lunes, 26 de abril de 2021

Película 547 # Año XVIII

 Nomadland

 Jueves 29 de Abril/2021

Sala Avenida - Jaraíz

20:15 Horas


DIRECTORA
 
Chloé Zhao
 
GUIÓN: Chloé Zhao. Libro: Jessica Bruder
 
MÚSICA: Ludovico Einaudi
 
FOTOGRAFÍA: Joshua James Richards
 
REPARTO:   Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie, Bob Wells, Gay DeForest, Patricia Grier
 
  GÉNERO:  Drama | Road Movie. Crisis económica 2008. Cine independiente USA
 
DURACIÓN: 108 Min.
 
PAÍS: USA


SINOPSIS

Una mujer, después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como una nómada en una caravana. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad en la zona rural de Nevada, Fern toma su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional, como nómada moderna. 

 


¿Quién es quién?
 
Chloé Zhao (Pekín-1982) es una directora, productora y guionista china. Obtuvo un gran reconocimiento por su trabajo en el aclamado filme Nomadland, por el cual recibió el premio a la mejor película y mejor dirección en la 93.ª entrega de los Premios Óscar, convirtiéndose en la segunda mujer en ganar dicho galardón tras la norteamericana Kathryn Bigelow. Adicionalmente ha ganado, entre otros, dos Premios BAFTA, dos Globos de Oro, un Premio del Sindicato de Directores y tres Premios de la Crítica Cinematográfica. 

 
Zhao nació en Pekín pero pasó su adolescencia en Brighton, Reino Unido. Hizo su película debut con Songs My Brothers Taught Me. En 2017, fue premiada en el Festival Internacional de Cine de Cannes por su película The Rider.


Frances Louise McDormand (Gibson City, Illinois, 23 de junio de 1957) es una actriz estadounidense. Ha sido acreedora a los premios Óscar a la mejor actriz por Fargo (1996), Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (2017) y Nomadland (2020).
Está casada con el director Joel Coen a quien conoció durante la filmación de su debut como actriz en el cine, Blood Simple (1984);2 desde entonces ha protagonizado varias películas de los hermanos Coen, incluyendo Fargo (1996), The Man Who Wasn't There (2001) y Burn After Reading (2008). Su trabajo en los filmes Mississippi Burning (1988), Almost Famous (2000) y North Country (2005), le valieron nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto. 
Entre sus otras cintas están Agenda oculta (Ken Loach-1990) Short Cuts (1993), Primal Fear (1996), Wonder Boys (2000) y Something's Gotta Give (2003). 

En el Cineclub El Gallinero la recordamos especialmente por: Moonrise Kingdom (Wes Anderson), Quemar después de leer (Coen) y El hombre que nunca estuvo allí (Coen)



 Y me parece a mi
 
Nómadas sin caza y sin pastoreo

Cada arruga del rostro de Frances McDormand (Fern, en la película), es un capítulo en el guion de la vida de una mujer que decide, tras quedarse sola, cabalgar con su furgoneta paisajes y empleos de mierda; lo de "trabajo basura" comienza a ser un eufemismo. Esta decisión, que en cortos espacios de sosiego, parece barnizada de romántica libertad, viene obligada por las circunstancias y por la adaptación del superviviente, a una sociedad que está diseñada para que las grandes compañías y entidades bancarias campen por sus respetos, esclavicen a sus trabajadores y acaparen todos los beneficios; con la aquiescencia de los distintos gobiernos que, o bien tienen en nómina a los políticos, o bien son los mayores accionistas de dichas empresas.

En Estados Unidos, según el libro de Jessica Bruder en el que está basado el libreto, Amazon está subsidiado entre un 25 y un 40 por ciento, si emplea a mayores (la autora conoció asalariados temporales de 77 años), en turnos superiores a 10 horas, durante los picos de paquetería (Black Friday, Navidad... etc.). Esto puede dar una idea de la urgencia, las ridículas pensiones y las condiciones laborales de los americanos más vulnerables. Por supuesto, estas necesidades se agravaron de forma exponencial tras la crisis económica del 2008, provocada por quienes vosotros ya sabéis, soportada por quienes podéis imaginar; y pagada con los ahorros, las viviendas (crisis de las hipotecas subprime) y la desaparición de la dignidad de quienes, como aquellos agricultores de "Las uvas de la ira" (depresión del 1930), se ven en la calle y tienen que vagabundear y cobijarse en coches y caravanas. Claro que entre ellos habrá algún aventurero que disfrute de esa obligada libertad, pero la mayoría no han escogido, se les ha impuesto.

Es uno de los peros que yo pondría al buen oficio de Chloé Zhao (The rider-2017), su falta de rotundidad, su tímida denuncia, su escasa clarificación, incluso ese blanqueo de la fatalidad. Como si llamar a las cosas por su nombre estuviera reñido con la poesía de las grandes y desérticas praderas, y con el mundo interior de una mujer que sigue buscándose a sí misma y opta, de momento, por la soledad... ¿Acaso no hay lírica en la injusticia?
Jaht



Asistieron 81 espectadores


miércoles, 21 de abril de 2021

Película 546 # Año XVIII

 Mank

Jueves 22 de Abril/2021

Sala Avenida/Jaraíz

19:40 - Presentación (David Garrido)

20:00 Horas - Proyección



DIRECTOR

David Fincher

GUIÓN: Jack Fincher
 MÚSICA: Trent Reznor, Atticus Ross
 FOTOGRAFÍA: Erik Messerschmidt (B&W)
 
 REPARTO: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Leven Rambin, Madison West, Adam Shapiro, Monika Gossmann, Paul Fox, Jessie Cohen, Amie Farrell, Alex Leontev, Stewart Skelton, Craig Robert Young, Derek Petropolis, Jaclyn Bethany, Arlo Mertz 
 
GÉNERO: Drama. Comedia | Biográfico. Años 30. Años 40. Cine dentro del cine
DURACIÓN: 132 Min.    PAÍS: U.S.A. 
 
