Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Cary Elwes, Myha'la Herrold, Colman Domingo, Al Pacino, John Robinson ...
GÉNERO
Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Secuestros / Desapariciones. Televisión. Años 70. Crimen
DURACIÓN
104 Min.
PAÍS
U.S.A
SINOPSIS
Una historia real de 1977. Tras ser estafado por un banco, Tony Kiritsis se presenta en sus oficinas y secuestra al hijo del presidente de la compañía atándole al cuello un dispositivo mortal con un alambre conectado al gatillo de una escopeta. Exige que le devuelvan su dinero y una cuantiosa indemnización, además de una disculpa pública que será retransmitida por televisión y vista por millones de estadounidenses en prime time.
¿Quién es quién?
Gus Van Sant (Louisville, Kentucky-1952)es un director de cine, productor, guionista y escritor estadounidense. Considerado en sus inicios un representante del New Queer Cinema, con películas como My Own Private Idaho (1991), sus películas destacan por su carácter independiente, su atrevimiento temático y su naturaleza underground. A lo largo de su trayectoria ha obtenido 68 nominaciones, que incluyen dos a los Premios Óscar como mejor director por Good Will Hunting (1997) y Milk (2008), y 44 galardones entre los que destaca la Palma de Oro en festival de Cannes por Elephant (2003).
La única aparición en nuestro Cineclub tuvo lugar con la película inspirada en, el líder de Nirvana, Kurt Cobain: Last Day.
Tercera aparición en El Gallinero del inabarcable Al Pacino, tras dos películas de nuestra primera época: Simone (Andrew Niccol) e Insomnio (Christopher Nolan).
Alfredo James Pacino (Nueva York, 25 de abril de 1940), es un actor de cine, teatro y televisión estadounidense, que también se ha desempeñado ocasionalmente como guionista, director y productor. Su carrera abarca siete décadas, desde sus inicios en la escena teatral neoyorquina hasta su éxito en el cine, con numerosos premios y honores, incluidos los premios Óscar, Emmy, Globo de Oro y Tony, que lo posicionan como uno de los actores del siglo XX que más reconocimientos ha recibido. Es conocido por haber interpretado personajes problemáticos e inadaptados, con una presencia intensa y explosiva, lo que lo llevó a ser catalogado por varios medios como uno de los mejores actores de su generación y uno de los más representativos del cine estadounidense de la década de 1970.
Además de la saga de El Padrino (Coppola), sería injusto olvidar títulos como: Sérpico y Tarde de perros (Sidney Lumet), A la caza (William Friedkin), Scarface y Atrapado por su pasado (Brian de Palma), Glengarry Glen Ross ( James Foley), Scent of a Woman ( Martin Brest ), Heat y El dilema (Michael Mann), Donnie Brasco (Mike Newel), El mercader de Venecia (Michael Radford), Érase una vez...en Hollywood (Tarantino), El irlandés (Martin Scorsese)...
Drama. Comedia | Comedia dramática. Literatura. Enseñanza. Alcoholismo
DURACIÓN
120 Min.
PAÍS
Colombia
Sinopsis
La obsesión de Óscar Restrepo por la poesía no le ha reportado ninguna gloria. Envejecido y errático, ha sucumbido al tópico del poeta en la sombra. Conocer a Yurlady, una adolescente de origen humilde, y ayudarla a cultivar su talento trae algo de luz a sus días, pero arrastrarla al mundo de la poesía quizá no sea el camino.
¿Quién es quién?
Simón Mesa Soto (Medellín, 1986) es un director de cine colombiano, reconocido principalmente por sus películas Amparo del 2021 y Un poeta de 2025. Su cortometraje Leidi ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2014. Sus protagonistas, hasta la fecha, llegan vírgenes a la interpretación cinematográfica.
En confesiones a la revista Metal, simón Mesa se explaya sobre su relación con el cine, sus motivaciones, sus personajes, sus actores y su último film:
¿Cómo ha sido enseñar la película en su lugar de origen?
Bastante ocupado. La película ha tenido un viaje bellísimo de cara a la audiencia. En Colombia fue una experiencia hermosa e hicimos un trabajo de promoción bastante fuerte. Queríamos que la película llegase al mayor número de personas posibles. Fue como reconectar el cine colombiano con su audiencia en las salas de cine colombianas, que está un poco perdida.
¿Cuándo empieza a emerger la historia de Un poeta?
