Mahin, de 70 años, vive sola en Teherán desde que murió su marido y su hija se mudó a Europa. Desde su independencia, Mahin desafía las expectativas de su entorno conservador. Más aún cuando inesperadamente conoce y empieza una relación amorosa con un taxista llamado Faramarz.
¿Quién es quién?
Maryam Moghaddam ( Teherán-Irán-1969 o 1970), es una actriz, guionista y directora iraní. Se graduó de la Escuela de Artes Escénicas de Gotemburgo , Suecia. Conocida por sus colaboraciones con su esposo Behtash Sanaeeha (Shiraz -Irán-1980). Es célebre por su actuación en Closed Curtain (2013) y Risk of Acid Rain (2015) (que también coescribió), y por coescribir y dirigir Ballad of a White Cow, titulada en nuestro país como El perdón (2020). La colaboración más reciente de la pareja es My Favourite Cake (la película que nos ocupa), que tuvo su estreno mundial el 16 de febrero de 2024 en el 74.º Festival Internacional de Cine de Berlín .
Los directores de 'Mi postre favorito', Behtash Sanaeeha y Maryam Moghaddam, fueron condenados por un tribunal iraní a 14 meses de cárcel con suspensión de la pena por cargos que incluyen la presunta producción de contenido obsceno en su película por aparecer sin pañuelo la protagonista de la película, que se presentó en Berlín 2024, y a cuyo estreno no pudieron acudir. También se les acusó de "propaganda contra el régimen" y otros cargos, alegando que la película se proyectó "ilegalmente" sin los permisos de distribución de las autoridades iraníes.
El tribunal iraní también condenó al productor de 'My Favourite Cake', Gholamreza Mousavi, a la misma pena que a los directores, que también incluye una multa de 400 millones de riales iraníes (8.240 euros). "Queríamos contar la realidad de nuestras vidas, que tiene que ver con esas cosas prohibidas como cantar, bailar, no llevar hiyab en casa, cosa que nadie hace", declaró entonces Moghaddam.
Y me parece a mi
La mejor noche de nuestras vidas
El afán de encasillar cualquier producto del mercado (cine o patatas) lleva implícita la tremenda injusticia de aminorar su esencia existencial. Por ejemplo, si una película como la que hoy tratamos, decimos que pertenece al género de la vejez, estamos obviando otras muchas utilidades: pequeña pieza reivindicativa, tributo a la sencillez, hallazgo de la soledad compartida, espejo de una sociedad maltratada... Nada de lo anterior saldrá a la luz porque el edadismo, que practican las sociedades consumistas, tapará la intención de "perder el tiempo" con algo que se presume triste, dada la antigüedad de sus protagonistas. Este reduccionismo mercantil nos llevaría a concluir, por ejemplo, que Las meninas de Velázquez es un cuadro sobre enanos; y por tanto, solo recomendable a quienes tengan simpatía por estos personajes.
Lo que quiero denunciar con el párrafo anterior es que a una obra como "Mi postre favorito", flaco favor se le hace asignando referencias limitativas. Máxime cuando la sensibilidad que irradia y el profesionalismo de la pareja directora son las notas más destacadas del acto creativo. Sé que es predicar en el desierto, pero siempre habrá un chacal al que pueda interesarle.
Pues bien, esta es una película que habla de temas universales (amor y humor, incomunicación, trabajo...) que terminan por afectar a taxistas de Teherán, a pilotos suecos, mujeres colombianas o pescadores finlandeses; y que deberían verla jóvenes japoneses, viudos parisinos o campesinos senegaleses..., tengan los años que tengan. Para ser sinceros, hay que verla porque merece mucho la pena saber cómo viven otros o cómo les dejan vivir. Empatizaremos con mujeres con hiyab y más con quienes lo aborrecen; con hombres que pueden jubilarse y con quienes no se lo pueden permitir...; y nos daremos cuenta que en el fondo nos parecemos mucho más de lo que estamos dispuestos a admitir.
Y ahora sí es el momento de volver a plantear si el gran nivel de la cinematografía iraní, aunque ya sabemos que su escuela y sus referentes son insignes, tiene que ver con esa feroz represión que les estimula y, a la vez, les inspira temas que aún pareciendo simples tienen detrás o al lado la permanente acusación del secuestro de las libertades.
Keith Kupferer, Dolly De Leon, Katherine Mallen Kupferer ...
GÉNERO
Drama. Comedia | Comedia dramática. Teatro
DURACIÓN
110 Min.
PAÍS
U.S.A.
