Bienvenid@s a la Temporada XXIV del Cineclub El Gallinero que se iniciará, como viene siendo habitual en los últimos años, con la colaboración del colectivo Ringu Rango y su Olla de Cuentos que nos pregona la llegada del Otoño.
DJ Ahmet
Miércoles 23 de Septiembre/2026
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas
DIRECTOR
Georgi M. Unkovski
GUION
Georgi M. Unkovski
MÚSICA
Alen Sinkauz, Nenad Sinkauz
FOTOGRAFÍA
Naum Doksevski
REPARTO
Arif Jakup, Agush Agushev, Dora Akan Zlatanova ...
GÉNERO
Drama. Romance. Comedia | Música. Vida rural. Adolescencia. Drama romántico. Paternidad
DURACIÓN
99 Min.
PAÍS
Macedonia
SINOPSIS
Ahmet, un chico de 15 años de una remota aldea de Yuruk, en Macedonia del Norte, encuentra refugio en la música mientras lidia con las expectativas de su padre, una comunidad conservadora y su primera experiencia con el amor: una chica ya prometida a otra persona.
Ganadora de dos premios en el Festival de Sundance y también premiada en el Festival de Sevilla, este es un rebelde y musical debut sobre un chico de 15 años enamorado de la música electrónica.
¿Quién es quién?
Georgi M. Unkovski ( en macedonio : Георги М. Унковски ; nacido en 1988) es un director de cine macedonio. Nacido en Estados Unidos y criado en Macedonia del Norte, estudió cine en la Escuela de Cine y Televisión de la Academia de Artes Escénicas de Praga antes de regresar a Macedonia del Norte, donde dirigió episodios de la serie de comedia Prespav. Tanto su primer cortometraje, Sticker (2019), como su primer largometraje, DJ Ahmet (2025), se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance , donde este último ganó el Premio del Público y el Premio Especial del Jurado.
En 2020, Unkovski comenzó a escribir lo que se convertiría en su ópera prima, DJ Ahmet , basada en la imagen mental de un pastor que entra en un bosque y se topa con una fiesta rave . El rodaje comenzó a finales de 2023 tras recibir financiación; además de una subvención de 380.000 MKD de la Agencia de Cine de Macedonia, también recibió apoyo de Cinema Futura y Sektor Film en Macedonia del Norte; Bekum y Baš Čelik Production en Serbia ; y Analog Vision en la República Checa. DJ Ahmet se filmó durante 36 días a finales de 2023 en Kodžalija, Ali Koč y Skopje, y sigue a un chico Yörük de 15 años que lucha por enamorarse en la Macedonia del Norte rural mientras aspira a convertirse en DJ. Ambientada principalmente en turco, fue considerada la primera película sobre los Yörük en involucrar activamente al grupo en la producción.
Alexander Skarsgård, Harry Melling, Brian Martin, Zamir Mesiti, Douglas Hodge, Lesley Sharp ...
GÉNERO
Drama. Romance | Homosexualidad. Motos
DURACIÓN
106 Min
PAÍS
Reino Unido
SINOPSIS
Colin, un hombre introvertido, se queda prendado de Ray, el carismático y atractivo líder de una banda de moteros que le toma como sumiso, dinamitando su rutina y cambiándole la vida.
¿Quién es quién?
Harry Lighton nació en Portsmouth, Hampshir, Inglaterra, Reino Unido, en 1992..
Su ópera prima como director, Pillion, se estrenó en el Festival de Cine de Cannes - 2025 y ganó dos premios British Independent Film Awards y un premio Gotham Independent Film Awards .
Se educó en Eton Colleg, y tiene una licenciatura en literatura inglesa por la Universidad de Oxford.
«50 sombras de BDSM, Wallace y Gromit» fue el título que The Guardian dio a su reseña de la película. El director comentó en una entrevista con el sitio alemán «queer.de»: «Estoy encantado; es la comparación más fiel que se ha hecho jamás. Crecí con Wallace y Gromit, y parte del humor de Pillion está sin duda inspirado en ellos. Así que, para mí, esa comparación es muy acertada».
