera” (Á annan veg, 2011)
“Prince Avalanche” (2013)
“París del norte” (París Norðursins, 2014)
“Buenos vecinos” (Under the Tree, 2017)



La mujer que tenía llaves de la Caja de Pandora.

Si como espectador hay historias truculentas que se disfrutan, y esta es una de ellas, como vecino de cualquier comunidad te inquieta la posibilidad, más próxima tras ver "Bajo el árbol", de verte envuelto en conflictos tan indeseables.

El desencadenamiento de cualquier hecho violento suele estar precedido, en ocasiones, de auténticas nimiedades. La convivencia suele estar construida, y miles de ejemplos así lo atestiguan, con material muy inflamable y hay que extremar las precauciones, sobre todo en temporadas de sequía espiritual. Cualquiera puede convertirse en culpable de nuestras desgracias o mala suerte.

"El infierno son los otros", decía Sartre, y algo parecido deben pensar estas dos parejas de clase media alta, teóricamente educadas, adultas y colindantes. Los malentendidos, casuales o provocados, van acumulando nieve negra, y roja, sobre una bola que engorda a medida que se precipita ladera abajo, arrastrando hacia el abismo cualquier indicio de sensatez. Y, posiblemente, en el corazón de esta monstruosa pelota viaje un animal de compañía que saldrá indemne de la colisión y acabará lamiendo las heridas de su desequilibrada dueña.

Los islandeses que están demostrando ser gente muy hacendosa en esto del cine, demuestran, y "Under the tree" es un ejemplo, talento y originalidad. Hafsteinn Gunnar Sigurðsson realiza un verdadero estudio de la condición humana, sus reacciones ante las molestias, los imaginados acosos y las supuestas amenazas.
Jaht




domingo, 14 de octubre de 2018

Película 447 # Año XVI


Filmoteca de Extremadura
Programación de cine itinerante por  núcleos rurales extremeños en colaboración con 
CineClub "El Gallinero"

La casa junto al mar
18 de Octubre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
201:30 Horas



DIRECTOR 

Robert Guédiguian

GUIÓN: Robert Guédiguian, Derge Valetti

FOTOGRAFÍA: Pierre Milon

REPARTO: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darrousin, Gérar Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier, Robonson Stévenin, Yann Tregouët, Geneviève Mnich, Fred Ulysse 

GÉNERO:   Drama / Familia 

DURACIÓN: 107 Min.

PAÍS: Francia     AÑO:  2017


SINOPSIS

Estamos en pleno invierno. En una pequeña cala cerca de Marsella, Angèle, Joseph y Armand vuelven a la casa de su anciano padre. Angèle es actriz y vive en París, y Joseph acaba de enamorarse de una chica mucho más joven. Armand es el único que se quedó en Marsella para llevar el pequeño restaurante que regentaba su padre. Es el momento de descubrir qué ha quedado de los ideales que les transmitió su progenitor, del mundo fraternal que construyó en este lugar mágico en torno a un restaurante para obreros. Pero la llegada de una patera a una cala vecina cambiará sus reflexiones...


¿Quién es quién?

Robert Guédiguian (Marsella, 1953)

Director, actor, productor y guionista de cine francés.
Nacido en el barrio más comunista de Marsella, es hijo de un armenio y de una alemana. El entorno en que transcurrieron sus años de infancia y adolescencia le marcó profundamente, hasta el punto de quedar reflejado en todas sus películas. Marsella es la ciudad en la que desarrollan sus filmes. Su cine es el retrato de las clases trabajadoras, los oprimidos, los débiles y los pobres. Ese esfuerzo por reflejar la precariedad laboral, el mundo de la inmigración, las malas condiciones de trabajo, el paro, la marginalidad y la carencia total de bienes, hace que algunas de sus producciones bordeen un territorio próximo al neorrealismo italiano.
Durante un breve tiempo estuvo ligado al partido comunista, finalmente prefirió plasmar en el cine su compromiso político, narrando la vida en fábricas, supermercados, calles humildes, zonas portuarias marsellesas. Según él, ésta debe ser la tarea de los intelectuales y los artistas.

Estudió sociología en la universidad de París en los años setenta y allí es donde conoció a René Féret. El éxito le llega en 1997 con "Marius et Jeannette". La película, con consenso unánime de la crítica internacional, cuenta la historia de amor entre pobres con gran dulzura pero sin ironía. A partir de entonces el guionista, realizador y productor consagrado se embarca en una carrera de más de una docena de películas.
En su filmografía destacan: "Último verano" (1981), "Rojo Sur" (1985), "¿Quién sabe?" (1985),  "Dios vomita a los tibios" (1989),  "El dinero da la felicidad" (1992), "Marius y Jeannette" (1997), "De todo corazón" (1998), "¡Al ataque!" (2001), "La ciudad está tranquila" (2000), "Marie-Jo y sus dos amores" (2002), "Mi padre es ingeniero" (2004) y "Presidente Miterrand" (2005).
   