SINOPSIS
Dan (Keith Kupferer) es un peón de la construcción de mediana edad afligido por una tragedia familiar. Alejado de su abnegada mujer Sharon (Tara Mallen) y su talentosa pero problemática hija Daisy (Katherine Mallen Kupferer), Dan encuentra consuelo y comunidad en una compañía amateur de actores inadaptados. El protagonista se ve obligado a afrontar sus emociones más profundas en una representación de bajo presupuesto de la mayor tragedia de Shakespeare.
¿Quién es quién?
Alex Thompson es un director, productor y guionista de cine norteamericano. Se formó en la DePaul University de Chicago. Dirigió Saint Frances (2019), que ganó el Premio del Público y el Premio Especial del Jurado en el SXSW Film Festival 2019.
También ha producido y codirigido Ghostlight, que abrió el Festival de Cine de Sundance 2024, junto a su pareja Kelly O'Sullivan, que escribió los dos guiones. En España se estrenó el 28 de marzo de 2025.
Kelly O'Sullivan (nacida en 1983/1984) es una actriz, guionista y productora estadounidense.
O'Sullivan nació y creció en Little Rock, Arkansas, de madre contadora y padre que trabajaba en seguros médicos. Se crio como católica irlandesa y asistió a la escuela de la Inmaculada Concepción hasta el octavo grado.
O'Sullivan siempre quiso ser actriz y, apoyada por sus padres cinéfilos, actuó en obras de teatro infantiles locales desde los cinco años. Inspirada por Greta Gerwig, quien dirigió Lady Bird, O'Sullivan escribió Saint Frances basándose en las experiencias que tuvo mientras trabajaba como niñera para apoyar su difícil carrera como actriz cuando tenía 20 años y un aborto que tuvo cuando tenía poco más de 30 años. Comenzó a trabajar en el guion en enero de 2018, y ya tenía la intención de que la película fuera dirigida por su pareja Alex Thompson. Escribió los papeles de las madres lesbianas en la película para Lily Mojekwu y Charin Alvarez.
Austria, siglo XVIII. Pueblos rodeados de profundos bosques. En lo alto de una colina, una mujer ha sido ejecutada y expuesta a la vista de todos tras matar a un bebé. Como prueba. Como advertencia. ¿Como un presagio? Agnes, profundamente religiosa y muy sensible, se casa con su amado Wolf y se prepara cándidamente para una vida de esposa. Poco después, su cabeza y su corazón empiezan a sentirse pesados. Día tras día, se ve cada vez más atrapada en un camino turbio y solitario que la conducen a los malos pensamientos. Quizá... no sólo pensamientos.
¿Quién es quién?
Veronika Franz (nacida en 1965) y Severin Fiala (nacido en 1985) son un dúo de cineastas austríacos. Franz es pareja del director Ulrich Seidl y Fiala es sobrino del cineasta.
Franz, ex periodista de cine, comenzó su carrera cinematográfica coescribiendo con Seidl. Veronika y Severin comenzaron su asociación creativa escribiendo y dirigiendo Kern (2012), un documental sobre el actor Peter Kern. Luego ganaron reconocimiento internacional por su debut en largometrajes, la película de terror psicológico en alemán Goodnight Mommy (2014), que fue seleccionada como la entrada austriaca a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 88.ª edición de los Premios Óscar.
En 2019 escribieron y dirigieron, bajo bandera inglesa, Lodge (La cabaña siniestra).
Y me parece a mi
La religión como parte del problema
Las razones por las que las personas pasan de estar entre nubes de algodón (alegría) a caer en los pozos más profundos y hediondos (depresión), aunque tienen también componentes circunstanciales, son motivaciones alejadas del simple entendimiento humano, aún en nuestros días, doscientos cincuenta años después de que Agnes se viera inmersa sorpresivamente en el terrible baño del diablo.
En el siglo XVIII, en algún lugar de Austria, entre bosques y oscuras aldehuelas los seres humanos intentaban encontrar el unicornio, que algunos decían haber visto, de la felicidad. Y se agarraban, como tabla de salvación, a lo que sus instintos, sus tradiciones, su cortedad empírica y las tediosas e incongruentes recomendaciones eclesiásticas les señalaban. Escaso bagaje para tan duro camino.