Alexander Johan Hjalmar Skarsgård (Estocolmo-1976).
En nuestro Cineclub, en la novena temporada, pudimos verlo junto a su padre y Kirsten Dunst en Melancholia, una película de ciencia ficción dirigida por Lars Von Trier que rodó durante el descanso entre la tercera y la cuarta temporada de True Blood en 2010
Y me parece a mi
El hombre paquete
Natural, muy fresco y desacomplejado el primer largometraje de Harry Lighton, inspirado en un libro de Adam Mars-Jones que se tituló Box Hill. Cuenta la historia de un buen chico, educado en una familia mojigata, y su insólita relación amorosa con un duro y admirado líder motero que le adoptará como elemento sumiso en sus ejercicios BDSM (bondage, dominación, sadismo y masoquismo). El vínculo acordado y lúdico entrará en zona de peligro cuando el romanticismo haga acto de presencia y los roles comiencen a ser difusos.
Aunque la estética pareciera insinuarlo, en ningún momento aparece la violencia, ya que las reglas son claras y todo está medido, seguro y acordado. Un extraño respeto, para nada opresivo, envuelve a la comunidad gay, en la que en general predomina el buen rollo y un inteligente sentido del humor; convirtiendo las andanzas de sus personajes, indisimulados exploradores del placer y la euforia, más en extrovertida comedia que en complejo drama emocional.
Didáctica exposición de una manera de vivir, sin incidencia alguna en el civismo más elemental, que alejará la idea rancia de que los seguidores de estas prácticas sexuales son depravados, problemáticos, bichos raros y poco recomendables. Podíamos estar hablando del profesor de ética de tu hijo en el instituto, del afable operario que barre tu calle o del mayor experto del país en enfermedades infecciosas de origen animal.
Aunque la película no está exenta de una reflexión final sobre la complejidad de las cosas del querer; y tentados estamos de dar crédito al proverbio popular que dice que "en la lucha de amor, vence quien huye"; lo cierto es que lo mollar, al menos para mi, es la normalización y liberalización de cualquier tipo de conducta genital sana, siempre que cuente con el acuerdo de las partes.
spoiler:
Ni Colin tiene su talón de Aquiles en la autoestima ni Ray es una roca indestructible. Al parecer, este desenlace es una licencia poética del director, alejado del de la novela original.
Combinando comedia y terror, es una versión retorcida del famoso cuento de Cenicienta. Sigue a Elvira en su lucha por competir con su increíblemente bella hermanastra en un reino donde la belleza es un negocio despiadado. Elvira hará lo que haga falta para captar la atención del príncipe.
¿Quién es quién?
Emilie Kirstine Blichfeldt (20 de mayo de 1991) es una directora de cine y guionista noruega.
Se graduó en 2013 en la Escuela de Arte y Cine de Nordland con el cortometraje How Do You Like My Hair? Posteriormente, cursó la especialidad de dirección en la Escuela Noruega de Cine entre 2015 y 2018. Su cortometraje de graduación, Saras intime betroelser (Las íntimas confesiones de Sara), se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2018.
Su primer largometraje, La hermanastra fea, se estrenó en cines en Noruega en febrero de 2025. Fue nominado en seis categorías de los Premios Amanda 2025, los más destacados del cine noruego, incluyendo una nominación para Blichfeldt en la categoría de mejor guion cinematográfico. En julio de 2025, La hermanastra fea recibe el Méliès d'Argent por parte del Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF) en Suiza. En octubre de 2025, es elegida como Mejor Película en el Festival de Sitges.
Del elenco de esta película solo a visitado el Cineclub Malte Gardinger, actor sueco de 25 años que estuvo en El triángulo de la tristeza (Ruben Ostlund).
Y me parece a mi
Mejor fregar que ser un guiñapo emperifollado
Acertada y acerada versión de la mítica Cenicienta, personaje creado por antiquísimas leyendas orales que algunos, como Heródoto, sitúan su origen fidedigno en el Antiguo Egipto de Amosis II (570-526 a. C.). Entonces se llamaba Ródope y era una esclava griega que ascendió a cortesana al conseguir liberarse. A lo largo de la historia todas las culturas han adoptado la figura de la criatura vejada y de usurpada estirpe, con diferentes nombres, interesadas variaciones y licencias artísticas o literarias.