En octubre de 2012 aterrizó por El Gallinero con “Las nieves del Kilimanjaro” (película 276 de nuestro catálogo), la cinta nada tiene que ver con la novela de Ernest Hemingway, sino con los sueños obreros, truncados durante la crisis. El guión de la película parte de una pareja estable que percibe el fracaso del sindicalismo. Ese año, con motivo de su estreno en España, declaraba: "La lucha de clases atraviesa el pueblo en sí mismo, a cada trabajador, porque el capital ha conseguido crear la ilusión de que todo el mundo era un poco capitalista, de que todos éramos burgueses; una ilusión que podía interiorizarse a través de pequeñas cosas concretas como el pequeño accionariado, el acceso a la propiedad".

Más recientemente ha estrenado "El cumpleaños de Ariane" (2014) y "Una historia de locos" (2015)



Otros miembros del Clan Guédiguian

Ariane Ascaride (Marsella, 1954)


Esposa y musa de R. Guédiguian, es la protagonista de casi todas sus películas. En 1998 ganó el premio César a la mejor actriz por su papel en “Marius y Jeannette”. También consiguió el galardón a la mejor actriz de la Seminci en 2000 por su interpretación en “La ciudad está tranquila” y en 2006 se alzó con el premio a la mejor actriz del Festival de Cine de Roma por su papel en “Le Voyage en Arménie”.




Jean-Pierre Darroussin (Courbevoie, Francia, 1953) 

Actor y realizador francés. Desde 1979 ha trabajado en más de cincuenta películas con directores como Jean-Jacques Annaud, Olivier Assayas, Bertrand Blier o Aki Kaurismäki. Es uno de los fijos en la plantilla de Guédiguian.

Gérard Meylan (Marsella, 1952) 

Es un actor, pero también ha trabajado como enfermero en el hospital público.
Su amigo y director casi exclusivo Robert Guédiguian (ha rodado más de quince películas con él) le brindó el papel clave de "Marius" junto a "Jeannette" (Ariane Ascaride ) en “Marius y Jeannette”. 


Jacques Boudet (Paris, 1939)

Básicamente es  actor de teatro.
En la gran pantalla ha trabajado con cineastas tan prestigiosos como Blier, Tavernier, Lelouch o Besson, pero es gracias a su colaboración con Robert Guédiguian como ha ganado notoriedad en el cine. El actor pasó a integrar la "familia" del director marsellés en su segundo largometraje, "Rouge Midi" (1983), y lo encontramos en casi todas sus películas. Así forma con Pascale Roberts una pareja tierna y divertida en "Marius y Jeannette" y "La ciudad está tranquila" . Al tener un aire de familia con Philippe Noiret , interpreta al hermano de este último en "Padre e hijo" de Michel Boujenah. En 2004 fue recuperado por su director fetiche, Robert Guédiguian,"Mi padre, es un ingeniero" en el que tiene como hija a la musa de la cineasta, Ariane Ascaride.
para


Vigencia y nostalgia de la Revolución

Robert Guédiguian sigue siendo un irreductible. Casi 40 años después de su primera película, "Último verano" (1980), el director continúa, a machamartillo, con su espíritu revolucionario, voz de la conciencia de la clase obrera de una Francia que, en estas cuatro décadas, ha cambiado mucho. Y seguramente no hacia su lugar soñado.
Sin embargo, a los 64 años, junto a sus modos batalladores, consciente de la ruta política hacia la que se ha dirigido buena parte de su país en los últimos tiempos, Guédiguian parece expeler una cierta desesperanza. Y el año 2017 es una muestra de esa ambivalencia: fue uno de los productores de la excelente "El Joven Karl Marx", didáctica de sus ideales, de sus orígenes, y dirigió la cautivadora "La Casa Junto al Mar", donde una sombra de abatimiento apunta a que las grandes ilusiones quizá hayan alcanzado la categoría de utopía. Una obra en la que el peso de la conciencia adquiere protagonismo, y en un tiempo en el que sus personajes —encarnados por los de siempre, los maravillosos Ariane Ascaride, Gérard Meylan y Jean-Pierre Darroussin — parecen casi más predispuestos para la armonía que para la contienda.
Por supuesto que aún hay motivos para la lucha —la inmigración, los refugiados, los despidos, los desmanes inmobiliarios, la tiranía del turismo…—, pero al mismo tiempo surge la búsqueda de una calma interior que desvela una pizca de cansancio. Así, esos afanes de sosiego llegan por el camino de la bondad, lo que en cierto modo no deja de ser ideológico. Sobre todo porque no se trata de una bondad natural, sino de una bondad elegida, buscada, trabajada y, al fin, lograda.
Con reminiscencias explícitas de El alma buena de Sezuán, de Bertolt Brecht, La Casa Junto Al Mar encuentra su momento cumbre en un flashback tan emocionante como amargo, en el que el director utiliza una secuencia de "¿Quién sabe?", su tercera película, de 1985, para mostrar el brío juvenil de un grupo de personajes de ficción que también eran combatientes artísticos, y aún pretendían cambiar el mundo. Una época puede que irrecuperable; para sus personajes, y para su cine.