Fue en 2020. Al terminar mi primera película estaba exhausto. Amparo me había drenado toda la energía. Yo soy director, productor y guionista de mis películas, lo cual es un trabajo bastante grande. Entonces tuve un momento de crisis, de frustración y de pensar dejar atrás este sueño o esta obsesión compulsiva de hacer cine. Esos dilemas que me encontré en el camino me hicieron pensar en retratar la frustración, poniéndome a mí como personaje que se enfrenta a un dilema. A través de eso, retratar todas mis angustias y reflexiones sobre la creación artística en Medellín, mi ciudad.
Estas frustraciones las abordas desde la comedia, el drama y también desde la sátira. De hecho, hablas sobre los hombres que componen las élites de la alta cultura. Un mundo donde, como bien aparece en la película, los hombres se miden los penes en los baños.
Nos medimos. Claro, eso es lo que usualmente hacemos. También era esto, retratarme como hombre: ¿Qué soy? ¿Qué vicios tengo? ¿Qué dilemas tengo? ¿Qué virtudes tengo? Preguntarme también cómo hago cine, cuáles son las implicaciones morales y éticas de hacer una película en Colombia. Las implicaciones de tocar temas sociales y políticos. Me interesaba ponernos un espejo. En Colombia es muy habitual hacer cine con actores no profesionales sobre temas sociales. Ponerle una cámara delante a una persona hace que se convierta en su propia obra. Eso tiene unas implicaciones. Puede ser incómodo. Por ello, cuando decidí voltear la cámara hacia mí, hacia el que crea arte, generé otra incomodidad. En la película hay mucha gente que se ve aludida y eso choca, sabíamos que podía suceder. Sobre todo cuando no aceptas reírte de ti mismo. Por eso también es comedia, porque ese tono permite jugar y tocar todo sin restricciones, a pesar de que a mucha gente pueda no gustarle.
“Tuve un momento de crisis, de frustración y de pensar dejar atrás este sueño o esta obsesión compulsiva de hacer cine. Esos dilemas me hicieron pensar en retratar la frustración, poniéndome a mí como personaje.”
De hecho, cuando la historia baja a la tierra al personaje de Oscar, el poeta, también nos baja a nosotros. Nos lanza la pregunta de ¿quién se puede permitir el lujo de pensar en algo tan lejano y abstracto como esto de la creación artística? En realidad, eso somos las personas que hacemos arte: obsesivos con la creación artística. Oscar es la versión exacerbada de la creación artística, del Oscar que tenemos dentro, obsesivo, compulsivo con la creación, con el hecho de hacer. Para mí era más que natural, era orgánico hacer a este personaje. Empatizo con él y debo tener fe en él.
¿Cómo fue el proceso de creación del personaje junto al actor protagonista, Ubeimar?
Es una película fuertemente ceñida al guion. Era lo que más me interesaba, tener muy definido al personaje, sus dilemas y su estructura. Evidentemente Ubeimar llega y entrega otras cosas que no estaban en el guion y que son enormes. No transforma el personaje desde adentro, no transforma en gran medida lo que sucede, pero sí al personaje desde fuera. Es decir, su forma de ser, su forma de hablar, su forma de gritar. Todas esas particularidades que tiene Ubeimar en su forma de ser él se las entrega al personaje. Crea a un personaje supremamente particular. Cómico, empático, que la gente ama. En el guion la gente no amaba tanto a Oscar. Además, Ubeimar se entregó totalmente a la actuación y a ese trabajo en una preparación de dos meses. Para entender al personaje y entender el oficio de la actuación en el cine.
¿Qué es lo que viste en Ubeimar que le hizo sobresalir por encima del resto?
Pues lo que se ve en la película. Es la misma reacción que puede tener cualquiera que vea a Ubeimar y diga, es increíble. Es único e irrepetible y entra en el personaje de una manera perfecta. Analizo mucho mis decisiones y puedo ser crítico con ellas, pero él y la forma en la que tomó el oficio de hacer la película… Es un ser increíble. Él es lo que se ve. Yo lo vi en un primer video de casting pero sigue siendo igual. Una manera muy única de ver un personaje que generaba una empatía enorme. “Ponerle una cámara delante a una persona hace que se convierta en su propia obra. Eso tiene unas implicaciones. Puede ser incómodo.”
¿En tu vida también te has encontrado con alguien que actúe como Oscar en la película, alguien que te animase a seguir el camino del arte y del cine?
