Película 794 # Año XXIII

 Todo Lo Que Fuimos

(Allly baqi mink)

Jueves 4 de Junio/2026

Sala Avenida/Jaraíz

21:00 Horas

 

DIRECTORA

Cherien Dabis

GUION

Cherien Dabis

MÚSICA

Amin Bouhafa

FOTOGRAFÍA

Christopher Aoun

REPARTO

Cherien Dabis, Saleh Bakri, Mohammed Bakri, Adam Bakri, Maria Zreik, Hayat Abu Samra ...

GÉNERO

     Drama | Conflicto árabe-israelí. Familia. Adolescencia 

DURACIÓN

145 Min.

PAÍS

Palestina

SINOPSIS

Durante una protesta en Cisjordania, un adolescente palestino se ve implicado en un conflicto que sacude la vida de toda su familia. Conmocionada, su madre Hanan narra la historia familiar que abarca tres generaciones durante 70 años, a través de las tensiones políticas y emocionales que les condujeron a tan fatídico momento.

 

 

¿Quién es quién?

Cherien Dabis (Omaha, Nebraska, 1976) es una actriz, directora de cine, productora y guionista palestino-estadounidense. Fue nombrada una de las 10 directoras a seguir por la revista Variety en 2009 y en 2010 recibió una beca United States Artists (USA). En 2022 fue nominada a un premio Emmy en la categoría de dirección destacada en una serie de comedia por su trabajo en la serie de televisión Only Murders in the Building. En marzo de 2022 Dabis fue nombrada Laureada a la Excelencia Cultural por la Fundación Takreem por su trabajo en la representación auténticamente árabe en Hollywood.

Creció en el pequeño pueblo de Celina, Ohio,y pasó muchos veranos en Jordania. A los 8 años, Dabis visitó Palestina por primera vez. Ella y su familia fueron retenidos en la frontera israelí durante 12 horas, y la desnudaron y la registraron junto con sus hermanas. Este incidente le haría comprender "lo que significaba ser palestina". No regresaría a Palestina hasta 20 años después. 

Se identifica como musulmana.sus películas abordan temas como la inmigración, la discriminación, la asimilación cultural y la familia. Sus dos primeros largometrajes se complementan y, como dice Dabis, ambos «completan un díptico». Amreeka trataba sobre ser árabe en Estados Unidos y May in the Summer sobre ser estadounidense en Oriente Medio. Ambas películas representan la fusión, y a menudo el choque, de dos mundos separados.

Saleh Bakri (en árabe: صالح بكري‎, en hebreo: סאלח בכרי‎; Jaffa-1977) es un actor palestino nacido en Jaffa y criado en Bi'ina (Israel). Saleh es hijo del también actor y director palestino Mohammad Bakri, y hermano de los actores Ziad y Adam Bakri.

 Comenzó su carrera en el teatro, pero ha realizado numerosas incursiones en el cine. En 1997, con tan solo 20 años, se enroló en un curso de interpretación en Tel Aviv. Una de las primeras obras de teatro en las que participó fue La Muerte y la Doncella, dirigida por Juliano Mer-Khamis, y también interpretó Hamlet en árabe en las calles de Haifa. Desde sus inicios, Saleh se ha negado a participar en cualquier película que reciba fondos de las instituciones oficiales israelíes. Aunque vivió durante seis meses en Francia y otros cinco meses en Italia, actualmente reside en Haifa.

Es la tercera visita de Saleh Bakri a nuestro Cineclub. Ya estuvo con: Invitación de boda (Annemarie Jacir) y El caftán azul (Maryam Touzani)

 

Mohammad Bakri (árabe: محمد بكري ; hebreo: מוחמד בכרי; Bi'ina, Galilea,Israel 1953 - Nahariya, 24 de diciembre de 2025) Fue un actor y director de cine palestino con ciudadanía israelí. Padre de los actores Saleh Bakri, Ziad Bakri y Adam Bakri, apareció en más de cuarenta películas, dirigió varios documentales y fue una de las figuras más influyentes del cine palestino. Su carrera como actor de cine incluye unos 50 films israelíes, palestinos y extranjeros, cortometrajes y series de televisión. 

