Hirayama parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de retretes en Tokio. Fuera de su estructurada rutina diaria, disfruta de su pasión por la música y los libros. Le encantan los árboles y les hace fotos. Una serie de encuentros inesperados revelan poco a poco más de su pasado.
¿Quién es quién?
Tras dos excelentes documentales que dejaron indeleble huella en nuestro Cineclub: The Soul of a Man,allá por el 2007; y La Sal de la Tierra, en nuestro año XII; vuelve Win Wenders (Düsseldorf-1945), con una ficción ejemplarizadora que nos posiciona muy cerca de la vida y nos aleja de los cantos de sirena que conducen a nuestro barco hacia los escollos, cuando no directamente a las ineludibles cataratas.
El inquieto alemán, que anda por el centenar de obras, testimoniales en su esencia, y que incluyen todo lo relacionado con la imagen y sonido: videos musicales, documentales, cortos, tv, películas corales...; el guionista, montador, animador de debates...; el padre de clásicos como: Alicia en las ciudades (1974), El amigo americano [1977, basada en la novela de Patricia Highsmith], Paris, Texas (1984), El cielo sobre Berlín (1987), Buena Vista Social Club (1999), Pina (2011) ...; está de nuevo entre nosotros, avanzando al frente de los vanguardistas, de los que siguen innovando, aunque su principal referente siga siendo Yazujiro Ozu. Nos sentimos honrados con su presencia.
REPARTO:Hugh Grant, Lizzy McInnerny, Valentine Pelka, Elizabeth Hurley, José Luis Gómez,Virginia Mataix,Bibiana Fernández, Josep María Pou, Miguel Picazo, José Carlos Rivas, Aitana Sánchez Gijón.
GÉNERO:Drama. Romance. Intriga | Siglo XIX
DURACIÓN:96 Min.
PAÍS:España
SINOPSIS
Dos poetas ingleses, Mary Shelley y Lord Byron, se ven obligados a huir de Inglaterra. Durante el viaje, Mary recuerda cómo conoció en casa de su padre adoptivo al joven y apasionado poeta Shelley, cómo lo amó y cómo se fugó con él. También evoca una cita con Byron en Suiza. Pero, sobre todo, rememora una noche de noviembre de 1816 durante la cual, mientras sus amigos contaban historias de terror, ella daba a luz al legendario monstruo de Frankenstein.
¿Quién es quién?
Director de cine, escritor y guionista. Gonzalo Suárez nace en Oviedo en los albores de la revolución minera de 1934. En el año 1936 la guerra civil le sorprende en Madrid, donde su padre, Gonzalo Suárez Gómez, catedrático de francés, había ido a presidir unos exámenes. Hasta los diez años no va al colegio. Es su padre quien se ocupa de su instrucción. En el 1951 inicia sus estudios de Filosofía y Letras en Madrid, escribe obras de teatro y protagoniza, entre otras, El momento de tu vida de William Saroyan, Medea de Eurípides y La tempestad de Shakespeare. Influenciado por la vida y obra de los impresionistas se dedica con obsesivo entusiasmo a la pintura. Abandona los estudios y marcha a París donde realiza trabajos eventuales.
En 1958 llega con su mujer a Barcelona, donde practica el periodismo con el seudónimo de Martin Girard. A pesar de su creciente éxito, deja el periodismo y publica sus primeros libros, que suponen una ruptura con el naturalismo en boga. Algunos de sus relatos son adaptados al cine y así, en 1966, inicia su obra cinematográfica. A partir de ese momento, alternará ininterrumpidamente libros y películas.
Julio Cortázar dijo de él: "Para alguien que aprecie los juegos sigilosos de una inteligencia irónica, y la marginalidad deliberada allí donde la gran mayoría trabaja a full time, la obra resbaladiza y casi inasible de Suárez dibuja en el panorama español contemporáneo algo análogo a lo que pudo dibujar en Francia la obra de Boris Vian. Cuando se los espera en una pantalla de cine o en un escenario, desaparecen bruscamente para mostrarse detrás de las tapas de un libro o de un solo de trompeta; quienes les habían dado cita en una mesa redonda, comprobarán consternados el hueco de su ausencia a la misma hora en que una ama de casa estupefacta descubrirá que un huésped de amable sonrisa ocupa una silla a la que nadie lo había invitado. De alguna manera cuyo secreto sólo él conoce, Gonzalo Suárez transita desde hace años por los registros más variados de la vida intelectual española, pero esa actitud tránsfuga y casi de fantasma inquieta e incluso enoja a los críticos amantes del orden, los géneros y las etiquetas.