Podría ser, pero no de una forma tan fuerte. He tenido grandes profesores, no en ese sentido. Como profesor, por ejemplo, tienen mucho peso las relaciones que tengo con mis propios alumnos, a veces ves mucho talento en algunos. También se relaciona mucho con los actores de mis películas pasadas y la relación que tenía yo como director y con ellos como personajes. Pero en realidad no es algo tan personal, es una relación que ficciono para hablar de ciertas cosas.
¿Por qué escoger la poesía?
Porque me encantaba ese personaje. Porque lo veía en Medellín y me encantaba. Me parecía interesante ese ser bohemio, la oveja negra, el loquito. Y en la poesía existe, no todos los poetas son así, pero aquí existe y mucho. Creía que era más interesante retratar mis dilemas a través de un poeta.
Y me parece a mi
El triunfo de la muerte
Un hombre colombiano de 34 años, para ser más precisos, de Medellín, decide iniciar un proyecto que tiene que ver con el celuloide. La idea de Un poeta le surge en el 2020; toma papel y lápiz, una cámara con formato de 16mm, el mínimo de ayudantes técnicos (por economía), actores sin contaminar (primera interpretación)...; y se pone entusiasta a faenar. Cinco años después estrena su película que escarba en los en los entresijos vitales de la creación artística. Y resulta que en Cannes, San Sebastián, Santiago de Chile, Múnich, Biarritz, Jaraíz de la Vera (pueblo extremeño)..., muchos espectadores que solo tenían algún lejano flash de esta raquítica industria cinematográfica, del tercer país hispanohablante del mundo: [Sergio Cabrera (La estrategia del caracol), Víctor Gaviria (La vendedora de rosas) o Ciro Guerra (El abrazo de la serpiente)... ], descubren una obra sorprendente y emotiva que permanecerá en la memoria de quienes no sabían, dos horas antes, qué se disponían a ver.
El hombrecillo gris, invisible para la mayoría de sus conciudadanos, acabará por hacerse un hueco cerca de nuestros corazones; porque de él: piltrafa humana, borrachín pesado, deprimido crónico...; emana algo especial, diferente. Puede que sea su bondad, autenticidad, indefensión; falta de valores que ya no cotizan; o, tal vez, el insólito aroma que emanan los verdaderos rapsodas, los que no tienen apego a lo material, los que como José Asunción Silva (su referente), y el propio Oscar Restrepo, están condenados al malditismo; y más les vale aceptar con resignación esta condición, o intentar agarrarse a una tabla de salvación aunque esté cubierta de cortantes aristas.
La caracterización de Ubeimar Ríos, intérprete no profesional, es tan impresionante que albergas la sospecha de que el director conociera antes al futuro actor que al personaje que acabaría por dar vida en la pantalla.
Esta comedia amarga de Simón Mesa Soto consigue una extraña redención del protagonista, que parecía insalvable. El patetismo, falsedad y cobardía de quienes lo señalan terminan por convertirlo en un héroe, y además sin capa, que es mucho más meritorio.
Alexander Skarsgård, Harry Melling, Brian Martin, Zamir Mesiti, Douglas Hodge, Lesley Sharp ...
GÉNERO
Drama. Romance | Homosexualidad. Motos
DURACIÓN
106 Min
PAÍS
Reino Unido
SINOPSIS
Colin, un hombre introvertido, se queda prendado de Ray, el carismático y atractivo líder de una banda de moteros que le toma como sumiso, dinamitando su rutina y cambiándole la vida.
¿Quién es quién?
Harry Lighton nació en Portsmouth, Hampshir, Inglaterra, Reino Unido, en 1992..
Su ópera prima como director, Pillion, se estrenó en el Festival de Cine de Cannes - 2025 y ganó dos premios British Independent Film Awards y un premio Gotham Independent Film Awards .
Se educó en Eton Colleg, y tiene una licenciatura en literatura inglesa por la Universidad de Oxford.
«50 sombras de BDSM, Wallace y Gromit» fue el título que The Guardian dio a su reseña de la película. El director comentó en una entrevista con el sitio alemán «queer.de»: «Estoy encantado; es la comparación más fiel que se ha hecho jamás. Crecí con Wallace y Gromit, y parte del humor de Pillion está sin duda inspirado en ellos. Así que, para mí, esa comparación es muy acertada».