Debutó a los treinta años interpretando a un refugiado palestino que reclamaba su antigua casa en Hanna K. (1983) de Costa-Gavras. Su interpretación de un prisionero palestino en Beyond the Walls (1984) le valió el reconocimiento internacional. Le siguieron papeles en Esther (1986) de Amos Gitaï, Kikar Ha-Halomot (2001) de Benny Toraty, Private (2004) de Saverio Costanzo y Eid milad Laila (Laila's Birthday) (2008), de Rashid Masharawi.

Bakri ha dirigido cuatro películas: 1948 (1999), sobre el 50 aniversario de la Nakba; Yenín, Yenín (2002), un controvertido documental sobre la batalla de Yenín; Since You Left (2005), dirigido a Emile Habibi, y Zahara (2010), sobre la vida de una tía suya que tuvo que exiliarse al Líbano en 1948 pero decidió regresar clandestinamente a su país. En 2012 participó con otros 8 directores en la película Water, un proyecto colectivo palestino-israelí dedicado al agua para el que realizó el cortometraje Eye Drops. 

En 2021, las autoridades israelíes prohibieron la reproducción de su película Yenín, Yenín. También ordenaron que se requisaran todas las copias y se eliminasen los enlaces online a la misma.

El 24 de diciembre de 2025, Bakri falleció en el Centro Médico Galilea de Nahariya, después de haber padecido durante un tiempo problemas de corazón y pulmones. Su funeral tuvo lugar en su Bi'ina natal. A su muerte, fue definido como «una figura imponente cuyo trabajo desafió directamente las narrativas israelíes y cuyas batalles legales contra la censura durante décadas se convirtieron en un capítulo definitorio de la resistencia cultural palestina».

Nosotros tuvimos el honor de acogerlo en: Domicilio Privado (Private) e Invitación de boda. Esta última junto a María Zreik, actriz palestina, nacida en Haifa, que está con nosotros por segunda vez.

 

Y me parece a mi

Película 793 # Año XXIII

 Resurrection

(Kuang ye shi dai) 

28 de Mayo/2026

Sala Avenida-Jaraíz

21:00 Horas

 

DIRECTOR

Bi Gan

GUION

    Bi Gan, Zhai Xiaohui. Historia: Bi Gan

MÚSICA

M83

FOTOGRAFÍA

Dong Jingsong

REPARTO

Jackson Yee, Shu Qi, Mark Chao, Li Gengxi, Hao Lei, Zhang Yi ...

GÉNERO

     Drama. Ciencia ficción | Distopía. Monstruos 

DURACIÓN

160 Min.

PAÍS

China

SINOPSIS

En un mundo donde la humanidad ha perdido la capacidad de soñar, una criatura sigue fascinada por las ilusiones que se desvanecen del mundo onírico. Este monstruo, a la deriva en la ensoñación, se aferra a visiones que nadie más puede ver… hasta que aparece una mujer. Dotada del raro poder de percibir estas ilusiones tal como son, decide adentrarse en los sueños del monstruo, decidida a descubrir la verdad que se oculta en su interior.

¿Quién es quién?

Bi Gan ( Kaili-1989) es un director de cine, guionista, poeta y fotógrafo chino. 

 

Durante sus años universitarios, Bi vio Stalker de Andrei Tarkovsky, y luego declaró en una entrevista: "El cine puede ser diferente [de las películas convencionales]; puedes hacer lo que quieras. Lo que había visto hasta ese momento eran principalmente películas de Hollywood. Lo que me enseñaron fue bastante aburrido". Debido a esta película en particular, decidió dedicarse al cine. "Antes de eso, mis padres y mis parientes pensaron que me quedaría sin trabajo después de graduarme porque no quería hacer nada". 