"¿Escritor que hace cine, cineasta que regresa a la Literatura? De cuando en cuando hay mariposas que se niegan a dejarse clavar en el cartón de las bibliografías y los catálogos, de cuando en cuando, también, hay lectores o espectadores que siguen prefiriendo las mariposas vivas a las que duermen su triste sueño en las cajas de cristal".
Algo de su obra cinematográfica:Ditirambo
(1969), La regenta (1974), Parranda (1977), Epílogo (1984), Los pazos
de Ulloa (Serie-1985), Don Juan en los infiernos (1991), El detective y
la muerte (1994), El portero (2000), Oviedo Expréss (2007)
Y me parece a mi
El Cuarteto de la Muerte
Gonzalo Suárez, introduciendo algunas legítimas licencias poéticas, escribe un guión, fundamentalmente, sobre los días en que coincidieron en Suiza, tras sus respectivas espantadas: Lord Byron, Percey Shelley, Mary Shelley y Polidori (médico personal del excéntrico escritor romántico). El ambiente romántico, licencioso y de febril creación envuelve la película; consiguiendo unos diálogos dignos de semejantes monstruos de la literatura.
La exuberante naturaleza que rodea los lagos, los fenómenos meteorológicos y la concentración de talentos consiguen un espectro saturado donde no sólo nacen Frankenstein y El Vampiro, y unas cuantas obras de Byron; también surgen las disputas, los desamores, los celos y las dificultades insalvables que tienen muchos seres dotados de virtudes artísticas, pero enfermos de individualismo, para ponerse de acuerdo.
Filmoteca de Extremadura Programación de cine itinerante por núcleos rurales extremeños en colaboración con CineClub "El Gallinero"
Mamacruz
Jueves 14 de Marzo/2024
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas
DIRECTORA
Patricia Ortega
GUION: Patricia Ortega, José F. Ortuño
MÚSICA: Paloma Peñarrubia
FOTOGRAFÍA: Fran Fernández Pardo
REPARTO: Kiti Mánver, Pepe Quero, Silvia Acosta, Mari Paz Sayago, Inés Benítez ...
GÉNERO: Comedia. Drama | Comedia dramática. Vejez / Madurez. Sexualidad y pornografía
DURACIÓN:84 Min.
PAÍS: España
SINOPSIS
Cruz es una abuela que lleva muchos años, décadas ya, sin saber lo que es un orgasmo. Ella, devota de sus creencias religiosas, no le daba importancia ni tampoco se lo había planteado... hasta que un día navegando por Internet empieza a sentir de nuevo deseos y sensaciones que ya creía extinguidas. Pero, ¿Cómo compaginar su religiosidad con este nuevo despertar sexual y sensual que ha llegado de pronto a su vida?
¿Quién es quién?
Patricia Ortega (Maracaibo, 1977) es una directora de cine venezolana. Ortega estudió en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba, especializándose en dirección de cine. Su primer largometraje, Yo, imposible, cosechó éxitos a nivel local e internacional. La película, protagonizada por la actriz colombiana Lucía Bedoya y estrenada en 2018, ha ganado casi una veintena de premios tras su paso por los festivales internacionales.
María Isabel Ana Mantecón Vernalte (Antequera, Málaga, 11 de mayo 1953), conocida artísticamente como Kity Mánver, es una actriz española. Su trayectoria cinematográfica incluye películas dirigidas por Pedro Almodóvar, José Luis Garci y Álex de la Iglesia. En el cine ha participado, al menos, en 90 filmes. También ha desarrollado una amplia trayectoria en producciones para televisión y en teatro. Es su tercera aparición en el Cineclub, en el que ya estuvo con: A las mujeres de España. María Lejárraga (Laura Hojman) y El Caballero Don Quijote (Manuel Gutiérrez Aragón)
María de la Paz Sayago (Sevilla- 1972), conocida como Mari Paz Sayago, es una actriz española. Se graduó en Arte Dramático por el Centro Andaluz de Teatro (CAT) y completó sus estudios en París en la École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq. La hemos visto muy recientemente en Te estoy amando locamente (Alejandro Marín).
Y me parece a mi
¡Ay Maricruz, Maricruz!