Alexander Johan Hjalmar Skarsgård (Estocolmo-1976).
En nuestro Cineclub, en la novena temporada, pudimos verlo junto a su padre y Kirsten Dunst en Melancholia, una película de ciencia ficción dirigida por Lars Von Trier que rodó durante el descanso entre la tercera y la cuarta temporada de True Blood en 2010
Y me parece a mi
El hombre paquete
Natural, muy fresco y desacomplejado el primer largometraje de Harry Lighton, inspirado en un libro de Adam Mars-Jones que se tituló Box Hill. Cuenta la historia de un buen chico, educado en una familia mojigata, y su insólita relación amorosa con un duro y admirado líder motero que le adoptará como elemento sumiso en sus ejercicios BDSM (bondage, dominación, sadismo y masoquismo). El vínculo acordado y lúdico entrará en zona de peligro cuando el romanticismo haga acto de presencia y los roles comiencen a ser difusos.
Aunque la estética pareciera insinuarlo, en ningún momento aparece la violencia, ya que las reglas son claras y todo está medido, seguro y acordado. Un extraño respeto, para nada opresivo, envuelve a la comunidad gay, en la que en general predomina el buen rollo y un inteligente sentido del humor; convirtiendo las andanzas de sus personajes, indisimulados exploradores del placer y la euforia, más en extrovertida comedia que en complejo drama emocional.
Didáctica exposición de una manera de vivir, sin incidencia alguna en el civismo más elemental, que alejará la idea rancia de que los seguidores de estas prácticas sexuales son depravados, problemáticos, bichos raros y poco recomendables. Podíamos estar hablando del profesor de ética de tu hijo en el instituto, del afable operario que barre tu calle o del mayor experto del país en enfermedades infecciosas de origen animal.
Aunque la película no está exenta de una reflexión final sobre la complejidad de las cosas del querer; y tentados estamos de dar crédito al proverbio popular que dice que "en la lucha de amor, vence quien huye"; lo cierto es que lo mollar, al menos para mi, es la normalización y liberalización de cualquier tipo de conducta genital sana, siempre que cuente con el acuerdo de las partes.
spoiler:
Ni Colin tiene su talón de Aquiles en la autoestima ni Ray es una roca indestructible. Al parecer, este desenlace es una licencia poética del director, alejado del de la novela original.
Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello, Milvia Marigliano ...
GÉNERO
Drama. Comedia | Política
DURACIÓN
133 Min
PAÍS
Italia
SINOPSIS
Mariano De Santis, presidente (ficticio) de la República italiana, es un veterano político demócrata, humanista y católico, que de repente comienza a dudar sobre varias importantes decisiones que debe tomar, en especial sobre si aprueba o no una ley de eutanasia, planteándose un gran dilema moral.
¿Quién es quién?
4ª estancia de Paolo Sorrentino en nuestra granja de aves exóticas. Esta agradable y siempre esperada visita le permite convertirse en el emplumado ítalo con más blanquillos (que dirían en México), en nuestro Cineclub, junto a Matteo Garrone. Con La Grazia cumplimos 24 películas de la nacionalidad vecina. Inolvidables fueron, por orden de aparición: La gran belleza, Fue la mano de Dios y Parthenope. El gran deudor de Fellini, y Maradona, el napolitano de 55 años, vuelve para envolvernos en su visión particular sobre las cosas que pasan; en este caso sobre las que suceden a un Presidente de la República Italiana. Aquí siempre serás bien recibido.
El veterano Tony Servillo (Afragola, Nápoles-1959), también nos trae su cuarto huevo para que le ayudemos a empollarlo.
Es un intérprete fascinante de aquellos que obligan a los directores a crear personajes que solo ellos podrán interpretar. En el año 2014, recibió la mención de ciudadano honorario de Nápoles por ser un actor bastante querido tanto por el público como por la crítica, que lo consideran un gran representante del ambiente cultural napolitano.