 

SINOPSIS
   

En Mank, David Fincher,disecciona una de las polémicas más famosas de la historia del cine: quién escribió realmente el guion de Ciudadano Kane (1941), una de las mejores películas del séptimo arte -quizá la más legendaria de todas, como decía la crítica de cine Pauline Kael- con un por aquel entonces jovencísimo Orson Welles detrás de las cámaras. Este provenía del mundo del teatro y acababa de cumplir los 25 años cuando empezó a filmar este, su primer largometraje.

Al lado de Welles estuvo Herman J. Mankiewicz, el Mank que da nombre al título, un guionista de estudios, hermano mayor del director Joseph L. Mankiewicz (Eva al desnudo, Cleopatra), descrito como el hombre más divertido de la época en Nueva York, que luchó y luchó contra el director para que se le concediera un crédito como autor del libreto. La cinta, tremendamente revolucionaria a un nivel estético y muy crítica con el ‘establishment’ del momento, fue nominada a nueve estatuillas de la Academia y se llevó sólo un Oscar, precisamente en la categoría de Mejor guion original para Welles y Mankiewicz, que ya había colaborado en filmes como Un hombre de mundo (1931), Cena a las ocho (1933) o El mago de Oz (1939), pero que siempre consideró Ciudadano Kane como su mejor obra. Él se inventó aquello de "Rosebud", supuestamente tras apostar en las carreras a un caballo llamado Old Rosebud. Aunque hay otras teorías, como que así era como llamaba el inventor de la prensa amarilla William Randolph Hearst a cierta parte íntima de su querida.

Tom Burke (Sólo Dios perdona) interpreta a Welles, mientras que el oscarizado Gary Oldman (El instante más oscuro) hace de Mankiewicz. Juntos crearon a Charles Foster Kane, el megalómano magnate de la prensa que, en realidad, parodiaba al todopoderoso Hearst, que incluso llegó a prohibir que sus periódicos mencionaran la película. Mank, por tanto, es un ácido retrato del Hollywood de los años 30 y 40, la era dorada del cine, y, por supuesto, un análisis sobre cómo se hacía magia entre bambalinas cuando los titiriteros que movían los hilos en el celuloide eran hombres como Louis B. Mayer, presidente de los míticos Metro-Goldwyn-Mayer; Irving G. Thalberg, vicepresidente y jefe de producción de MGM, o David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó (1939) y Rebeca (1940), sustituto de Thalberg en MGM y ex de Paramount y de RKO, distribuidora de Ciudadano Kane, antes de volverse independiente.

Todos ellos, Mayer (Arliss Howard), Thalberg (Ferdinand Kingsley) y Selznick (Toby Leonard Moore), salen en Mank. Y lo mismo ocurre con Hearst (Charles Dance) o con la actriz de Amores en Hollywood Marion Davies (Amanda Seyfried), amante en la vida real del célebre prohombre y empresario, con quien tuvo un romance hasta la muerte de él en 1951. Hearst creía que el personaje de Susan Alexander Kane -interpretado por Dorothy Comingore-, segunda mujer del protagonista de Ciudadano Kane, estaba inspirada en Davies -pese al desmentido de Welles. Y ese fue el motivo por el que intentó destruir la cinta a toda costa.

Texto robado cariñosamente a SensaCine que desde hace tiempo está en nuestras Zinemanías.


¿Quién es quién?

David Andrew Leo Fincher (Denver, Colorado-1962) es un director y productor estadounidense de cine, televisión y vídeos musicales. Fue nominado para el Óscar a mejor director por El curioso caso de Benjamin Button (2008) y La red social (2010). Por esta última, ganó el Globo de Oro al mejor director y el Premio BAFTA a la mejor dirección. 


Por primera vez visita El Gallinero y nos sentimos muy honrados por su presencia y por traernos una muestra de su espléndida obra, tras casi cuarenta años de trabajo. Además de incontables video-clips para reconocidos músicos (Rolling Stones, Madonna, Michael Jackson, Billy Idol, Iggy Pop, Sting, Ry Cooder, Paula Abdul, Mark Knopfler...), le recordaréis, además de las citadas por películas como: Seven (1995), The Game (1997), El Club de la Lucha (1999), Zodiac (2007), La red social (2010), Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011) y Perdida (2014).


También es la primera presencia de Gary Leonard Oldman (Londres-1958) , otro actor icónico, digno de reseñar.

Entre sus películas están JFK (1991), Amada Inmortal (1994), Drácula, de Bram Stoker (1992), Romeo Is Bleeding (1993), Léon (1994), El quinto elemento (1997), Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004), Batman Begins (2005) Harry Potter y la Orden del Fénix (2007), The Dark Knight (2008), Tinker Tailor Soldier Spy, The Dark Knight Rises (2012), Darkest Hour (2017) y Mank (2020).


Su interpretación de Sid Vicious en Sid and Nancy figura en la lista «Las 100 mejores interpretaciones de la historia del cine». Ha recibido, entre otros, tres BAFTAs un premio Saturno, un Globo de Oro y un Oscar a mejor actor por su papel de Winston Churchill en Darkest Hour. 

Amanda Michelle Seyfried ( Pensilvania- 1985) es una actriz de cine y televisión, cantante y modelo estadounidense. Es más conocida por sus papeles en películas como Querido John, Mamma Mia!, Chicas Pesadas y Cartas a Julieta, entre otras. En el Cineclub se la recuerda por su papel en El Reverendo (Paul Schrader).


 
 


domingo, 18 de abril de 2021

Película 545 # Año XVIII

 Ciudadano Kane

(Citizen Kane)

Miércoles 21 de Abril/2021

Sala Avenida/Jaraíz

19:40-Presentación

20:00 Horas-Proyección



DIRECTOR

Orson Welles

GUIÓN:  Herman J. Mankiewicz, Orson Welles

MÚSICA: Bernard Herrmann

FOTOGRAFÍA: Gregg Toland (B&W)

REPARTO: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd, Arthur O'Connell, Fortunio Bonanova

GÉNERO:  Drama | Periodismo. Película de culto. Nochevieja / Año nuevo 

DURACIÓN: 119 Min      PAÍS: USA




SINOPSIS

Un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, ”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio.
 