Que sepáis que el período en el que transcurre la historia cierta de esta víctima propiciatoria, coincide con el final de la Edad Moderna, que va desde el llamado Descubrimiento a la Revolución Francesa; eso lo señalo para que tomen nota quienes consideran lo moderno como sinónimo de progreso y mayor bienestar. Pues bien, al margen de otras cuestiones siempre impregnadas por el dogmatismo de las diferentes sectas de engañabobos (iglesias); como podrían ser la homosexualidad (que en el relato aparece muy tímidamente), el miedo atroz a la muerte sin confesión o sentirse diferente al resto de la piara...; nuestros bichos raros, los más sensibles, cualquiera que se atreviera a cuestionar algunos preceptos, estaban condenados a la incomprensión y soledades más profundas.
En ese estadio se hallaba nuestra recién casada (casta y pura muy a su pesar) que llega a la conclusión de que se acabó el líquido del pozo de las ilusiones. De que solo en el más allá encontrará alivio, pero necesitará hacer las cosas bien para obtener confesión y tierra cristianizada.
cómo asomarse a la vida queer más allá de lo urbano
una experiencia de co-creación y colaboración entre agentes culturales extremeños dentro del programa Experimental Adiccine en torno a las realidades LGTBIQA+ con la proyección de
Woman of...
jueves 7 de Noviembre 2024
Sala Avenida - Jaraíz
20:30 hrs
“Un deseo a voces”🕯es una actividad de mediación cultural diseñada por la Plataforma BajoTeja y Leyre Ruiz @leyreruizdealegria para ADICINE en el marco del Festival FanCineQueer 2025 en Jaraíz de la Vera. La actividad se desarrollará a partir de la proyección de la película polaca “Woman Of…”, dirigida por Małgorzata Szumowska y Michał Englert, que nos narra la historia de una mujer trans en una pequeña ciudad polaca.
En esta actividad, te invitamos a participar de tu propia fiesta de cumpleaños para pensar en colectivo sobre la identidad, las políticas de la transparencia, las vidas de las comunidades lgtbiqa+, las ruralidades cuir y los deseos. ¿Qué implica vivir nuestros deseos en secreto? ¿De dónde viene la idea de que decir un deseo en voz alta hará que no se cumpla? ¿Cuál es nuestro derecho a la opacidad? Estas y muchas otras preguntas nos acompañarán durante nuestro encuentro en el que poner en valor el cine como lugar de celebración e intercambio. 🎂🎂🎂
📆 El próximo jueves 7 de noviembre te invitamos a soplar las velas
a las 20:30h en el📍Cine Avenida de Jaraíz de la Vera
Actividad enmarcada en el programa
EXPERIMENTAL ADICCINE dentro del proyecto ADICCINE
El viaje de Adrzej hasta llegar a ser Aniela, aunque culmina en los inicios de la última década del siglo XX, se inicia realmente cuando en su desarrollo sexual advierte que piensa como una mujer, las admira, envidia sus vestidos y tiene poco, o nada, en común con el carácter masculino. Consigue zafarse del ejército y se casa por amor con una muchacha que le adora. Con el tiempo será consciente de que a pesar de ser un buen marido y un buen padre, está traicionando su verdadera identidad al no poder vivirla con plenitud.
Entre recuerdos y realidades la historia registra 45 años que abarcan la transición política de Polonia, pasando del comunismo al capitalismo; y la metamorfosis del protagonista.
El tacto y la sensibilidad con que Małgorzata Szumowska y Michał Englert abordan una cuestión tan delicada convierten el tema, en general abrupto y espinoso, en un ejercicio de empatía absoluto con todas las personas que sufren injustamente una situación tan compleja para ellas; y tan poco lesiva para el resto de la sociedad que, paradójicamente, reacciona en plan víctima apaleada.
Woman of..., es la típica película que por sus valores didácticos debería mostrarse en los colegios; para que los jóvenes abandonaran todos los prejuicios, tuvieran conceptos educacionales certeros y trasladaran a sus mayores conciencia humanística. Porque el problema lo padece solo el colectivo trans, y a estas alturas de la historia no se entienden las insolidarias reticencias de una mayoría, nada despreciable, de juristas, políticos y otras gentes que enarbolan la bandera de la intransigencia. No debería haber debate, al menos en sociedades como la española donde los tratamientos hormonales para personas trans están cubiertos por la Seguridad Social y se cuenta con una avanzada protección (Ley Trans 4/2023).
Adrzej vive con su familia en una pequeña ciudad de Polonia. Se esfuerza por ser un buen padre y marido, pero se siente cada vez más incómodo en un cuerpo que no refleja su verdadera identidad. En un momento en que Polonia vive su transición del comunismo al capitalismo, la película acompaña a Aniela Wesoly en su viaje en busca de la libertad personal como mujer trans.