Ha trabajado con lo más florido del cine transalpino contemporáneo. Es un actor talismán de Sorrentino con el que ha trabajado, antes de esta, en el L'uomo in piú (2001), Le conseguenze dell'amore (2004), Il Divo (2008), La Grande Bellezza (2013), Loro 1, Loro 2, Loro: International Cut (todas en 2018), È stata la mano di Dio (2021). También lo tuvimos en Gomorra (Matteo Garrone-2008)
Hoy miércoles acogemos un evento especial con uno de los grandes temas de debate del mundo rural: arraigado en lo más hondo de nuestro acervo cultural, el lobo oscila entre símbolo de lo salvaje y amenaza ancestral, muy presente en el imaginario tradicional y en las pesadillas nocturnas de cualquier galpón de ave. Con la proyección de Que la noche es mía, largometraje de singular formato del biólogo y documentalista Víctor Casas, que explora la figura del lobo en la tradición oral, y el preestreno del corto Lobos al oeste, dirigido por nuestro compañero Juan Luis de No (Cartas desde Argónida, Un hombre sin miedo) y que indaga en la presencia de este icónico animal en La Vera, el corral se convierte en anfitrión de una jornada de cine expandido con sendas mesas redondas post visionado, en las que contaremos con la presencia de realizadores y especialistas conocedores de lo que significa la vuelta del lupino a un territorio, y analizaremos cómo compatibilizar su conservación con la viabilidad en el entorno rural. Se te espera durante toda la tarde, además de en el vino español posterior que dejará esta velada galliner por todo lo alto.
JORNADAS | MIÉRCOLES Que la noche es mía y Lobos al oeste
Largometraje y cortometraje documental sobre la figura del lobo en la
tradición oral y la vuelta de este animal en la comarca de La Vera. Miércoles 22, a partir de las 18:00 – Documental | 90 y 30 min. | España | #787
Por encima del centenar de personas acudieron a la jornada sobre el lobo ibérico.
Combinando comedia y terror, es una versión retorcida del famoso cuento de Cenicienta. Sigue a Elvira en su lucha por competir con su increíblemente bella hermanastra en un reino donde la belleza es un negocio despiadado. Elvira hará lo que haga falta para captar la atención del príncipe.
¿Quién es quién?
Emilie Kirstine Blichfeldt (20 de mayo de 1991) es una directora de cine y guionista noruega.
Se graduó en 2013 en la Escuela de Arte y Cine de Nordland con el cortometraje How Do You Like My Hair? Posteriormente, cursó la especialidad de dirección en la Escuela Noruega de Cine entre 2015 y 2018. Su cortometraje de graduación, Saras intime betroelser (Las íntimas confesiones de Sara), se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2018.
Su primer largometraje, La hermanastra fea, se estrenó en cines en Noruega en febrero de 2025. Fue nominado en seis categorías de los Premios Amanda 2025, los más destacados del cine noruego, incluyendo una nominación para Blichfeldt en la categoría de mejor guion cinematográfico. En julio de 2025, La hermanastra fea recibe el Méliès d'Argent por parte del Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF) en Suiza. En octubre de 2025, es elegida como Mejor Película en el Festival de Sitges.
Del elenco de esta película solo a visitado el Cineclub Malte Gardinger, actor sueco de 25 años que estuvo en El triángulo de la tristeza (Ruben Ostlund).
Y me parece a mi
Mejor fregar que ser un guiñapo emperifollado
Acertada y acerada versión de la mítica Cenicienta, personaje creado por antiquísimas leyendas orales que algunos, como Heródoto, sitúan su origen fidedigno en el Antiguo Egipto de Amosis II (570-526 a. C.). Entonces se llamaba Ródope y era una esclava griega que ascendió a cortesana al conseguir liberarse. A lo largo de la historia todas las culturas han adoptado la figura de la criatura vejada y de usurpada estirpe, con diferentes nombres, interesadas variaciones y licencias artísticas o literarias.
Por lo que conozco del tema, Emilie Blichfeldt, se ha centrado sobre todo en la traslación que convirtieron en cuento los Hnos Grimm, alemanes investigadores del folclore y buceadores del pasado verbal o escrito. La directora noruega aprovecha su ópera prima para hacer una declaración de principios sobre la utilización del sexo femenino en los asuntos mundanos y patriarcales. Describe a la mujer como moneda de cambio, como objeto y víctima de su propia belleza, como competidora ante los anhelos del hombre, como esclava de su propia condición femenina.
Pero este oscuro retrato está alumbrado por una ironía más próxima al sarcasmo que a la gracieta, lo que habla muy a favor de la contundente personalidad de la creadora de "La hermanastra fea" que, considera la realizadora y guionista, somos todas.
Sí, es una comedia de terror pero no por su atmósfera claustrofóbica ni siquiera por su explicitud en las escenas de tortura para conseguir fines estéticos. Es pavorosa si nos ponemos a pensar en el destino último de quien deja de ser criada para habitar el palacio. No hay más que ver el perfil del heredero de la corona.