La directora venezolana, Patricia Ortega, se atreve con un tema tabú en la cultura española y no digamos en la latinoamericana, intoxicadas ambas por la influencia religiosa (desde el bautizo), en lo concerniente a todo tipo de sexualidad. El secretismo, la vergüenza, el presunto pecado, el ojo vigilante de Dios, el fuego eterno... Si ya es un problema, el del goce y disfrute sin complejos, para los jóvenes aleccionados por la iglesia (de cualquier doctrina); hay que imaginarse a los auténticos practicantes, de cierta edad, descubriendo parcelas lúdicas que desconocían y que ni siquiera se habían atrevido a imaginar.
Con un tono amable y hasta cómico, al que no le faltan aristas y reivindicación feminista, la realizadora y guionista nos pone en el camino de la sensatez, del amor a nosotros mismos y a nuestros cuerpos; porque es allí donde también nace el amor a los demás. Se nos cuenta en Mamacruz, que hasta en las vidas que parecen más anodinas, el orgasmo es un acto supremo, en soledad o compañía, al que nadie debería renunciar. Son estímulos divinos, a cualquier edad. Si se recomendaran desde los púlpitos, mejorarían el amor al prójimo, la comprensión...; y conseguirían que hasta los más ateos nos planteáramos nuestras creencias.
Soberbios Kiti Mánver, Mari Paz Sagayo y el pobre y criogenizado Eduardo (Pepe Quero).
Parte de un proyecto ternario, presentado en el Museo Vostell y recientemente estrenado en los Cines Embajadores dentro del “III Ciclo Internacional de Cine Íntimo”, el artista extremeño Santi Senso nos trae METRALLA DE AMOR, una pieza donde escucha las historias reales de abuelas y abuelos centenarios llevándolas esta vez al cine en un documental aderezado como es habitual en sus creaciones, de las tradiciones, el folklore, las ceremonias y los ritos de Extremadura.
Una sesión donde el propio artista nos guía a ver desde una diversidad de prismas la intimidad que habita en su película, y tras cuyo visionado nos invita a conversar y compartir junto a las espectadorxs que quieran abrir su intimidad para llegar incluso a resignificarla, darle más planos, matices, espacios, situaciones, la lectura y condiciones que cada persona sienta y desee compartir durante los coloquios.
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"Nos rompieron en pedazos, en migajas y nos enterraron separadas. Pero lo que no supieron es que fuimos, seguimos y seguiremos siendo abono para esta, nuestra amada tierra. Nuestro AMOR es el que sigue amAMANtando a las que están cayendo ahora. Somos agua que emana de las profundidades de nuestros pozos. Somos la sangre de nuestra tierra. Somos el canto del trabajo. Somos historia, vuestra historia. Nunca nos fuimos, ni nos desaparecieron, seguimos aquí en cada regato de VIDA lavando la penas y compartiendo las alegrías. No estéis tristes y sigamos esquivando juntas la metralla, pues nuestro AMOR es el que nos sostiene VIVAS."
“Un pueblo no es pueblo cuando olvida las historias de AMOR”
“Recordar de donde provenimos es abrazar nuestra historia”
A todas aquellas lavanderas que solo descansaban para seguir dando AMOR.
Santi Senso.
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Santi Senso (Cáceres, 1979) es actor, director y dramaturgo. Profesional autodidacta, el cine, las series de tv, los musicales, el teatro clásico y la moda han sido y siguen siendo disciplinas en las cuales hemos podido verle trabajar, pero si algo le caracteriza son sus www.actosintimos.com donde ha conseguido crear un lenguaje fusionando disciplinas como el teatro, la danza, la pintura, la fotografía, la escultura, entre otros lenguajes artísticos.
Actos Intimos es una propuesta artística que parte de un impulso irracional, de un sentimiento o de una emoción visceral.
Fundador y director del Festival Internacional de Teatro Íntimo en Casas Particulares y participa habitualmente en radio, cine, teatro, musicales y televisión.
Profesor en la Central de Cine Madrid con "La Vulnerabilidad del Actor ante la Cámara", ha editado los libros "Actos Intimos" y "PARIR, volver al vientre", dirige una tertulia en el Café Gijón de Madrid y ha representado sus obras en los Estados Unidos, Portugal, Alemania, Uruguay, Bolivia, Chile, Venezuela, Argentina y Colombia, así como en diversos festivales españoles e internacionales como el Festival de Teatro Clásico de Alcalá, el Festival de Teatro Clásico de Cáceres.