¿Quién es quién?
Małgorzata Szumowska (Cracovia-1973) es una directora de cine, guionista y productora polaca.
En 2001 se convirtió en miembro de la Academia de Cine Europeo. En 2015 ganó el premio de Oso de Plata por el mejor director en Festival Internacional de Cine de Berlín y el Gran Premio del León de Oro del 40.º Festival de Cine de Gdynia por su película Body/Cialo. El 7 de marzo de 2016 se le concedió el Premio Polaco de Cine por la dirección de la película Body/Cialo, en diciembre del mismo año ganó el Premio del Cine Europeo en la categoría Premio del Público por la misma película.
En 2018, estrenó Mug, película por la que recibió el Gran Premio del Jurado en la 68.ª edición del Festival Internacional de Berlín. Esta obra pasó por nuestro Cineclub en la primavera del 2019.
Alguna otra de sus películas, además de las citadas: Happy man, Ono, 33 Scenes from life, Ellas, Amarás al prójimo, The Other Lamb, Nunca volverá a nevar, Tormenta infinita.
Michał Englert (Varsovia- 1975) es un director de fotografía, director de cine y guionista polaco de Varsovia. Como director de fotografía ha firmado más de treinta trabajos, gran parte de ellos colaborando en los proyectos de Malgorzata Szumowska, con la que estuvo casado y con quien ha seguido compartiendo relaciones profesionales, que incluyen guiones y un par de codirecciones.
Por aportar algún dato más decir que fue el responsable de las imágenes en la película de animación de Ari Folman: El Congreso, que pasó por El Gallinero, hace justo diez años.
Y no podríamos dejar sin reseñar la aparición de Joanna Kulig (Krynica-Zdrój-Polonia-1982). Ganadora en 2018 del premio a la mejor actriz en los 31.º Premios del Cine Europeo por su interpretación en Cold War, que junto a Ida (donde interpreta a una cantante), ambas obras de Pawel Pawlikowski,están sin duda entre las mejores que han pasado por nuestro Cineclub.
Por cierto, el cine polaco nunca nos dejó indiferentesy esta es la 8ª película que proyectamos, con menciones también para Katyn, Papusza, Loving Vincent y Eo.
Marcelo (Marcelo Subiotto), un hombre de unos 50 años, ha dedicado su vida a la enseñanza de Filosofía en la Facultad de Filosofía y Letras. Cuando su jefe de Cátedra, mentor y compañero de aventuras del pensamiento muere inesperadamente, Marcelo asume que heredará la titularidad de la Cátedra que ha quedado vacante. Lo que no imagina es que Rafael Sujarchuk (Leonardo Sbaraglia), un brillante y seductor colega, regresará desde Alemania para disputar el puesto vacante. Comienza entonces una batalla sin cuartel entre dos profesores extremadamente opuestos en sus estilos y pedagogías.
¿Quién es quién?
María Alché (nacida María Alchéa en Buenos Aires-1983) es una actriz, directora, guionista, productora y fotógrafa argentina.
En su trayectoria como actriz se destacan La niña santa, Tratame bien y Me casé con un boludo.
En 2018 estrenó su primer largometraje, una coproducción entre Argentina, Brasil, Alemania y Noruega, Familia sumergida.
Benjamín Naishtat (Buenos Aires, 1986) es un director de cine y guionista argentino.
Dirigió los cortometrajes Estamos bien (2008) y El juego (2010), exhibidos en festivales internacionales como la Cinéfondation del Festival de Cannes, Rotterdam o IndieLisboa, entre otros. En 2011, realizó la vídeoinstalación Historia del mal, que recorrió distintas galerías y museos en Latinoamérica y Europa. Historia del miedo fue su primer largometraje, que estrenó en la Competencia de Berlin en 2014 y ganó premios en Jeonju, San Francisco y Wroclaw New Horizons.
Leonardo Máximo Sbaraglia (Buenos Aires, 30 de junio de 1970) es un actor argentino. Debutó como actor en la película La Noche de los Lápices en 1986, y es conocido por sus trabajos en la cinematografía y televisión argentina y española. Durante su extensa trayectoria, ha recibido varios premios por su labor. Es uno de los actores argentinos que han trabajado en Hollywood.