 

En 2015, el largometraje debut de Bi, Kaili Blues, escrito por él, le dio al director emergente una mayor exposición. En 2017, Bi escribió y dirigió su segundo largometraje, Largo viaje hacia la noche, protagonizado por Tang Wei, Huang Jue, Sylvia Chang y Lee Hong-chi. La película también tiene su sede en la provincia de Guizhou y se estrenó en 2018.

Zhang Yi es un actor nacido en el año 1978 en China conocido por Más allá de las montañas, Cliff Walkers, Operación Mar Rojo, Snipers, ... Nosotros le recordamos por Black Dog

Chloe Maayan es una actriz nacida el año 1988 en China conocida por: El lago del ganso salvaje, El silencio del agua, Blossoms Shanghai... En nuestro Cineclub estuvo con Moneyboys.

Película 792 # Año XXIII

 Una hija en Tokio

(Une part manquante)

Jueves 21 de Mayo/2026

Sala Avenida/Jaraíz

21:00 Horas

DIRECTOR

Guillaume Senez

GUION

    Guillaume Senez, Jean Denizot

MÚSICA

Olivier Marguerit

FOTOGRAFÍA

Elin Kirschfink

REPARTO 

Romain Duris, Judith Chemla, Mei Cirne-Masuki, Tsuyu Shimizu, Shungiku Uchida, Yumi Narita ...

GÉNERO

     Drama | Familia. Paternidad 

DURACIÓN

98 Min.

PAÍS

Francia

SINOPSIS

Todos los días, Jay conduce su taxi por Tokio en busca de su hija, Lily. Separado desde hace nueve años, nunca ha podido conseguir su custodia. Justo cuando ha perdido la esperanza de volver a verla y está a punto de regresar a Francia, Lily sube a su taxi... pero no le reconoce.

¿Quién es quién?

Guillaume Senez (nacido en 1978) es un director de cine y guionista belga.

Hizo su debut cinematográfico en 2015 con 9 meses, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto. La película recibió ocho nominaciones en los Premios Magritte 2017 y ganó tres, incluyendo Mejor primer largometraje.

 

Su siguiente película, Nuestras Batallas (2018), se proyectó en la sección de la Semana Internacional de la Crítica en el Festival de Cine de Cannes y se lanzó con gran éxito de crítica. En la novena edición de los Premios Magritte, ganó cinco premios incluyendo Mejor Película y Mejor Director para Senez.

En 2024 estrenó su tercer largometraje Une part manquante, protagonizado al igual que el anterior por Romain Duris.
Sus tres primeros largometrajes reflexionaban sobre problemas relacionados con la paternidad.

Romain Duris (París-1974) es un actor de cine francés. Conocido por su papel en la trilogía Spanish Apartment de Cédric Klapisch, compuesta por L'Auberge Espagnole (2002), Russian Dolls (2005) y Chinese Puzzle (2013). También apareció en Iris (2016) y Todo el dinero del mundo (2017).

Aterriza por tercera vez en nuestro albergadero donde ya estuvo con: Exils (Tony Gatlif) y Daaaaaalí! (Quentin Dupieux)

 

 

Película 791 # Año XXIII

  Prime Crime: A True Story 

( Dead Man's Wire )

Jueves 14 de Mayo/2026

Sala Avenida/Jaraíz

21:00 Horas

 

DIRECTOR

Gus Van Sant

GUION

Austin Kolodney

MÚSICA

Danny Elfman

FOTOGRAFÍA

Arnaud Potier

REPARTO

Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Cary Elwes, Myha'la Herrold, Colman Domingo, Al Pacino, John Robinson ...

GÉNERO

     Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Secuestros / Desapariciones. Televisión. Años 70. Crimen 

DURACIÓN

104 Min.

PAÍS

U.S.A

SINOPSIS

Una historia real de 1977. Tras ser estafado por un banco, Tony Kiritsis se presenta en sus oficinas y secuestra al hijo del presidente de la compañía atándole al cuello un dispositivo mortal con un alambre conectado al gatillo de una escopeta. Exige que le devuelvan su dinero y una cuantiosa indemnización, además de una disculpa pública que será retransmitida por televisión y vista por millones de estadounidenses en prime time.