 ¿Quién es quién?
 
 Orson Welles, (Kenosha, Wisconsin; 1915- 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.

Considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica La guerra de los mundos, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando muchos oyentes del programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una invasión extraterrestre. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, solo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), su película más exitosa; aún no había cumplido 26 años.
 
En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se vio obligado a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones, algo característico del período del macartismo, durante el cual numerosos personajes de la vida pública fueron acusados de pertenecer a esta corriente ideológica y, con ello, ser enemigos de los Estados Unidos. Sobre la época, el mismo Welles escribió: «Lo malo de la izquierda estadounidense es que traicionó para salvar sus piscinas. Y no hubo unas derechas estadounidenses en mi generación. No existían intelectualmente. Solo había izquierdas y estas se traicionaron. Porque las izquierdas no fueron destruidas por McCarthy; fueron ellas mismas las que se demolieron dando paso a una nueva generación de nihilistas». 

ORSON WELLES DIRECTOR: Citizen Kane (1941), El cuarto mandamiento (1942), El extraño (1946), La dama de Shanghai (1947), Macbeth (1948), Otelo (1952), Mister Arkadin (1955), Sed de mal (1958), El proceso (1962), Campanadas a medianoche (1965)...

 ORSON WELLES ACTOR (Al margen de sus apariciones en películas propias): Alma rebelde (Robert Stevenson-1943), El tercer hombre (Carol Reed-1949), Moby Dick (John Huston-1956), El largo y cálido verano (Martin Ritt-1958), Impulso criminal (Richard Fleischer-1959), Rey de reyes (Nicholas Ray-1961), La ricota (Pier Paolo Pasolini-1962), Un hombre para la eternidad (Fred Zinnemann-1966), Waterloo (Sergei Bondarchuck-1970), La década prodigiosa (Claude Chabrol-1971), El viaje de los malditos (Stuart Rosenberg-1976), Don Quijote de Orson Welles [Jesús Franco-1992 (con material del propio Orson Welles)]
 

 Joseph Cheshire Cotten (1905 - 1994) fue un actor estadounidense. Llegó al cine de la mano de Orson Welles, colaborando en películas como Ciudadano Kane o El tercer hombre, y se dio a conocer al gran público por algunas de sus interpretaciones en películas de Alfred Hitchcock (La sombra de una duda y Atormentada).

 ALGUNAS OTRAS PELÍCULAS: Luz que agoniza (George Cukor-1944), Duelo al sol (King Vidor-1946), Jennie (William Dieterle-1948), Otelo (Orson Welles-1952), Niágara (Henry Hathaway-1953), Sed de mal (Orson Welles-1958), El último atardecer (Robert Aldrich-1961), Canción de cuna para un cadaver (Robert Aldrich-1964), Sembrando ilusiones (Luigi Comencini-1972), Cuando el destino nos alcance (Richard Fleischer-1973), La puerta del cielo (Michael Cimino-1980).


Bernard Herrmann (Nueva York 1911 – Los Ángeles 1975) fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo en El hombre que vendió su alma (The Devil and Daniel Webster, 1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (Ciudadano Kane, La guerra de los mundos) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechó la mayoría de sus grandes éxitos (Vértigo, The Man Who Knew Too Much y Psicosis).

Más bandas sonoras: El fantasma y la señora Muir (Joseph Leo Mankiewicz-1947), Falso culpable (Alfred Hitchcock-1956), Farenheit 451 (François Truffaut-1966), Taxi Driver (MartinScorsese-1976)... 


Y me parece a mi

El hombre que susurraba a los lingotes

Ayer volví a los dominios de Charles Foster Kane, gracias a los desvelos del Cineclub El Gallinero que, milagrosamente y destrozando todo argumento agorero, sigue velando por la existencia del cine de autor en una región de belleza exótica del Norte de Extremadura; pero donde a pesar de casi 20 años y 545 títulos después, el buen cine sigue siendo: "...ese tipo extraño y sospechoso que acaba de llegar al pueblo, al que conviene vigilar desde la distancia"

La Sala Avenida, a pesar de las restricciones por cuestiones sanitarias, llenó un aceptable número de butacas y al apagarse las luces, nos trasladamos ochenta años atrás; e incluso más, cuando algunos de los que sobrevivieron al emperador de Xanadú nos hablaron de su infancia.
Prácticamente todos habíamos sido testigos en alguna ocasión de la azarosa vida del potentado a quienes muy pocos se atrevieron a llamar Charlie, pero estoy por apostar que la mayoría descubrimos una película fresca y nueva. Es el premio indiscutible de lo que ha nacido para perdurar: la eterna juventud.

No hay palabra o gesto que sobre en este manantial de sabiduría cinematográfica, todo está bien hecho, bien estudiado. El guión convierte en protagonista hasta el más humilde de los múltiples personajes que pululan por las redacciones, calles capitalinas, teatros de ópera o los laberínticos pasillos de la mansión de Florida. Unos y otros están cargados con la sensatez de sus propias verdades, poseen una digna dimensión humana y resultan coherentes hasta cuando se equivocan.
Tan bien engarzados están los diálogos, hay tal carga filosófica y existencial en ellos, que me lleva a dudar de que un jovencito de 25 años, sin suficiente bagaje intelectual y experimental fuera capaz de levantar un monumento tan colosal. Hay cosas que solo dan los años y la mundología. Y es aquí donde habría que dar pábulo, bajo mi punto de vista, a las voces que siempre han mantenido que el escritor, al menos en un 80% no es otro que Herman J. Mankiewicz (Mank) y que Orson Welles se atribuyó más méritos de los que le corresponden en la idea literaria.
Esta circunstancia no restaría, por supuesto, valor alguno a un creador de talla superior como el genio de Wisconsin, que venía de inquietar a los radioyentes estadounidenses con un imaginativo programa radiofónico basado en la obra de Herbert George Wells: La guerra de los mundos.
 
spoiler:
La apabullante presencia, soberbiamente interpretado por Welles, del prócer sin medida, sin techo, del que se crecía en la adversidad, del odioso egocéntrico, del manipulador insensible, del comprador obsesivo..., no impide que nos compadezcamos sinceramente de un pobre hombre, tan rico. Es una más de las grandezas de esta obra, que nos reconciliemos con un tirano, un acaparador del poder y del oxígeno que necesitaban los demás, y solo porque en el fondo hemos compartido con él una patria común y única: la infancia salvaje, en la que el dinero no existe.