Entre sus películas más destacadas se encuentran Tango feroz: la leyenda de Tanguito, Caballos salvajes, Besos en la frente, Plata quemada, Intacto, Salvador (Puig Antich), Diario de una ninfómana, Las viudas de los jueves, Red Lights, Aire libre y Relatos salvajes, entre otras. En nuestro Cineclub estuvo con la película de Cesc Gay: Una pistola en cada mano
GUION: Paula Labordeta, Gaizka Urresti, Ángela Labordeta, Miguel Mena
MÚSICA:José Antonio Labordeta
FOTOGRAFÍA:José Carlos Ruiz Cantarero
GÉNERO: Documental | Biográfico. Política
DURACIÓN:94 Min.
PAÍS:España
SINOPSIS
Septiembre de 2010. Más de 50.000 personas despiden en el palacio de la
Aljafería a Labordeta. Profesor de instituto, poeta, escritor,
ensayista, comunicador, político, cantautor, es un hombre que desborda a
la persona para convertirse en una leyenda que encarna la voz de los
desfavorecidos, de las minorías, de la España vaciada. Doce años después
de su pérdida, conocemos también a José Antonio, el “abuelo”, padre y
esposo a través de su mujer, sus hijas y sus nietas. Sus recuerdos y un
diario personal nunca antes leído nos desvela su lado más íntimo y
personal, el de un hombre sin más.
Vuelve José Antonio Labordeta a la Sala Avenida de Jaraíz de la Vera. El que suscribe le recuerda hace más de treinta años, contratado por el Ayuntamiento; desgranando sobre el escenario, entre anécdotas y puntualizaciones, cada uno de los temas de aquella gira del profesor metido a cantante, que después se dedicó también a la política. Poco antes había estado por la zona con su programa televisivo: Un país en la mochila, donde pudo ampliar sus conocimientos sobre el "guijeño" Viriato (180 a. C.-139 a. C.), de boca de un ilustre paisano que le contó con lujo de detalles aspectos sobre la mocedad y muerte del guerrillero luso. Así disfrutamos de la exclusiva de que cursó estudios militares en la Academia de Toledo, hasta teniente; y de como Audax, Ditalkón y Minuro ofrecieron, por dinero, la cabeza del resistente revolucionario al general romano, escondida en una bolsa de plástico.
También es bueno saber que José Antonio Labordeta Subías (Zaragoza-1935- Zaragoza-2010), como miembro de Chunta Aragonesista (CHA), fue elegido diputado por Zaragoza en 2000, y fue el representante de este partido aragonesista en el Congreso de los Diputados desde el año 2000 hasta el 2008. Fue afiliado del sindicato Comisiones Obreras desde 1977.
Acérrimo defensor del «no a la guerra» y contrario al trasvase del Ebro, fue un arduo defensor de los intereses de Aragón y los aragoneses y marcó una nota diferente en el hemiciclo. En un par de ocasiones llegó a un enfrentamiento verbal con algunos diputados del Partido Popular. En uno de ellos espetó su famosa frase «a la mierda». Él mismo decía que esta sería la frase que le pondrían como epitafio en su lápida, y explicaba que surgió debido a que había sido un día muy duro discutiendo sobre la guerra de Irak y le increpaban con frases del tipo «vete con la mochila a Teruel», y en el momento en el que alguien le dijo «qué me dices cantautor de las narices» no aguantó más y dijo la frase porque no le dejaban hablar.
Su faceta como escritor siempre se vio en un segundo plano debido a que era más conocido como cantautor y diputado. Sin embargo, siguiendo el ejemplo familiar de su padre (un catedrático de latín muy aficionado a la poesía clásica antigua) y de su hermano Miguel Labordeta, una de las figuras más señeras de la poesía española de posguerra, su actividad poética fue primordial en su vida. En este sentido declaró que su auténtica profesión era la de escritor y sus canciones no eran sino poemas musicados. De todos modos, en su poesía se muestra una voz más íntima, meditativa y existencial que en sus canciones, más combativas y sociales.
Gaizka Urresti (Bilbao-1967) es un guionista, director y productor de cine español. Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad del País Vasco, es también profesor tanto de televisión como de cine. Ha dirigido entre otras realizaciones, el documental Un Dios que ya no ampara, que fue finalista de los premios Goya 2011 y resultó premiado en el Festival de Cine de Fuentes de Ebro, el Festival de Cine Documental de Jaén y la Semana de Cine Español de Carabanchel. El cortometraje Abstenerse agencias fue ganador del Goya al mejor cortometraje de ficción de 2013.