Por lo que conozco del tema, Emilie Blichfeldt, se ha centrado sobre todo en la traslación que convirtieron en cuento los Hnos Grimm, alemanes investigadores del folclore y buceadores del pasado verbal o escrito. La directora noruega aprovecha su ópera prima para hacer una declaración de principios sobre la utilización del sexo femenino en los asuntos mundanos y patriarcales. Describe a la mujer como moneda de cambio, como objeto y víctima de su propia belleza, como competidora ante los anhelos del hombre, como esclava de su propia condición femenina.
Pero este oscuro retrato está alumbrado por una ironía más próxima al sarcasmo que a la gracieta, lo que habla muy a favor de la contundente personalidad de la creadora de "La hermanastra fea" que, considera la realizadora y guionista, somos todas.
Sí, es una comedia de terror pero no por su atmósfera claustrofóbica ni siquiera por su explicitud en las escenas de tortura para conseguir fines estéticos. Es pavorosa si nos ponemos a pensar en el destino último de quien deja de ser criada para habitar el palacio. No hay más que ver el perfil del heredero de la corona.
Solo Alma, la hermana pequeña, es una criatura digna de ser salvada. Capaz de observar, callar, pensar por sí misma y huir en defensa propia.
Drama | Abusos sexuales. Feminismo. Familia. Naturaleza
DURACIÓN
101 Min.
PAÍS
Brasil
SINOPSIS
Isla de Marajó, selva amazónica. Marcielle (Tielle) vive a orillas del río con su padre, su madre y sus tres hermanos. Impulsada por las palabras de su madre, idolatra a su hermana mayor, que supuestamente escapó de su realidad 'encontrando un buen hombre' en las barcazas que surcan la región. A medida que Tielle madura, sus visiones idealizadas se hacen añicos, dejándola atrapada entre dos entornos abusivos. Cada vez más preocupada por su hermana pequeña y por el sombrío futuro que vislumbra, decide enfrentarse al sistema opresivo que controla a su familia y a las mujeres de su comunidad.
¿Quién es quién?
Marianna Brennand (Brasilia, 1980) se licenció en cine en la Universidad de California en Santa Bárbara. En 2012 estrenó Francisco Brennand, un documental centrado en su tío abuelo Francisco, un artista brasileño reconocido mundialmente por su obra en cerámica, presente en ciudades y en su propio espacio, la Oficina Francisco Brennand. Con Manas (2024) marca su debut en la dirección de largometrajes de ficción y es fruto de una investigación de diez años sobre el complejo y delicado tema de la explotación sexual de niños y adolescentes en la Isla de Marajó, en el estado de Pará.
81º Festival de Cine de Venecia (2024) – Mejor Dirección (Giornate degli Autori) 35º Festival Internacional de Cine de Palm Springs (2024) – Mención Especial Iberoamericana 26º Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro (2024) – Premio Especial del Jurado (Jamilli Correa) 18º Festival Global de Cine de Santo Domingo (2024) – Premio Jimmy Sierra a la mejor ópera prima 50º Festival Iberoamericano de Cine de Huelva (2024) – Premio Colón de Plata, Premio del Público 73º Festival Internacional de Cine de Mannheim-Heidelberg (IFFMH) (2024) – Premio al mejor director novel [Casa Améric Catalunya]
Manas, dirigida por Marianna Brennand Fortes, se inscribe con discreción pero con firmeza en esa tradición del cine contemporáneo que observa sin subrayar, que denuncia sin proclamar y que incomoda sin necesidad de violencia explícita. Es una película que no busca el impacto inmediato ni el aplauso fácil: su fuerza reside en la paciencia, en la mirada sostenida y en una ética de la representación que rehúye el morbo y el paternalismo.