Algunos, a esta etapa de la vida la llaman Rosebud.





martes, 13 de abril de 2021

Película 544 # Año XVIII


 Ondina

Jueves 15 de Abril/2021

Sala Avenida - Jaraíz

20,30 Horas



DIRECTOR

Christian Petzold
 
GUIÓN: Christian Petzold
 
FOTOGRAFÍA: Hans Fromm
 
REPARTO:  Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz, Anne Ratte-Polle, Rafael Stachowiak, José Barros, Julia Franz Richter, Gloria Endres de Oliveira, Enno Trebs, Christoph Zrenner
 
GÉNERO:  Romance. Drama | Drama romántico
 
DURACIÓN: 89 Min.
 
PAÍS: Alemania    
 
 
 
SINOPSIS

Ondina es historiadora y da conferencias sobre el desarrollo urbano de Berlín. Pero cuando su amante la abandona, el antiguo mito se apodera de ella. Solo le queda matar al hombre que la ha traicionado y regresar a las aguas.



¿Quién es quién?

Christian Petzold (Hilden, Renania del Norte-Westfalia-1960) es un guionista y director de cine alemán.​

Su primera película fue Pilotinnen, que dirigió para su graduación en 1995.

 Christian Petzold forma parte de la llamada Escuela de Berlín. Sin embargo, mientras este grupo es asociado a menudo con un regreso al realismo y el cine político, su primer largometraje, Die innere Sicherheit, trata sobre los conflictos entre la vida y la muerte a través de las situaciones laborales. En Gespenster (2005), el protagonista lleva una vida similar a la de un fantasma. En Yella (2007), el protagonista está probablemente muerto al comienzo de la película. Estas tres películas fueron agrupadas en la trilogía Gespenster. Es decir, tres películas que delatan su afición por la muerte o seres inmateriales.

En 2012 recibió en la Berlinale el Oso de plata a la mejor dirección por su película Barbara, que a su vez significó su primera aparición en el Cineclub El Gallinero.

En 2018 estrenó En tránsito, una película de seres entre la vida y la muerte que deambulan por una Marsella de la etapa nazi. 
 
La protagonista, Paula Beer (Berlín-1995), os resultará familiar por su participación en la inolvidable Frantz de François Ozon, que pasó por nuestra sala hace justo cuatro años.

Su partenaire, Franz Rogowski ( Friburgo de Brisgovia-Alemania-1986) es actor y bailarín, al que recordaréis por la última obra de Haneke en el Avenida: Happy End

Y por último, para los de mente fotográfica, la aparición en esta enigmática película de Jacob Matschenz (Berlín-1984) que ya aparecía (por el 2009) en una distopía experimental de Dennis Gansel que se tituló La ola.


Estudios y análisis

Para los aficionados a las estadísticas, reseñar que, con la de hoy, son 19 los largometrajes alemanes que hemos proyectado; que sería tanto como decir que el 3,60 % de nuestras pelis son de esa nacionalidad. Sería el quinto país en aportaciones tras: Reino Unido, Francia, USA y España.
 
Para refrescaros un poco la memoria, reseñar la contribución de Fatih Akin con: Soul Kitchen, Al otro lado y Contra la pared. La única obra de Michael Haneke tras la reunificación, y una de las joyas de El Gallinero: Das weisse Band (La cinta blanca). En el apartado de dirección femenina: Margarethe von Trotta con Hannah Arendt; Maren Ade con Toni Erdmann y Valeska Grisebach con Western.
Otra de las obras teutonas recordada con cariño es La suerte de Emma (Sven Taddicken)






lunes, 12 de abril de 2021

Programación Abril 2021 T-XVIII

Abril se nos ha echado encima, para no perder costumbres, pero el cartel que os tenemos preparado va a ser eterno. 


🎬 Programación Abril 2021 T-XVIII

- Una Gran Mujer, de Kantemir Balagov Circuito Itinerante de Filmoteca de Extremadura

- Ondina, de Christian Petzold

Ciclo Kane/Mank

- Ciudadano Kane, de Orson Welles

- Mank, de David Fincher

- Nomadland, de Chloé Zao 

Cartelazo envidia del cuarto poder, diseño de #ClauHalley👌

                               🐓🤟

domingo, 11 de abril de 2021

Película 543 # Año XVIII

 Una Gran Mujer

[Dylda (Larguirucha)]

(Beanpole)

Miércoles 14 de Abril/2021

Sala Avenida/Jaraíz

20:00 Horas



DIRECTOR

Kantemir Balagov

GUIÓN:  Kantemir Balagov, Aleksandr Terekhov

MÚSICA:  Evgueni Galperine

FOTOGRAFÍA: Kseniya Sereda

REPARTO: Viktoria Miroshnichenko, Vasilisa Perelygina, Konstantin Balakirev, Andrey Bykov, Olga Dragunova, Timofey Glazkov

GÉNERO: Drama | II Guerra Mundial. Drama social 

DURACIÓN: 130 Min.