Para Paula Labordeta, hija del aragonés que extrañamos, "era una persona buena en el amplio sentido de la palabra, pero lo que hemos intentado con la película es que la gente conozca no tanto al personaje, sino a la persona. Para entender en qué momento escribe el Canto a la libertad o por qué canta sus canciones, o por qué mandó a la mierda a la mitad de los diputados en el Congreso, hay que entender al hombre: un hombre que siempre estaba con la poesía, con la canción. Un hombre frágil… Para conocer todo el personaje, hay que conocer primero a la persona, y esa ha sido nuestra intención, que a través de esta película conociéramos a la persona y así conocer mucho mejor a Labordeta"
REPARTO: Carmina Martínez, José Acosta, Natalia Reyes, Jhon Narváez, Greider Meza, José Vicente Cote, Juan Bautista Martínez
GÉNERO: Drama | Drogas. Mafia. Familia. Años 60. Años 70
DURACIÓN: 125 Min.
PAÍS: Colombia
SINOPSIS
Basada en una historia real que explica el origen del narcotráfico en
Colombia, la película se sitúa en los años 70 cuando la juventud
norteamericana abraza la cultura hippie y con ella a la marihuana. Esto
provoca que los agricultores de la zona se conviertan en “empresarios” a
un ritmo veloz. En el desierto de Guajira, una familia indígena Wayuu
se ve obligada a asumir un papel de liderazgo en esta nueva empresa. La
riqueza y el poder se combinan con una guerra fratricida que pondrá en
grave peligro a su familia, a sus vidas y a sus tradiciones ancestrales.
¿Quién es quién?
Ciro Alfonso Guerra (Río de Oro, Cesar, 6 de febrero de 1981) es un cineasta colombiano más conocido desde su película El abrazo de la serpiente (2015), nominada al Óscar como mejor película extranjera (2016). Cursó estudios de Cine y Televisión en la Universidad Nacional de Colombia. Fue invitado a más de 60 festivales de cine de todo el mundo (incluyendo Cannes, Tribeca, Seúl, Bangkok, Seattle, Río de Janeiro y Guadalajara), ganador además de 15 premios y menciones en festivales como San Sebastián, Toulouse, Trieste, Mar del Plata, Varsovia, Austin, Quito, Santiago de Chile, Cartagena y La Habana. Entre sus trabajos como director, destacan también: La sombra del caminante (2004) y Los viajes del viento (2009).
Cristina Gallego nació en Bogotá, D.C. en 1978 en una familia de clase trabajadora. Sus padres son de origen campesino que emigraron a la ciudad en busca de oportunidades para estudiar y construyeron una familia en el cual ella es la menor de diez hermanos.
En el año 1999, Cristina Gallego cursó estudios de Publicidad y Mercadeo en el Politécnico Grancolombiano, y posteriormente se graduó, en el año 2003, en la Universidad Nacional de Colombia donde estudió el programa de Cine y Televisión. Desde entonces hasta el año 2007 trabajó como productora de televisión educativa y cultural en la misma institución en el proyecto "Canal Universitario Va". En el ambiente académico también se ha desempeñado como docente en la Universidad del Magdalena entre los años 2008 y 2011.
En 1998 fundó la compañía productora de cine "Ciudad Lunar Producciones" junto a su esposo, el director Ciro Guerra. A través de esta compañía han desarrollado la mayoría de sus productos más reconocidos.
Pájaros de verano fue vista por 70 espectadores que la puntuaron con una nota media de: 8,40
Estaba pasando
El PSOE elige a Miquel Iceta para presidir el Senado
Iceta compatibilizará el Parlament y el Senado ante la "incertidumbre" en Catalunya
Almodóvar, sobre su colegio de curas:
"Al menos 20 niños que fueron acosados y lo intentaron conmigo"
Los vascos apuestan por un pacto PSOE-Unidas Podemos para formar Gobierno
Iglesias y Sánchez empiezan la negociación para la legislatura
Irán anuncia que volverá a enriquecer uranio si en 60 días EEUU no levanta las sanciones
Las sanciones de EEUU llevan alborde de la pobreza a la nación iraní
FOTOGRAFÍA: Roberto De Angelis,Claire Duguet,Julia Fabry,Nicolas Guicheteau,Romain Le Bonniec,Raphaël Minnesota,Valentin Vignet
REPARTO: Jean-Luc Godard, Jean René, Laurent Levesque, Agnès Varda
GÉNERO: Documental
DURACIÓN: 90 Min.
PAÍS: Francia
SINOPSIS
Agnès eligió el cine. JR, la fotografía. Juntos se unen en un viaje extraordinario y sorprendente por los pueblos de Francia basado en el azar y la creatividad. En una furgoneta mágica que imprime fotografías de gran formato, ambos experimentan el contacto con la gente y forjan una amistad basada en sus diferencias y su sentido del humor. Veteranía y juventud en un recorrido humano e inolvidable.