REPARTO:Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Kathryn Hunter, Margaret Qualley, Hanna Schygulla, Vicki Pepperdine
GÉNERO:Fantástico. Ciencia ficción. Comedia. Drama | Erótico. Siglo XIX. Realismo mágico
DURACIÓN: 141 Min.
PAÍS:Irlanda
SINOPSIS
Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.
¿Quién es quién?
Sin duda el amigo Yorgos es uno de los directores en nómina del Cineclub, aunque su salto a las grandes cadenas de exhibición nos está haciendo cada vez más difícil el acceso (cuestión de disponibilidad y dinero). Por esta razón ya nos perdimos en su momento La favorita (2028).
Giórgos Lánthimos, nacido en Atenas en 1973, es un director y guionista conocido por su enfoque distintivo en el cine contemporáneo. Su obra, caracterizada por su estilo único y a menudo surrealista, ha dejado una huella significativa en la escena cinematográfica mundial.
Es difícil ignorarle tras haber conocido su estilo innovador y la irónica visión que tiene de la condición humana por eso su paso por El Gallinero es siempre reseñable. Porque quién olvida: Canino (2009), Langosta (2015) o El sacrificio de un ciervo sagrado (2017).
Y me parece a mi
¿Quieres ver cómo es el mundo en realidad?
Un auténtico caleidoscopio de géneros, hasta nueve etiquetas aparecen en la ficha de filmaffinity, y cada espectador podría añadir, sin esforzarse demasiado, un par de ellas más. No hay duda de que el extraño griego también ha aprendido que la taquilla será más apetitosa si incluye sexo, morbo, debate, diversidad, espectacularidad... Tremendo riesgo para alguien que ama la libertad del autor por encima de otras cuestiones. Pero he de reconocer que le funcionó en La Favorita y ha vuelto a ocurrir, para mi gusto, en Pobres criaturas. Ensambla facetas que podían chocar con violencia pero que al final forman parte de un todo; con aparente naturalidad, ayudado por la argamasa de la fantasía y la lupa del surrealismo.
En un rendido y reconocible tributo al personaje de Frankenstein y su autora ( Mary Shelley, Londres 1797-1851), el guionista Tony McNamara, que también lo fue de La favorita (2018), adapta una obra del poeta y artista escocés Alasdair Gray (1934-2019), escrita en 1992, con el título de Poor Things. Repite como fotógrafo Robbie Ryan, que también lo fue en la ya mencionada (The Favourite ), creando esa atmósfera atemporal que fluye de la imaginación, la distorsión y, en este caso el llamado "siglo de la industrialización", el mágico 1919.
Bella, producto del experimental y tragicómico laboratorio del doctor Godwin Baxter, se convertirá en la insuperable obra del aprendiz de Dios. Un ser semilibre, semisalvaje, no intoxicada por cánones patriarcales al uso, curiosa, extrañamente solidaria y ecuánime...; máxime cuando sus puntos de partida son la irracionalidad y el egocentrismo.
spoiler: El resultado será un interesante ejemplar de Eva, autorizada por el máximo hacedor a practicar el libre albedrío, devoradora de experiencias, catalizadora del empoderamiento femenino; verdadero látigo para el patriarcado, que al encontrarse con una mujer sin libro de instrucciones, sufre un desmoronamiento de todos sus principios. Quiero creer que en la irónica mirada, tanto de los que escriben como del realizador, es el hombre esa "pobre criatura", ahora trastornada, que tendrá que reinventarse para alcanzar el nivel igualitario, que traerán ya de serie las nuevas señoras.
Después de la huida del monstruo creado por el doctor Frankenstein (Colin Clavel), el siniestro Dr. Praetorius (Ernest Thesiger) propone al cientifico la creación de una compañera para el monstruo.
¿Quién es quién?
James Whale (Dudley Staffs, 1889 - Los Ángeles, 1957) fue un director de cine inglés. Iniciado en el teatro, en 1930 se mudó a los Estados Unidos, donde destacó en el cine de terror. Whale, abiertamente homosexual, fue un innovador del cine de Hollywood aunque es especialmente conocido por sus películas de terror Frankenstein (1931), The Old Dark House (El caserón de las sombras) (1932) y Bride of Frankenstein (La novia de Frankenstein) (1935).
Tras haber sido el director mejor pagado en Hollywood durante los años 1930, trabajando con estudios como Universal, Warner Bros., Metro-Goldwyn-Mayer y Columbia o fundando su propia productora cinematográfica, en la década de 1940 se retiró del cine.