 

¿Quién es quién?

Gus Van Sant (Louisville, Kentucky-1952)es un director de cine, productor, guionista y escritor estadounidense. Considerado en sus inicios un representante del New Queer Cinema, con películas como My Own Private Idaho (1991), sus películas destacan por su carácter independiente, su atrevimiento temático y su naturaleza underground. A lo largo de su trayectoria ha obtenido 68 nominaciones, que incluyen dos a los Premios Óscar como mejor director por Good Will Hunting (1997) y Milk (2008), y 44 galardones entre los que destaca la Palma de Oro en festival de Cannes por Elephant (2003). 

La única aparición en nuestro Cineclub tuvo lugar con la película inspirada en, el líder de Nirvana, Kurt Cobain: Last Day.

 

Tercera aparición en El Gallinero del inabarcable Al Pacino, tras dos películas de nuestra primera época:  Simone (Andrew Niccol) e Insomnio (Christopher Nolan).

Alfredo James Pacino (Nueva York, 25 de abril de 1940), es un actor de cine, teatro y televisión estadounidense, que también se ha desempeñado ocasionalmente como guionista, director y productor. Su carrera abarca siete décadas, desde sus inicios en la escena teatral neoyorquina hasta su éxito en el cine, con numerosos premios y honores, incluidos los premios Óscar, Emmy, Globo de Oro y Tony, que lo posicionan como uno de los actores del siglo XX que más reconocimientos ha recibido. Es conocido por haber interpretado personajes problemáticos e inadaptados, con una presencia intensa y explosiva, lo que lo llevó a ser catalogado por varios medios como uno de los mejores actores de su generación y uno de los más representativos del cine estadounidense de la década de 1970.

Además de la saga de El Padrino (Coppola), sería injusto olvidar títulos como: Sérpico y Tarde de perros (Sidney Lumet),  A la caza (William Friedkin), Scarface y Atrapado por su pasado (Brian de Palma), Glengarry Glen Ross ( James Foley), Scent of a Woman ( Martin Brest ), Heat y El dilema (Michael Mann), Donnie Brasco (Mike Newel), El mercader de Venecia (Michael Radford), Érase una vez...en Hollywood (Tarantino), El irlandés (Martin Scorsese)...

Película 790 # Año XXIII

 Un Poeta

Jueves 7 de Mayo/2026

Sala Avenida-Jaraíz

21:00 Horas

DIRECTOR

Simón Mesa Soto

GUION

Simón Mesa Soto

MÚSICA

    Matti Bye, Trío Ramberget

FOTOGRAFÍA

Juan Sarmiento G.

REPARTO

Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Humberto Restrepo, Margarita Soto, Allison Correa ...

GÉNERO

     Drama. Comedia | Comedia dramática. Literatura. Enseñanza. Alcoholismo 

DURACIÓN

120 Min.

PAÍS

Colombia

 Sinopsis

 La obsesión de Óscar Restrepo por la poesía no le ha reportado ninguna gloria. Envejecido y errático, ha sucumbido al tópico del poeta en la sombra. Conocer a Yurlady, una adolescente de origen humilde, y ayudarla a cultivar su talento trae algo de luz a sus días, pero arrastrarla al mundo de la poesía quizá no sea el camino.

¿Quién es quién?

Simón Mesa Soto (Medellín, 1986) es un director de cine colombiano, reconocido principalmente por sus películas Amparo del 2021 y Un poeta de 2025. Su cortometraje Leidi ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2014. Sus protagonistas, hasta la fecha, llegan vírgenes a la interpretación cinematográfica.

En confesiones a la revista Metal, simón Mesa se explaya sobre su relación con el cine, sus motivaciones, sus personajes, sus actores y su último film:

¿Cómo ha sido enseñar la película en su lugar de origen?