PAÍS: Rusia 



SINOPSIS

Leningrado, 1945. La Segunda Guerra Mundial ha devastado la ciudad y derruido sus edificios, dejando a sus ciudadanos en la miseria tanto a nivel físico como psíquico. El asedio, uno de los peores de la Historia, ha terminado, pero la vida y la muerte continúan combatiendo en el desastre que la guerra deja tras de sí. Dos mujeres jóvenes, Iya y Masha, tratan de encontrar un sentido a sus vidas para reunir fuerzas de cara a reconstruir la ciudad. 

 

¿Quién es quién?

Kantemir Balagov nació en la actual localidad rusa de Nálchik en 1991, en el seno de una familia sin relaciones con el cine. Su madre es una profesora de química y biología y su padre es un empresario local. 

A los 23 años decidió abandonar los estudios y solicitar una plaza en el taller de cine de la Universidad de Kabardino-Balkaria dirigido por Aleksandr Sokúrov


 

En 2017, Balagov dirigió su primer largometraje, Demasiado cerca (Tesnotá), que figuró en el programa de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes, donde recibió el premio FIPRESCI de la crítica internacional.​ También en 2017, el filme fue galardonado con el premio GQ Rusia en la categoría de Descubrimiento del año.

 En 2019, Balágov recibió nuevamente el premio FIPRESCI, así como el premio a Mejor Director, por su segundo largometraje, Una gran mujer (Dylda), que también se presentó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes.

La cámara de Balágov es cercana y se mueve compulsivamente, como la de los hermanos Dardenne o la del húngaro Lászlo Nemes.​ Esta cámara se adentra, junto a los personajes, en espacios claustrofóbicos, como exteriorización del aislamiento que los personajes experimentan. Espacios dominados por un rojo, un verde y un dorado que componen cuadros de gran intensidad expresiva y, que "crean una atmósfera de excepción, que no acaba por ser purificadora ni terrible sino tensa e incómoda, recordando algunas películas del realizador polaco Krzysztof Kieślowski",​ como ocurría en el filme La doble vida de Verónica de este último director.

Esta, además, se trata de una película que se opone al discurso histórico predominante en la Rusia de Putin, posicionándose en contra de "un oficialismo empeñado en blanquear los horrores de la Historia". Una Historia en la que las "victorias" bélicas (estandarte de la masculinidad)​ únicamente son victoria de unos valores que tan solo conllevan a la derrota. Derrota de un pueblo que experimentará secuelas incurables, que tratará de negar o justificar indebidamente.​

No extraña que Una gran mujer fuese producida por Alexander Rodnyansky, el productor detrás de otras obras profundamente críticas con el "nacionalismo atroz" presente en Rusia y del que habla Balágov,​ como Elena (2011), Leviatán (2014) y Sin amor (2017), todas ellas dirigidas por el aclamado cineasta ruso Andréi Zviáguintsev.

 

 



Y me parece a mi

La inocencia es el postre de los injustos guerreros

"Una gran mujer", que imagino (pero no comparto), aquí no se tituló "larguirucha" por cuestiones de marketing comercial, es una de esas patadas en el estómago que casi nunca reciben quienes deberían ser receptores de una descarga de realidad tan brutal.
Los que justifican las guerras, encuentran positividad en los conflictos y los consideran inevitables e incluso plenos de futuras oportunidades, aunque para aportar su dosis de corrección política, reconozcan molestos e indeseables efectos secundarios, deberían estar en el lugar de las víctimas, no digo empatizar con ellas porque este es un eslabón defectuoso, cuando no inexistente, en su ADN. Allí, de cuerpo presente. Ser un guiñapo, resultar herido y torturado, violado, pisoteado física y anímicamente... Y después, ¡quién sabe! si seguirían firmando ataques, exilios, cercos o bombardeos.

Esta segunda película de Kantemir Balagov duele, sobre todo porque sitúa la acción en la terrible cotidianeidad del ¿y ahora qué? ¿Qué pasa con los niños, los ancianos, los mutilados, las mujeres vilipendiadas, el pueblo asediado por hambre y enfermedad...? ¿Dónde están los grandes hombres de la Patria: políticos, generales, banqueros, aristócratas...? ¿Esto es la victoria?
 
spoiler:
 
El virtuosismo del director, la interpretación de los personajes de Iya y Masha y la impresionante fotografía (cada plano es un cuadro), son parte importante en esta crónica de posguerra en Leningrado; pero una vez más es la descorazonadora certeza de que no seremos capaces de cambiar nada, de que ya no hay solución, la auténtica protagonista de un episodio que, como las mejores pesadillas parece "prolongarse hasta el infinito", que diría Boyero. Y esa sensación que a él parece asfixiiarle a mi me resulta vivificador. Después de todo, el dolor es un síntoma que anuncia la continuación de la existencia.
Jaht

 


 

 

domingo, 4 de abril de 2021

Película 542 # Año XVIII

 Papicha, Sueños de Libertad

Jueves 8 de Abril/2021

Sala Avenida/Jaraíz

20:15 Horas

 


 DIRECTORA

Mounia Meddour

 GUIÓN: Fadette Drouard, Mounia Meddour

MÚSICA: Rob

 FOTOGRAFÍA: Léo Lefèvre

REPARTO: Marwan Zeghbib, Lyna Khoudri, Shirine Boutella, Amira Hilda Douaouda, Yasin Houicha, Zahra Manel Doumandji, Aida Ghechoud, Nadia Kaci, Meriem Medjkrane, Samir El Hakim, Khaled Benaissa, Abderrahmane Boudia, Malek Ghellamat, Ahmed Benaïssa, Amine Mentseur

 GÉNERO:  Drama | Religión. Moda. Años 90. Feminismo 

DURACIÓN: 106 Min.     PAÍS: Argelia 

 

SINOPSIS

Argelia, años 90. Nedjma, de 18 años, estudiante alojada en la ciudad universitaria de Argel, sueña con convertirse en estilista y se niega a que los trágicos sucesos de la guerra civil argelina le impidan llevar una vida normal y salir por la noche con su amiga Wassila. Al caer la noche, se escurre entre las redes del alambrado de la ciudad con sus mejores amigas para acudir a la discoteca donde vende sus creaciones a las ‘papichas’, las jóvenes argelinas. La situación política y social del país no deja de empeorar. Nedjma se niega a aceptar las prohibiciones de los radicales y decide luchar por su libertad e independencia organizando un desfile de moda.