Fortes demuestra aquí una madurez notable como cineasta. Su dirección está guiada por una decisión clara: no instrumentalizar el sufrimiento de sus personajes para convertirlo en espectáculo. La cámara se mantiene cercana, pero nunca invasiva; observa, acompaña y espera. Esta elección formal define todo el film. Manas no se mueve en el terreno del drama enfático, sino en el de la experiencia vivida, en la acumulación de gestos, silencios y tensiones cotidianas que terminan revelando una estructura social opresiva sin necesidad de verbalizarla. (Ximo Palau),[Cine Maldito]
Y me parece a mi
Autojusticia y autorreparación
La naturaleza en la selva amazónica puede resultar brutal por su descomunal poderío, pero eso es algo que los nativos aceptan con espontaneidad mientras viven rodeados de los suyos, inocentes, sin comparativas. ¿Pero qué pasa cuando las personas de una cultura de raíces milenarias crecen, descubren otros mundos, viven otras experiencias, chocan con otras realidades y algunos lazos afectivos se convierten en cadenas?
La brasileña Marianna Brennand Fortes se hace las mismas preguntas en su ópera prima; no solo como indagación antropológica de los precolombinos que siguen habitando esas tierras en la desembocadura del río, en la Isla de Marajó, si no como mujer que podría estar inserta en el raquítico desarrollo de una civilización que fue avanzada en su tiempo y que a día de hoy arrastra retraso y desigualdad, multiplicados los problemas si perteneces al sexo femenino.
Tielle, la tercera de una familia con principios religiosos que espera su quinto hijo, afronta la adolescencia con el referente de su hermana mayor, que un día huyó de casa; y con el máximo interés, a medida que despierta su conciencia, en que la más pequeña tenga una vida mejor, en la que no quepan la ignorancia, la miseria, los abusos ni el desencanto.
La obra de Marianne utiliza un ritmo in crescendo y evoluciona desde el encantamiento de la colorida jungla y sus silbidos hipnóticos a un final, necesario y brutal, que apaga la luz y el sonido.
Filmoteca de Extremadura Programación de cine itinerante por núcleos rurales extremeños en colaboración con CineClub "El Gallinero"
On Falling
Jueves 20 de Noviembre/2025
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas
DIRECTORA
Laura Carreira
GUION:Laura Carreira
MÚSICA: Ines Adriana
FOTOGRAFÍA: Karl Kürten
REPARTO: Joana Santos, Inês Vaz, Neil Leiper, Leah MacRae, Itxaso Moreno, Piotr Sikora...
GÉNERO: Drama | Inmigración. Trabajo/empleo. Drama social
DURACIÓN: 104 Min.
PAÍS:Reino Unido
SINOPSIS
Aurora es una mujer portuguesa inmigrante que trabaja en un gran almacén de Escocia. Atrapada entre los muros de su centro de trabajo y la soledad de su piso compartido, trata de resistir al aislamiento, la alienación y la charla trivial que comienzan a amenazar su consciencia de sí misma. En un entorno dominado por una economía basada en algoritmos y diseñada para mantenernos separados, 'On Falling' explora la lucha silenciosa y vital por encontrar sentido y conectar.
¿Quién es quién?
Laura Carreira (1994, Oporto, Portugal) es una cineasta portuguesa que, tras estrenar con éxito varios cortos como Red Hill (2019), nominado al mejor cortometraje en los BAFTA Scotland Awards o The Shift (2020), que compitió en el Festival de Venecia, presenta en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián su debut en el largometraje, On Falling.
Y me parece a mi
¿Cuándo tocaremos fondo?
Pues bien, ya estamos aquí, en ese maravilloso mundo que nos vendieron tantas veces; en el cual las tecnologías iban a facilitarnos los trabajos, hacernos disfrutar de más tiempo libre, permitirnos multiplicar las relaciones familiares y sociales, ayudarnos a incrementar los índices de felicidad y dignidad; y bla, bla, bla... Hemos llegado y ya estamos deseando volver, al menos quienes conocimos tiempos que, aunque muy mejorables, parecían llevarnos hacia adelante.