Bastante ocupado. La película ha tenido un viaje bellísimo de cara a la audiencia. En Colombia fue una experiencia hermosa e hicimos un trabajo de promoción bastante fuerte. Queríamos que la película llegase al mayor número de personas posibles. Fue como reconectar el cine colombiano con su audiencia en las salas de cine colombianas, que está un poco perdida.

¿Cuándo empieza a emerger la historia de Un poeta?

Fue en 2020. Al terminar mi primera película estaba exhausto. Amparo me había drenado toda la energía. Yo soy director, productor y guionista de mis películas, lo cual es un trabajo bastante grande. Entonces tuve un momento de crisis, de frustración y de pensar dejar atrás este sueño o esta obsesión compulsiva de hacer cine. Esos dilemas que me encontré en el camino me hicieron pensar en retratar la frustración, poniéndome a mí como personaje que se enfrenta a un dilema. A través de eso, retratar todas mis angustias y reflexiones sobre la creación artística en Medellín, mi ciudad.

Estas frustraciones las abordas desde la comedia, el drama y también desde la sátira. De hecho, hablas sobre los hombres que componen las élites de la alta cultura. Un mundo donde, como bien aparece en la película, los hombres se miden los penes en los baños.

Nos medimos. Claro, eso es lo que usualmente hacemos. También era esto, retratarme como hombre: ¿Qué soy? ¿Qué vicios tengo? ¿Qué dilemas tengo? ¿Qué virtudes tengo? Preguntarme también cómo hago cine, cuáles son las implicaciones morales y éticas de hacer una película en Colombia. Las implicaciones de tocar temas sociales y políticos. Me interesaba ponernos un espejo.
En Colombia es muy habitual hacer cine con actores no profesionales sobre temas sociales. Ponerle una cámara delante a una persona hace que se convierta en su propia obra. Eso tiene unas implicaciones. Puede ser incómodo. Por ello, cuando decidí voltear la cámara hacia mí, hacia el que crea arte, generé otra incomodidad. En la película hay mucha gente que se ve aludida y eso choca, sabíamos que podía suceder. Sobre todo cuando no aceptas reírte de ti mismo. Por eso también es comedia, porque ese tono permite jugar y tocar todo sin restricciones, a pesar de que a mucha gente pueda no gustarle.

“Tuve un momento de crisis, de frustración y de pensar dejar atrás este sueño o esta obsesión compulsiva de hacer cine. Esos dilemas me hicieron pensar en retratar la frustración, poniéndome a mí como personaje.”

 
De hecho, cuando la historia baja a la tierra al personaje de Oscar, el poeta, también nos baja a nosotros. Nos lanza la pregunta de ¿quién se puede permitir el lujo de pensar en algo tan lejano y abstracto como esto de la creación artística?
En realidad, eso somos las personas que hacemos arte: obsesivos con la creación artística. Oscar es la versión exacerbada de la creación artística, del Oscar que tenemos dentro, obsesivo, compulsivo con la creación, con el hecho de hacer. Para mí era más que natural, era orgánico hacer a este personaje. Empatizo con él y debo tener fe en él. 

¿Cómo fue el proceso de creación del personaje junto al actor protagonista, Ubeimar?

Es una película fuertemente ceñida al guion. Era lo que más me interesaba, tener muy definido al personaje, sus dilemas y su estructura. Evidentemente Ubeimar llega y entrega otras cosas que no estaban en el guion y que son enormes. No transforma el personaje desde adentro, no transforma en gran medida lo que sucede, pero sí al personaje desde fuera. Es decir, su forma de ser, su forma de hablar, su forma de gritar. Todas esas particularidades que tiene Ubeimar en su forma de ser él se las entrega al personaje. Crea a un personaje supremamente particular. Cómico, empático, que la gente ama. En el guion la gente no amaba tanto a Oscar. Además, Ubeimar se entregó totalmente a la actuación y a ese trabajo en una preparación de dos meses. Para entender al personaje y entender el oficio de la actuación en el cine.