¿Quién es quién?

Mounia Meddour (Moscú, 1978) ​ es una directora de cine y documentales franco-argelina. En 2019 estrenó su primer largometraje, Papicha, sueños de libertad en homenaje a las mujeres argelinas que lucharon y resistieron durante la llamada "Década Negra" de Argelia en los años 90. 
 
Su padre es el director de cine argelino Azzedine Meddour ​ y su madre es de origen ruso. A los 20 años tuvo que abandonar Argelia con su familia, dado que su padre estaba en una lista de personas a las que las autoridades pensaban eliminar. 
 
Dirigió varios documentales, como Particules elementaires en 2007 o La Cuisine en héritage en 2009 , ​ posteriormente en 2011 Cinéma algérien, un nouveau souffle (Cine argelino, un nuevo aliento), un documental sobre la nueva generación de directores argelinos que está surgiendo, a pesar de la falta de financiación. Ese mismo año 2011 dirigió su primer cortometraje de ficción, Edwige​. Este cortometraje recibió una mención especial en las Jornadas Cinematográficas de Argel. 
 


 Y me parece a mi

Las fieras huelen el miedo, mejor no tenerlo

Los sucesos políticos en el último decenio del siglo pasado, llevaron a Argelia a un retroceso en las libertades que tanto costaron conseguir en su proceso de independencia de Francia. Una encubierta guerra civil en la que la población civil era el objetivo de las facciones más fundamentalistas, causó una gran cantidad de amenazas, atentados y ataques a centros de educación o reuniones donde las mujeres eran protagonistas.
En esta irrespirable atmósfera se desarrolla la vida de Nedjma y sus amigas, universitarias irreductibles, porque contra el miedo el único arma eficaz es la huida hacia adelante.

Cada metro de conquista ha supuesto para las mujeres muchos años de lucha y sacrificio, como para dejar que en nombre de una religión se las niegue la toma de decisiones. Nuestra joven argelina (papicha) se niega a las castrantes imposiciones de los intérpretes radicales del Corán, que intentan sembrar el terror para conseguir sus objetivos. A pesar de su corta edad sabe que para combatir el horror, que algunos ven inevitable e invencible, hay que actuar como si nada estuviera pasando. Eso es lo que ellos quieren, piensa, que nos quedemos paralizadas, y decide ignorar a los ideólogos represores y a sus cobardes secuaces, enfureciéndolos hasta el paroxismo; y sigue bailando, riendo y ocupándose de lo que más le apasiona: diseñar vestidos, vertiendo en ellos toda la imaginación.

Como no podía ser de otra manera es una mujer (Mounia Meddour), directora novel, la que comanda este proyecto reivindicativo y esperanzador, con valentía y convencimiento y es tan respetable este empeño que analizar otros aspectos cinematográficos, aquí y ahora, estaría fuera de lugar. Lo que importa es el mensaje.
 
Jaht



 


viernes, 2 de abril de 2021

Película 541 # Año XVIII

Dear Werner

 (Walking on Cinema)  

Miércoles 7 de Abril/2021

Sala Avenida/Jaraíz

20:30 Horas 

 


DIRECTOR

Pablo Maqueda
 
 
GUIÓN: Pablo Maqueda
 
MÚSICA: José Venditti
 
FOTOGRAFÍA: Pablo Maqueda
 
  REPARTO: Documental, (intervenciones de: Pablo Maqueda, Werner Herzog)
 
GÉNERO: Documental
 
DURACIÓN: 80 Min.
 
PAÍS: España 




SINOPSIS

La carta de amor del cineasta Pablo Maqueda a uno de los grandes autores de nuestro tiempo, Werner Herzog.

En 1974 Werner Herzog caminó desde Múnich a París en un acto de fe para evitar la muerte de su mentora Lotte Eisner. En 2020, un joven director realiza el mismo camino siguiendo los pasos de Herzog, en un acto de amor hacia uno de los mejores cineastas de nuestro tiempo. Un viaje a través de pueblos, naturaleza, soledad y frío en busca del significado de la creación.

Incluye fragmentos del libro "Del caminar sobre hielo" del legendario cineasta Werner Herzog, narrados por él mismo exclusivamente para la película.
 


¿Quién es quién?
 
 Para los que no le conozcáis: ¡iba siendo hora!; para el resto, nunca están demás los añadidos sobre una persona y personaje con semejante trayectoria vital y creativa. 

Werner Herzog Stipetić (Múnich-1942) es un director, documentalista, guionista, productor y actor alemán. Sus películas a menudo presentan protagonistas ambiciosos con sueños imposibles, personas con talentos únicos en campos oscuros o individuos que están en conflicto con la naturaleza.
 

Herzog grabó su primera película en 1961 a la edad de 19 años. Desde entonces ha producido, escrito y dirigido más de sesenta largometrajes y documentales, como Aguirre, la cólera de Dios (1972), Herz aus Glas (1976), Nosferatu el vampiro (1978), Fitzcarraldo (1982), Lektionen in Finsternis (1992), Flucht aus Laos (1997), Mi enemigo íntimo (1999), Invencible (2000), Grizzly Man (2005), Encounters at the End of the World (2007), Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans (2009) y Cave of Forgotten Dreams (2010). Ha publicado más de una docena de libros y dirigido algunas óperas.