Solo Alma, la hermana pequeña, es una criatura digna de ser salvada. Capaz de observar, callar, pensar por sí misma y huir en defensa propia.
Anker sale de prisión tras cumplir una condena de quince años por robo. El dinero del atraco fue enterrado por su hermano Manfred. Solo él sabe dónde está. Por desgracia, desde entonces Manfred ha desarrollado un trastorno mental que le ha hecho olvidarlo todo. Juntos, los hermanos emprenden un viaje inesperado para encontrar el dinero y descubrir quiénes son en realidad.
¿Quién es quién?
Anders Thomas Jensen (Frederiksværk, Dinamarca-1972) es un guionista y director de cine danés. Ganó el Óscar al Mejor cortometraje en 1998 por la cinta Noche de elecciones, juntamente con Kim Magnusson.
Destaca en su faceta de guionista, que le ha llevado a colaborar en 48 proyectos, hasta el momento. Destacan entre ellos: Mifune (Søren Kragh-Jacobsen), Wilbur se quiere suicidar (Lone Scherfig), Te quiero para siempre, Hermanos, Después de la boda y En un mundo mejor(Susanne Bier), Los carniceros verdes, Las manzanas de Adam, De pollos y hombres y Jinetes de la justicia del propio A.T.J., Red Road (Andrea Arnold), La tierra prometida (Nikolaj Arcel)...
Como director, A.T.J., ya estuvo con nosotros con su celebrada obra Jinetes de la justicia, reseñada en el párrafo anterior.
Vuelve Mads Mikkelsen (Østerbro, Copenhague-1965), actor danés que siempre nos ha impresionado. Esta es su quinta visita al Cineclub. Inolvidables sus interpretaciones en: La caza y Otra ronda, ambas de Thomas Vinterberg; también en Después de la boda (Susanne Bier) y Jinetes de la justicia (Anders Thomas Jensen).
Y me parece a mi
Igualar desde abajo
¿De verdad merece la pena categorizar a las personas entre cuerdos e inestables psíquicos?, ¿tanta diferencia hay?
Anker, Manfred y su hermana Margrethe tuvieron una infancia traumática que dejó en ellos secuelas de difícil digestión. El paso del tiempo y la desaparición de los padres no consiguió separarlos; aunque alguno, por aquello de las malas compañías, hubo de pasar un tiempo de vacaciones pagadas en instituciones públicas. Cuando el, supuestamente, más capacitado de los tres sale de prisión, intenta abrir la caja de secretos que alberga el cerebro castigado del más pequeño, aquel niño que tomó como referencia ética y de supervivencia la cultura vikinga y la leyenda del jefe que ambicionaba la igualdad para su pueblo.
Y como las cosas pueden contarse de mil maneras, y ahí radica la atención del que escucha, el director (Anders Thomas Jensen) hace una crónica divertida, valiéndose de un drama digno de su vecino Bergman; y nos hace pasar un buen rato y asentir entre sonrisas ante sus reflexiones sobre la pesada carga de la vida y el indescifrable comportamiento de quienes padecen trastornos de personalidad, víctimas de educaciones deficientes o de aislamientos crueles.
El cine danés goza, desde hace mucho tiempo, de envidiable salud. Prueba de ello es el plantel de realizadores e intérpretes que garantizan el éxito de cualquier propuesta, sea cual sea la temática. Insisto, es una apuesta segura; como lo son Mads Mikelsen, Nikolaj Lie Kaas o cualquier otro secundario; en esta ocasión Lars Brygmann deslumbra en su papel de "especialista médico y coordinador" de una peculiar banda de música.
No te arrepentirás si tomas la decisión de ocupar un par de horas en esta pieza que encaja, con precisión relojera, en el universo psiquiátrico en el que nos desenvolvemos. Y si te muestras refractario a mi pesimismo social piensa por un momento en quienes están al frente de políticas gubernamentales, grandes empresas tecnológicas, consorcios bancarios, fondos de inversión...; ¿crees que son modelos de equilibrio y salud mental?