(Jordi Costa, El País) 

domingo, 7 de octubre de 2018

Película 446 # Año XVI

Western
11 de Octubre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas



DIRECTORA

Valeska Grisebach






GUIÓN: Valeska Grisebach

FOTOGRAFÍA: Bernhard Keller 

REPARTO: Meinhard Neuman, Reinhardt Wetrek, Waldemar Zang, Detlef Schaich  

GÉNERO:   Drama / Inmigración

DURACIÓN: 100 Min.        PAÍS: Alemania 

AÑO: 2017



  SINOPSIS
Una cuadrilla de obreros alemanes sienta campamento en un pueblo búlgaro para levantar una central hidráulica. Molesta el descaro zafio de su despliegue, ofende la saña eficiente con que desarraigan el paisaje, y agravian con sus sudores masculinos de beberse la paga y silbar agudo al paso de las chicas. Va a estallar el conflicto...


¿Quién es quién?

Valeska Grisebach (Bremen, 1968)


Es uno de los mayores talentos de la nueva ola de cineastas alemanes. Se crió en Berlín, donde cursó estudios de Filosofía mientras comenzaba a desarrollar su pasión por el mundo del cine. Decidida a dedicarse profesionalmente a la dirección, Valeska pone rumbo a Viena donde se instala en 1993 para cursar estudios en el Departamento de Dirección de la Viena Film Academy, bajo la dirección, entre otros, de Michael Haneke.

En 1997 dirige su primer corto, pero es en 2001, con su ópera prima  "Mein Stern" cuando sale definitivamente del anonimato para entrar en el circuito festivalero con considerable éxito y algunos premios. El público tendrá que esperar cinco años para ver su segundo trabajo, "Nostalgia", película presentada con excelente acogida distintos festivales internacionales.
“Western” (2017), su tercer largometraje, participó en el 70º Festival de Cannes en Un Certain Regard y recibió numerosos premios en todo el mundo.





2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)
2017: Festival de Mar del Plata: Mejor director
2017: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado
2017: Premios del Cine Alemán: Nominada a Mejor película y Mejor director



La economía europea y el mundo del trabajo como territorio de desencuentros.

Sigue sorprendiendo que todavía recurramos a los arquetipos mayores del género, no solo en la construcción de paisajes o símbolos estéticos, sino en la alegoría masculina y en la fascinación por lo telúrico, para abordar exactamente igual que hace décadas una indagación universal alrededor de las fronteras, tanto físicas, como emocionales.
La realizadora alemana combate la dolorosa reconstrucción de la masculinidad fraguando un relato que acecha a la imagen triste y derrotada del hombre, a la misma vez que le tiende manos a una imagen de hombre también profundamente desconfiada con su historia.
Western socava la identidad masculina tejiendo una urdimbre de narraciones cruzadas calibrando todas las variables y motivos históricamente atribuibles a sus universos. Podríamos decir que su obra deconstruye unos mitos que con el tiempo perdieron cualquier arraigo con la realidad. 
Meinhard surge en escena desde la frondosidad de un bosque. Desconocemos el trayecto que lo conduce hacía ahí, pero se incorpora en el plano como una sugerente presencia de otro tiempo. El perfil de Meinhard dibuja la figura de un caballero andante, dando pasos firmes a un lugar inexplorado. Se une a sus compañeros, trabajadores alemanes que están en Bulgaria para construir una presa hidráulica. La cámara presta especial atención a su sensible soledad. 
Pocas películas hemos visto que sean capaces de abrazar de esa forma tan contundente la tristeza de un hombre.