El cineasta francés François Truffaut llamó una vez a Herzog "el director de cine vivo más importante".​ El crítico de cine estadounidense Roger Ebert afirmó que Herzog "nunca ha creado una sola película comprometida, vergonzosa, hecha por razones pragmáticas o sin interés", añadiendo que "incluso sus fracasos son espectaculares".​ La revista Time lo nombró una de las 100 personas más influyentes del mundo en el año 2009.

Fue el segundo hijo de Dietrich Herzog y Elizabeth Stipetić. Dietrich fue inmediatamente conscripto para el ejército alemán, y la pareja se disolvió. Bajo la custodia de su madre, Werner mantuvo su apellido materno Stipetić hasta que lo cambió por el de su padre, que, "para director de cine, sonaba mucho mejor".​

Nacido en el seno de una familia muy pobre. Herzog creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza, en una granja, alejado del mundo moderno. Según afirma el propio director, no tuvo conocimiento de la existencia del cine hasta los once años, la misma fecha en la que vio por primera vez un coche. A los 17 años hizo su primera llamada telefónica.
A los trece años se trasladó a Múnich para iniciar sus estudios secundarios. Su familia se alojó provisionalmente en una pensión donde, casualmente, se alojaba Klaus Kinski, actor que en un futuro sería clave en su carrera cinematográfica. Kinski no reparó en el joven Herzog de trece años, pero el futuro director sí tuvo desde el principio una imagen del peculiar actor.
 

 
 Fundador del denominado Nuevo cine alemán junto con otros cineastas como Rainer Werner Fassbinder, Herzog ya en sus primeros cortos, como Herakles o Juego en la arena, dejó clara su preferencia por los antihéroes, personajes de singular personalidad enfrentados a un mundo hostil, para los que la lucha por su supervivencia o por defender sus ideas está siempre abocada al fracaso. Sus personajes se rebelan ante lo absurdo de la vida y su lucha contra esta situación les lleva a la locura, la anulación total o la muerte. En realidad, Herzog no distingue nunca sus películas de ficción y sus documentales. En su obra, ambas vertientes se funden formando una sola.
 

En la obra de Herzog se pueden distinguir dos tipos de personajes y temas. Por un lado, personajes megalómanos, rebeldes, supervivientes, a menudo sin escrúpulos, enfrentados a un mundo hostil que les vapulea y que no les perdona su originalidad. Sus empresas e ideas están destinadas al fracaso. Dentro de este apartado se encuentran, por ejemplo, personajes como:

    Lope de Aguirre (protagonista de Aguirre, la cólera de Dios), soldado español que se rebeló contra el rey Felipe II, adentrándose en la selva amazónica en busca de El Dorado.

    Brian Fitzgerald «Fitzcarraldo» (en Fitzcarraldo), el melómano apasionado de la ópera que para montar una representación en medio de la selva es capaz de aventurarse a recolectar caucho para costear su montaje y hacer cruzar su barco de un afluente del Amazonas a otro, subiéndolo por una montaña con ayuda de los indígenas.

    Da Silva (Cobra verde), el tratante de esclavos brasileño establecido en África y que dirige su negocio con mano dura, hasta que distintos enfrentamientos civiles arruinan por completo su próspero negocio, llevándolo a la ruina y a darse cuenta de lo criminal de su actividad.

    El profeta de Corazón de cristal, que al intentar descubrir las propiedades de una misteriosa piedra, lleva a un pueblo a un estado de trance y locura colectivas. Los actores rodaron algunas escenas en estado de hipnosis.

    Hanussen (Invencible), el prestidigitador farsante, sin escrúpulos y manipulador que cree engañar a los nazis para conseguir de ellos establecer un Ministerio de las Ciencias Ocultas hasta que se encuentra con el forzudo judío Zische, representación de la bondad e inocencia, que le lleva a la defenestración absoluta.

    Terence McDonagh (Teniente corrupto), el atormentado, adicto, ludópata y enfermo policía que navega en la noche de una Nueva Orleans recién asolada por el Katrina para esclarecer la muerte de cinco inmigrantes senegaleses. Fue interpretado por Nicolas Cage.

Por otro lado, Herzog retrata también a personajes singulares, como:

    Los enanos (También los enanos empezaron pequeños). Estos enanos maltratados y encerrados en un correccional inician una grotesca rebelión que les lleva a cometer actos de lo más extravagantes.

    Kaspar Hauser
(El enigma de Kaspar Hauser). La película se basa en la historia real de este joven alemán, que apareció un día por las calles de Núremberg en 1828. Había pasado la mayor parte de su vida encerrado en un sótano y se desconocía su origen y el modo en el que un día se liberó o fue liberado. Hauser aprendió en cinco años a leer, escribir poesía, andar correctamente, tocar el piano, conversar y a relacionarse con el mundo con solvencia. Un ser que era una página en blanco trasplantado a un mundo decadente, totalmente desconocido para él. Herzog hace hincapié en cómo Hauser llevó su particularidad con gran dignidad, mientras que la sociedad burguesa, interesada morbosamente en su caso, era la realmente excéntrica y enfermiza. Su singularidad e inocencia no le fueron perdonadas y falleció asesinado. Nunca se esclareció el móvil del asesinato.

    Woyzeck (Woyzeck), el soldado alemán maltratado por sus superiores hasta la locura. Basada en la obra teatral de Büchner, esta cinta es prácticamente teatro filmado.

    Stroszek (Stroszek), el antiguo reo alemán que emigra a Estados Unidos y es devorado por el sueño americano.

    Nosferatu (Nosferatu: Phantom der Nacht). Revisión de la película de F.W. Murnau, Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, el no muerto, cuyo romanticismo decadente e imposible lleva la enfermedad y la muerte al pequeño pueblo donde se instala.

    Zishe Breitbart (Invencible), el inocente y forzudo judío polaco que vive en Berlín justo en el momento en que el nazismo está viviendo su ascensión. Padece visiones y vaticina el Holocausto, lo que le lleva a convencerse de que ha sido elegido por Dios para advertir a su pueblo del grave peligro que se avecina.