En su trayectoria obtuvo 4 nominaciones y un único galardón en el Festival de Venecia con The Invisible Man (El hombre invisible) (1933).
En sus últimos días, Whale experimentó una importante pérdida de sus capacidades cerebrales debido a un ataque cerebrovascular, causada por la inhalación de humo en un incendio en su mansión. Se sentía solo y cayó en depresión, obsesionado con la guerra que le había tocado vivir. Se suicidó ahogándose en la piscina de su mansión en mayo de 1957, cuando tenía 67 años.
Su nota de suicidio decía: El futuro está lleno únicamente de dolor y viejos recuerdos... Necesito estar en paz y este es el único modo de lograrlo. También escribió: Mi vida ha sido maravillosa.
William Henry Pratt (Londres, 1887 - Sussex, 1969), conocido como Boris Karloff, fue un actor británico famoso por sus papeles en películas de terror, siendo el más famoso el del monstruo de Frankenstein.
Una vez llegado a Hollywood, California, Karloff participó en numerosas películas mudas, antes de aparecer como el monstruo de Frankenstein en Frankenstein (1931), la película que le convirtió en estrella y que rodó gracias a que Béla Lugosi rechazó el papel. Un año después interpretó a otro personaje icónico, Imhotep, en La momia.
Su altura y el éxito de Frankenstein, le encasillaron en el género de terror (donde realizó numerosas películas para la Universal Pictures), aunque participó en otros géneros como en La patrulla perdida de John Ford en 1934.
Karloff interpretó al monstruo de Frankenstein dos veces más; La novia de Frankenstein (1935) y Son of Frankenstein (1939), con Lugosi como el loco Igor. Precisamente con Lugosi coincidió en otros dos importantes títulos El gato negro (1934) y El cuervo (1935).
Son conocidas las largas sesiones de maquillaje con colodión y algodón a las que tuvo que someterse bajo la dirección del maquillador Jack Pierce, y el incómodo traje y los zapatos de plataforma que le produjeron lesiones en la espalda que arrastraría durante el resto de su vida.
Y me parece a mi
Víctor creó a Frankenstein a su imagen y semejanza
Si algo me ha fascinado siempre de las buenas películas de monstruos es la cercanía que existe entre estos pobres seres, supuestamente incorregibles, y sus víctimas (elegidas o accidentales). Estos engendros, no dejan de ser creaciones desafortunadas, científicas extensiones de nuestros delirios de grandeza, lo que no se ve pero está contenido en la zona negra del espejo. Nadie se parece tanto a estas peligrosas deformidades peregrinas como el ser humano, su artífice.
Para Mary Shelley, la muñidora de estas bestias que nos ocupan, estaba bien claro que eran la personalización de los traumas, los miedos, los fracasos...; la parte más negativa de nuestra conciencia anticipándonos el destino ineludible, que no es otro que la muerte.
El inglés James Whale (1889-1957) ya había estrenado, en 1931, la que en España se tituló: El doctor Frankenstein; con un éxito suficiente para que Universal Pictures le encargue esta secuela que, para muchos, supera a la primera. Vuelven a protagonizar Boris Karloff y Colin Clive, aunque la presencia de Elsa Lanchester (Mary Shelley y la novia) y Ernest Thesiger (Doctor Praetorius), dotan a la obra de una mayor consistencia y diversidad.
Tras ver en esta conclusión de Whale, las consecuencias de intentar burlar la muerte, quedan claras en el imaginario colectivo las razones que, para establecer una venganza justiciera, tenía el más avanzado experimento, del hombre que jugó a ser todopoderoso.
Cuando de niño me encontré con este torpe y perverso hombretón con andrajos me escondí y deseé su desaparición. Hoy ya no le veo tan malvado, es un perdedor más, machacado por la manipulación y el engaño. En fin, el hijo de un dios menor e irresponsable, como otros tantos.
Tras dos excelentes documentales que dejaron indeleble huella en nuestro Cineclub: The Soul of a Man,allá por el 2007; y La Sal de la Tierra, en nuestro año XII; vuelve Win Wenders (Düsseldorf-1945), con una ficción ejemplarizadora que nos posiciona muy cerca de la vida y nos aleja de los cantos de sirena que conducen a nuestro barco hacia los escollos, cuando no directamente a las ineludibles cataratas. 