La mayor ovación en el Festival de Cannes fue para el nuevo documental de Agnès Varda ("Los espigadores y la espigadora"), quien a sus casi 90 años mantiene intacta su energía. Premio Donostia a Agnès Varda en el Festival de San Sebastián. Oscar honorífico a Agnès Varda por toda su carrera. Una película única, vitalista, fresca y muy personal.
¿Quién es quién? Agnès Varda (Bruselas 1928) nació con el nombre de Arlette Varda. Su padre pertenecía a una familia de refugiados griegos de Asia Menor y su madre era francesa. Estudió Historia del Arte en la École du Louvre antes de conseguir un trabajo como fotógrafa oficial del Teatro Nacional Popular o Théâtre National Populaire (TNP) de París. Le gustaba la fotografía, pero estaba más interesada en el cine. Después de pasar unos días grabando la pequeña ciudad pesquera francesa de Sète, en el barrio «La Pointe Courte», para un amigo con una enfermedad terminal que no podría visitarla por sí solo, Varda decidió hacer una película. De este modo aparece en 1954 su primera película, La Pointe Courte, que narraba la historia de una triste pareja y su relación en la pequeña ciudad. La película es la precursora estilística de la Nouvelle vague francesa.
Varda es pionera en la apertura de la dirección cinematográfica a las mujeres. "Sugerí a las mujeres que estudiasen cine. Les dije: Salid de las cocinas, de vuestras casas, haceos con las herramientas para hacer películas".
Más tarde se la encuadrará definitivamente en este género, asemejándosela así a autores como Chris Marker, Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol y Henri Colpi. Este grupo estaba fuertemente ligado al Nouveau roman, estilo literario que estaba posicionado políticamente en la izquierda.
OBRA:
Ha dirigido una cuarentena de piezas entre cortometrajes, documentales y largos de ficción. Su formación previa en fotografía le permite captar los pequeños detalles de la realidad que la circunda. La combinación de la textura documental con un desarrollo narrativo (tan utilizado en el cine realista actual) puede ser el rasgo más característico de su extensa obra, lo mismo que la irrupción de la subjetividad del autor (por medio de la voz en off, de la presencia física, del metalenguaje) en el universo objetivo que se retrata señala el crítico Sergio Fernández Piniña.
Su primera película fue La pointe courte, donde se observa la influencia de Rosellini sus primeras obras reflejan el impacto del cine francés de la Nueva Ola destacando Cleo de 5 a 7 (1961)
La segunda fase de su obra se sitúa a partir del Mayo del 68 contagiada según la crítica del espíritu optimista de la época. La felicidad (1965), Las criaturas (1966), Lion´s Love (1969), cuestionan la rigidez de la sociedad burguesa. Destaca Una canta, otra no (1977), con un estilo jovial transformando las luchas feministas en una danza de colores kitsch.
Uno de sus trabajos más destacados fue Sin techo ni ley (1985), protagonizado por Sandrine Bonnaire, dando vida a una vagabunda que sobrevive sometida al azar. En la película cohabitaron actores y personas del lugar, siendo el germen de toda una corriente de cine realista contemporáneo, encabezado por los hermanos Dardenne y Ken Loach. Black panthers (1968), Daguerréotypes (1975), Murs, murs (1980), Jane B. par Agnès V. (1987), Cinévardaphoto (2004), por no hablar de Los espigadores y la espigadora (2000) y su secuela Dos años después (2002), están consideradas por la crítica pequeñas obras maestras del género y testimonios históricos y del paso del tiempo.
La película que hoy os presentamos, junto a J.R. logró financiarse a través de un crowdfunding y el apoyo de su hija que buscó financiación en el MoMA que compró una copia para su fondo archivístico antes de que empezase el rodaje y la Fundación Cartier.
Jean René, más conocido por su pseudónimo JR (París, 22 de febrero de 1983) es un artista callejero y fotógrafo francés, también es conocido como el «fotógrafo clandestino». Toma fotografías en blanco y negro que después de ampliadas son pegadas en grandes muros en la ciudad a la vista de todos, ya que el mismo dijo que «la calle era la galería más grande del mundo».
JR comenzó su carrera realizando grafiti en las calles de París, siendo apenas un adolescente. Luego de encontrarse accidentalmente una cámara en el metro, él y sus amigos comenzaron a documentar su proceso en la realización de estos grafitis, y a la edad de 17 años comenzó a pegar copias de estas fotografías en las paredes de la ciudad.