La música en las películas de Herzog es como un personaje más. Desde sus primeras películas ha colaborado con el grupo Popol Vuh, agrupación de rock progresivo meditativo de su amigo Florian Fricke (a quien conoció durante sus estudios de cine), que le ha confeccionado las bandas sonoras de Aguirre, Fitzcarraldo y Cobra Verde, entre otras. A veces, incluso el propio Herzog ha compuesto algunas piezas para completar la banda sonora de sus películas. Su vinculación con la música le ha llevado a dirigir óperas. Debutó con Lohengrin, de Richard Wagner, para el Festival de Bayreuth. Afirma que la música es el arte que más fácilmente llega al ser humano.
 

Aunque huye del cinéma verité, Herzog siempre ha buscado efectos visuales reales en sus filmes. Es decir, no hay efectos especiales. El destartalado barco en que Fitzcarraldo sube por una montaña para pasar de un río a otro, fue realmente transportado e izado por un numeroso grupo de indios, tal y como se ve en la película. Herzog afirma que no busca engañar al espectador: lo que ve es lo que hay. En Aguirre hizo caminar a los actores por la selva hasta la extenuación para reflejar el verdadero agotamiento que debieron sufrir los conquistadores españoles en su periplo por la selva y el río.

Las obras de Herzog han recibido grandes elogios de la crítica y le han reportado gran popularidad en los circuitos especializados. Al mismo tiempo ha sido sujeto de controversias referidas a los temas y mensajes tratados en sus obras, especialmente referidos a las circunstancias relativas a su creación. Un ejemplo significativo fue Fitzcarraldo, en la que la obsesión, tema central de la película, fue reproducida por el director durante la filmación. Su tratamiento de los temas también ha sido frecuentemente calificada de wagneriana, quizá porque películas como Fitzcarraldo o su película posterior, Invencible (2001), están directamente inspiradas por la ópera o por temáticas operísticas.

No se puede hablar de la filmografía de Herzog sin comentar su tensa y difícil relación con el actor alemán Klaus Kinski. Con él rodó cinco películas, quizá las más emblemáticas de las carreras de ambos (Aguirre, la cólera de Dios, Woyzeck, Nosferatu: Phantom der Nacht, Fitzcarraldo y Cobra Verde). Herzog plasmó esta relación, que a veces llegó al enfrentamiento físico, en el documental Mi enemigo íntimo. 
Y os preguntaréis el porqué de la ausencia de películas de Herzog en el Cineclub, si tiene una trayectoria tan interesante. Lo cierto es que su mejor obra está situada en los tiempos en que El Gallinero aún no existía, y posteriormente casi todo su cine es documental, de una época también en que apenas se programaban en la Sala Avenida este tipo de opciones fílmicas. No estaría demás, en la sección de clásicos que se está recuperando, proyectar algunas de sus personales apuestas. Apuntaos también: Donde sueñan las verdes hormigas (1984)



PABLO MAQUEDA (Madrid, 1985). Debuta en el largometraje con la comedia Billy Freud´s Last Night ( Todo en una semana, 2005). Interesado en la innovación e internet como medio de expresión, produce y dirige en Inglaterra la webserie Denmark Street (2009), encargo de AOL Londres. En 2012 estrena de manera exclusiva en internet All the women, una experiencia cinematográfica diaria online, 366 videos en torno a la mujer del Siglo XXI, rodado en Tokyo, Nueva York, Paris, Londres y Madrid referenciado por medios nacionales e internacionales como The New York Times, Indiewire, El Pais, Fotogramas, Antena 3 TV o Radio Nacional de España. 

 
 
Desde 2009 a 2012 ha trabajado en la distribuidora cinematográfica Avalon en su equipo de estreno en salas y lanzamientos de DVD/Bluray. A inicios de 2013 crea el manifiesto del modelo de producción cinematográfica #littlesecretfilm, estrenando online Manic Pixie Dream Girl (An Internet Love Story), #littlesecretfilm protagonizado por Rocío León (Diamond Flash, After Party). Actualmente ultima la producción de su nuevo largometraje de ficción, Viva la Sangre, una comedia.
 
APUNTES DEL PROPIO DIRECTOR SOBRE LA PELÍCULA:
 
 

Y me parece a mi
 
La aventura y voluntad del que anda solo

Es conveniente, aunque no imprescindible, investigar algo sobre el personaje central de este documental hagiográfico de Pablo Maqueda, al que se le perdona la entrega absoluta a su mentor; sobre todo si conoces la obra y trayectoria artística y humana del mismo. Werner Herzog, además de referente idolatrado por jóvenes cineastas, posee una cautivadora personalidad e independencia en todos los ámbitos en que se ha visto involucrado a lo largo de su vida aventurera.

La filosofía de caminar siempre hacia adelante, aunque el impulso nazca de la inconsciencia, es la llama que guía al autor en este grito existencial contra el inmovilismo. Un canto visual y poético que reivindica el amor y la instintiva necesidad de andar, libres de ataduras y especulaciones, sabiendo que en el tránsito pedestre encontraremos respuestas a nuestras preguntas. Ningún mal se hace, si la reflexión mejora a los individuos todos salimos ganando.

Vom Gehen im Eis (Del caminar sobre hielo) es la brújula que utiliza el director madrileño (1985) para guiarse en este periplo físico y anímico. Es el diario que el conspicuo alemán, este año cumplirá 79, inició con su peregrinaje desde Munich a París para salvar la vida de la crítica, y cofundadora de la Filmoteca Francesa, Lotte Heisner (1896-1983), autora de La Pantalla Diabólica (1952). Entraba el invierno de 1974 y en palabras del autor: "... El cine alemán no podía prescindir todavía de ella, no debíamos permitir que muriera. Me puse en camino hacia París por la ruta más directa, convencido de que, yendo a pie, ella sobreviviría."

El entusiasmo de P. Maqueda termina por contagiar, como lo hacen las cosas que se cuentan y se sienten a la vez.
Jaht