Drama | Abusos sexuales. Feminismo. Familia. Naturaleza
DURACIÓN
101 Min.
PAÍS
Brasil
SINOPSIS
Isla de Marajó, selva amazónica. Marcielle (Tielle) vive a orillas del río con su padre, su madre y sus tres hermanos. Impulsada por las palabras de su madre, idolatra a su hermana mayor, que supuestamente escapó de su realidad 'encontrando un buen hombre' en las barcazas que surcan la región. A medida que Tielle madura, sus visiones idealizadas se hacen añicos, dejándola atrapada entre dos entornos abusivos. Cada vez más preocupada por su hermana pequeña y por el sombrío futuro que vislumbra, decide enfrentarse al sistema opresivo que controla a su familia y a las mujeres de su comunidad.
¿Quién es quién?
Marianna Brennand (Brasilia, 1980) se licenció en cine en la Universidad de California en Santa Bárbara. En 2012 estrenó Francisco Brennand, un documental centrado en su tío abuelo Francisco, un artista brasileño reconocido mundialmente por su obra en cerámica, presente en ciudades y en su propio espacio, la Oficina Francisco Brennand. Con Manas (2024) marca su debut en la dirección de largometrajes de ficción y es fruto de una investigación de diez años sobre el complejo y delicado tema de la explotación sexual de niños y adolescentes en la Isla de Marajó, en el estado de Pará.
81º Festival de Cine de Venecia (2024) – Mejor Dirección (Giornate degli Autori) 35º Festival Internacional de Cine de Palm Springs (2024) – Mención Especial Iberoamericana 26º Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro (2024) – Premio Especial del Jurado (Jamilli Correa) 18º Festival Global de Cine de Santo Domingo (2024) – Premio Jimmy Sierra a la mejor ópera prima 50º Festival Iberoamericano de Cine de Huelva (2024) – Premio Colón de Plata, Premio del Público 73º Festival Internacional de Cine de Mannheim-Heidelberg (IFFMH) (2024) – Premio al mejor director novel [Casa Améric Catalunya]
Manas, dirigida por Marianna Brennand Fortes, se inscribe con discreción pero con firmeza en esa tradición del cine contemporáneo que observa sin subrayar, que denuncia sin proclamar y que incomoda sin necesidad de violencia explícita. Es una película que no busca el impacto inmediato ni el aplauso fácil: su fuerza reside en la paciencia, en la mirada sostenida y en una ética de la representación que rehúye el morbo y el paternalismo.
Fortes demuestra aquí una madurez notable como cineasta. Su dirección está guiada por una decisión clara: no instrumentalizar el sufrimiento de sus personajes para convertirlo en espectáculo. La cámara se mantiene cercana, pero nunca invasiva; observa, acompaña y espera. Esta elección formal define todo el film. Manas no se mueve en el terreno del drama enfático, sino en el de la experiencia vivida, en la acumulación de gestos, silencios y tensiones cotidianas que terminan revelando una estructura social opresiva sin necesidad de verbalizarla. (Ximo Palau),[Cine Maldito]
Y me parece a mi
Autojusticia y autorreparación
La naturaleza en la selva amazónica puede resultar brutal por su descomunal poderío, pero eso es algo que los nativos aceptan con espontaneidad mientras viven rodeados de los suyos, inocentes, sin comparativas. ¿Pero qué pasa cuando las personas de una cultura de raíces milenarias crecen, descubren otros mundos, viven otras experiencias, chocan con otras realidades y algunos lazos afectivos se convierten en cadenas?
La brasileña Marianna Brennand Fortes se hace las mismas preguntas en su ópera prima; no solo como indagación antropológica de los precolombinos que siguen habitando esas tierras en la desembocadura del río, en la Isla de Marajó, si no como mujer que podría estar inserta en el raquítico desarrollo de una civilización que fue avanzada en su tiempo y que a día de hoy arrastra retraso y desigualdad, multiplicados los problemas si perteneces al sexo femenino.
Tielle, la tercera de una familia con principios religiosos que espera su quinto hijo, afronta la adolescencia con el referente de su hermana mayor, que un día huyó de casa; y con el máximo interés, a medida que despierta su conciencia, en que la más pequeña tenga una vida mejor, en la que no quepan la ignorancia, la miseria, los abusos ni el desencanto.
La obra de Marianne utiliza un ritmo in crescendo y evoluciona desde el encantamiento de la colorida jungla y sus silbidos hipnóticos a un final, necesario y brutal, que apaga la luz y el sonido.
Miércoles 22, a partir de las 18:00 – Documental | 90 y 30 min. | España | #787