Es palpable, loable, magistral, la capacidad que tiene Grisebach de apropiarse y metabolizar cualquier mitología bien sea del western o de la literatura popular, y ofrecernos un ejercicio sublime, e interesantísimo, acerca de la reconstrucción de la identidad masculina.
Western subvierte el discurso comúnmente unido a la cultura estadounidense por el escenario de la nueva Europa, muy bien hilado e interconectado con las políticas y problemas acaecidos en los últimos años.
(David Tejero Nogales. “El penúltimo mohicano”)



martes, 2 de octubre de 2018

Película 445 # Año XVI


Casi 40
4 de Octubre/2018
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas



DIRECTOR

David Trueba


GUIÓN: David TRueba

FOTOGRAFÍA: Julio César Tortuero 

REPARTO: Lucía Jiménez, Fernando Ramallo, Carolina África, Vito Sanz  

GÉNERO:   Comedia / Romance

DURACIÓN: 87 Min.        PAÍS: España 

AÑO: 2018



  
SINOPSIS

Una modesta gira de conciertos vuelve a reunir a dos amigos de juventud. Ella, cantante de éxito, ya retirada de la escena. Él, que sobrevive como vendedor de productos cosméticos, pretende relanzar la carrera musical de quien fue su amor de adolescencia.


¿Quién es quién?

David Trueba (Madrid, 1969)

Escritor, periodista, director de cine, guionista y actor español.
Estudia Periodismo y pronto comienza a trabajar en prensa, radio y televisión. Como guionista, debuta con la película “Amo tu cama rica” (Emilio Martínez-Lázaro, 1992). Tras estudiar en el American Film Institute de Los Ángeles, continúa su carrera en España con el guión de “Los peores años de nuestra vida”, de nuevo bajo la batuta de Emilio Martínez-Lázaro, uno de los grandes éxitos de 1994. En esa época codirige para televisión el show “El peor programa de la semana” junto a El Gran Wyoming.
Sus éxitos como guionista siguen con películas como “Two Much” (1995), “Perdita Durango” (1997), “La niña de tus ojos” (1998), “Vengo” (2000) o el documental “Balseros” (Carles Bosch, 2002).
“La buena vida” (1996) es su primera película como director. Fue seguida por “Obra Maestra” (2000), en ella narra las vicisitudes de un director de cine aficionado que secuestra a una actriz para convertirla en la protagonista de su propio film y “Soldados de Salamina” (2003), adaptación cinematográfica de la novela homónima de Javier Cercas. “Bienvenido a casa” (2006), recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Málaga. Ese año codirige junto a Luis Alegre la “La silla de Fernando” en la que se da a conocer un Fernando Fernán Gómez brillante e inteligente. En 2010 crea y dirige para para Canal + la serie “¿Qué fue de Jorge Sanz?”, ficción en clave de comedia, en la que el actor Jorge Sanz se interpreta a sí mismo en un momento de declive personal y profesional.
En 2011 vuelve al cine con “Madrid, 1987” (Sección Oficial del Festival de Sundance). Ya en 2013, dirige el documental “El cuadro”, sobre el proceso de creación de una obra del pintor Josep Santilari. Ese mismo año, “Vivir es fácil con los ojos cerrados” recibe 6 Premios Goya que la convirtieron en la gran triunfadora de la edición.
“Casi 40”, presentada en el Festival de cine de Málaga de 2018, obtuvo el Premio Especial del Jurado. humana.

En el pasado, este individuo desgarbado y dicharachero, hermano de un tal Fernando, y casado con una tal Ariadna Gil, se ha presentado en El Gallinero con dos películas bajo el brazo: “Soldados de Salamina” (película 49, primavera del 2003) y “Vivir es fácil con los ojos cerrados” (película 335, marzo del 2014).



“Los 40 son una edad en la que los pilares ya deberían ser de cemento y no de caramelo”. (David Trueba)

La película es un canto a las librerías, las ciudades pequeñas, la melancolía y al abismo que supone cumplir 40 años y comprobar que la vida no es lo que te habías esperado. Reivindica la cultura en un tiempo en el que triunfa la superficialidad y la obsesión por el aspecto externo. “La gente va al gimnasio pero no lee un libro o un periódico en su puta vida”, suelta el personaje de Ramallo en un momento del metraje.
“Las apariencias nos importan mucho, hay un esfuerzo desmedido por mostrar una cara positiva, amable, feliz y bella”, critica Trueba. “Casi” 40” es una cinta pequeña. Cine de guerrilla.

(Extracto de la crítica de Olga Pereda)


Entre la nostalgia del ayer y el conformismo de un presente sin muchas opciones, discurre una película de tono amable y trasfondo reflexivo.  El director utiliza una “road-movie” por los pueblos de España que sirve para contraponer los caracteres y las distintas formas de entender la vida. Además del romanticismo crepuscular que impregna la película, resulta asombrosa la manera en la que el director integra una serie de actuaciones musicales en momentos clave de la película expresando las emociones de los personajes.
La película crece en los momentos de intimidad, cuando Lucía y Fernando se muestran vulnerables y desnudos y se olvidan de teorizar y las lecciones dan paso a las emociones en estado puro y a los sentimientos de fragilidad humana. 
(Extracto de la crítica de Beatriz Martínez)