 
¿Qué es lo que viste en Ubeimar que le hizo sobresalir por encima del resto?

Pues lo que se ve en la película. Es la misma reacción que puede tener cualquiera que vea a Ubeimar y diga, es increíble. Es único e irrepetible y entra en el personaje de una manera perfecta. Analizo mucho mis decisiones y puedo ser crítico con ellas, pero él y la forma en la que tomó el oficio de hacer la película… Es un ser increíble. Él es lo que se ve. Yo lo vi en un primer video de casting pero sigue siendo igual. Una manera muy única de ver un personaje que generaba una empatía enorme.
“Ponerle una cámara delante a una persona hace que se convierta en su propia obra. Eso tiene unas implicaciones. Puede ser incómodo.”

¿En tu vida también te has encontrado con alguien que actúe como Oscar en la película, alguien que te animase a seguir el camino del arte y del cine?

Podría ser, pero no de una forma tan fuerte. He tenido grandes profesores, no en ese sentido. Como profesor, por ejemplo, tienen mucho peso las relaciones que tengo con mis propios alumnos, a veces ves mucho talento en algunos. También se relaciona mucho con los actores de mis películas pasadas y la relación que tenía yo como director y con ellos como personajes. Pero en realidad no es algo tan personal, es una relación que ficciono para hablar de ciertas cosas.

¿Por qué escoger la poesía?

Porque me encantaba ese personaje. Porque lo veía en Medellín y me encantaba. Me parecía interesante ese ser bohemio, la oveja negra, el loquito. Y en la poesía existe, no todos los poetas son así, pero aquí existe y mucho. Creía que era más interesante retratar mis dilemas a través de un poeta.

Y me parece a mi

El triunfo de la muerte

Un hombre colombiano de 34 años, para ser más precisos, de Medellín, decide iniciar un proyecto que tiene que ver con el celuloide. La idea de Un poeta le surge en el 2020; toma papel y lápiz, una cámara con formato de 16mm, el mínimo de ayudantes técnicos (por economía), actores sin contaminar (primera interpretación)...; y se pone entusiasta a faenar. Cinco años después estrena su película que escarba en los entresijos vitales de la creación artística. Y resulta que en Cannes, San Sebastián, Santiago de Chile, Múnich, Biarritz, Jaraíz de la Vera (pueblo extremeño)..., muchos espectadores que solo tenían algún lejano flash de esta raquítica industria cinematográfica, del tercer país hispanohablante del mundo: [Sergio Cabrera (La estrategia del caracol), Víctor Gaviria (La vendedora de rosas) o Ciro Guerra (El abrazo de la serpiente)... ], descubren una obra sorprendente y emotiva que permanecerá en la memoria de quienes no sabían, dos horas antes, qué se disponían a ver.

El hombrecillo gris, invisible para la mayoría de sus conciudadanos, acabará por hacerse un hueco cerca de nuestros corazones; porque de él: piltrafa humana, borrachín pesado, deprimido crónico...; emana algo especial, diferente. Puede que sea su bondad, autenticidad, indefensión; valores que ya no cotizan; o, tal vez, el insólito aroma que emanan los verdaderos rapsodas, los que no tienen apego a lo material, los que como José Asunción Silva (su referente), y el propio Oscar Restrepo, están condenados al malditismo; y más les vale aceptar con resignación esta condición, o intentar agarrarse a una tabla de salvación aunque esté cubierta de cortantes aristas.

La caracterización de Ubeimar Ríos, intérprete no profesional, es tan impresionante que albergas la sospecha de que el director conociera antes al futuro actor que al personaje que acabaría por dar vida en la pantalla.

Esta comedia amarga de Simón Mesa Soto consigue una extraña redención del protagonista, que parecía insalvable. El patetismo, falsedad y cobardía de quienes lo señalan terminan por convertirlo en un héroe, y además sin capa, que es mucho más meritorio.

Jaht

66 Espectadores