Entre 2004 y 2006 creó Retratos de una generación, retratos de gente joven de los proyectos de París que exhibió en gran formato, este proyecto pasó de ser ilegal a ser oficial cuando la Ciudad de París puso estas imágenes en sus edificios.
En 2007 JR puso enormes fotos de israelíes y palestinos cara a cara en 8 diferentes ciudades, tanto palestinas como israelíes en ambos lados de la barrera de separación, antes de su regreso a París puso estos retratos en la capital, con este proyecto JR declaró que «los héroes de este proyecto, fueron quienes en ambos lados de la barrera me permitieron pegar los retratos en sus casas».
En 2008 realizó la gira Women Are Heroes proyecto en el que resalta la dignidad de la mujer que usualmente es blanco durante los conflictos.
Habiendo comenzado en las calles de París, JR ha alcanzado gran
reconocimiento. En 2011 obtuvo el premio TED que también han obtenido
importantes figuras como Bono, vocalista de la banda U2, y Bill Clinton.
El trabajo de JR es conocido en diversas ciudades del mundo donde incluso ha realizado grandes exposiciones, pero sigue permaneciendo anónimo ya que no enmarca sus enormes trabajos pues desea dejar espacio para el encuentro entre el protagonista y el intérprete en sus obras.
Y un reconocimiento también al invisible, pero siempre presente, personaje que encabeza el reparto de este documento/ficción: Jean-Luc Godard (París, 3 de diciembre de 1930) es un director de cine franco-suizo. Cultiva un cine creador, vanguardista, pero accesible en su conjunto. Es experimental respecto al montaje considerado clásico. Es uno de los miembros más influyentes de la nouvelle vague, a la vez caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes.
Nosotros tuvimos el honor de contar con él en el inicio de nuestra segunda centena, allá por Febrero del 2010, cuando proyectamos una de las obras que han marcado la historia del cine: A bout de souffle (Al final de la escapada), su primer largometraje, que comenzó su rodaje en el verano de 1959, sobre un guion de François Truffaut, —de quien fue por esos años muy amigo— y con la colaboración de Claude Chabrol. La película, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, supuso una revolución en la manera de filmar al utilizar técnicas hasta entonces poco ortodoxas, como rodar cámara en mano, utilizar el estilo documental o saltar de un plano a otro.
Y me parece a mi
Mírame, aunque sea con tus ojos ciegos
Un buen día, una señora inquieta y curiosa
se encuentra con un chico inventivo, cincuenta y cuatro años más joven,
y deciden irse a dar una vuelta por campos, aldeas, antiguas minas,
playas y puertos. Ella es cineasta, un referente vivo, anterior incluso a
la nouvelle vague; él, que nació artísticamente en las calles de París
de la mano del grafiti, se dedica ahora a la fotografía de proporciones
gigantescas.
Les une el afán de la aventura y la necesidad de conocer gentes y nuevas
historias que contar. J.R. dispone de una impresora rodante y un grupo
de amigos colaboradores. Agnès viaja con una gran mochila de recuerdos y
la cercana e invisible presencia de un ser huraño y admirado, de
nombre: Jean Luc Godard.
Más que un documental al uso, Caras y lugares (Visages villages), es la
excusa perfecta para compartir, conversar, descubrir; mantener encendida
la llama de la ilusión y repletas las alforjas del imaginario; y, sobre
todo para cimentar la amistad, incluso la que duele, como razón de
vida.
Emocionan la mirada borrosa de la incansable luchadora y el afecto
contagioso que la dispensa el hombre diligente de las gafas oscuras.
Hay en la película un aire limpio y bondadoso que aventan las manos de
los creadores; que brota de la sencillez del proyecto y la improvisación
como herramienta de los talentosos. Y como suele suceder, cuando no se
pretende la trascendencia, se consigue un excelente resultado
(acentuando la pequeñez, apareció la grandeza).
No me resisto a señalar el paralelismo que hay entre esta singular
pareja (Varda y Jean René) con los personajes de un film, que recomiendo
con fervor, de Hal Ashby: Harold y Maude (1971). Aquellos y estos
terminan convirtiéndose en seres rebeldes y entrañables; de esos, imprescindibles,
que van desparramando fragancias a su paso, y te hacen creer en que no
todo está perdido.
Jaht
Caras y lugares, fue vista por 57 espectadores
La nota media, según puntuación de nuestros seguidores, fue: 9
.png)
%202.jpg)
%204.jpg)