Sin duda hay quienes han conseguido ese paraíso de éxito empresarial que consiste en cosechar enormes plusvalías; solo al alcance de los menos escrupulosos, aquellos que han conseguido urdir el plan de la moderna esclavitud: las bonificaciones públicas (a pesar de su furibundo anticomunismo), la evasión de impuestos, la persecución (también la absorción) a los sindicatos, la flexibilización laboral hasta extremos dantescos, el eficiente diseño de la explotación...
De eso va On Falling, el primer largometraje de una joven de Oporto (Laura Carreira) que, desde tierras escocesas, nos trae un relato merecedor de ocupar un lugar en la Historia Universal de la Infamia, que podía llevar por título: Aurora no es nada ni nadie.
Decía Pepe Mujica que el primer mandamiento de cualquier mandatario político, que se considerara demócrata, era el de luchar por conseguir que quienes le habían elegido fueran un poco más felices. El eterno presidente de Uruguay bebía de fuentes humanistas, que ahora están secas. Los nuevos amos del mundo han llegado tan lejos porque nos han hecho creer que somos únicos, que no necesitamos de los demás, que la libertad está en el individualismo; y nos hemos tragado semejante gazapo. Ya solo nos queda confiar en la rebelión, o autodestrucción de los artificios manipuladores, siempre al servicio del capital que, de momento, sorben con fruición nuestros sesos con una pajita.
Cine social, del bueno, que no nace de viejos cascarrabias contaminados por románticas ideologías sociales. Lo ha parido una muchacha portuguesa de 31 años que seguramente ha sufrido las dentelladas del sistema que las está acosando de manera inmisericorde.
REPARTO: Jan Monter, Nausicaa Bonnín, Jordi Oriol, Bernat Solé, Francesco Wenz...
GÉNERO:Drama | Adolescencia. Familia. Homosexualidad
DURACIÓN:106 Min.
PAÍS: España
SINOPSIS
Dídac tiene dieciséis años y viaja en bicicleta por el Danubio con su familia. Entre días calurosos, un encuentro inesperado cambia el rumbo del viaje: un misterioso chico aparece entre las aguas del río. Su presencia enigmática no solo despierta algo nuevo en Dídac, sino que empieza a alterar la relación con su familia.
¿Quién es quién?
Jaume Claret Muxart es un guionista y director nacido en el año 1998 en Barcelona.
La obra que hoy nos ocupa es su primer largometraje, donde hace debutar también a todo el plantel de adolescentes.
No obstante, son de destacar tres cortos que, por duración se acercan al mediometraje : Ella i jo (2020), Los Danubios (2023) y muy recientemente La nostra habitació (2025).
¿Quién es quién?
Volver a los dieciséis
La ópera prima de Jaume Claret Muxart me trae efluvios del cine de Éric Rohmer (La rodilla de Clara, Pauline en la playa, Cuento de verano...). La naturaleza alumbra en todo momento las rutas ciclistas, a orillas del Danubio, de una familia catalana en su época vacacional veraniega. Bosques, caminos, noches cálidas, alguna tormenta, arquitectura que se fusiona con el paisaje...; y todo bajo la influencia mágica del río, en cuyas aguas se esconde el bálsamo de la relajación y la volcánica presencia de las pasiones venideras.
Dídac es un muchacho que se encuentra en la etapa de "matar al padre", como diría Sigmund Freud, ese momento en el que el adolescente se da cuenta que sus progenitores no son los héroes que él creía, y sufre la primera gran decepción de su vida; esta percepción, le empuja a huir hacia adelante, alejarse del nido, buscar experiencias y toparse con el primer gran amor, que siempre se mece en la delgada línea que atraviesa lo real y lo imaginado.
Los largos e indolentes días, los sonidos del campo, las siestas, los sueños húmedos y el continuo borboteo testosterónico...; todo fluye lentamente y se confabula para llevar de la mano al joven inconformista a territorio ignoto, misterioso y excitante.
La historia, bajo mi punto de vista, adolece en algunos momentos de la razonable ligazón entre la experiencia individual del mozalbete y la familiar compartida; máxime cuando se atisba una relación tan comprensible y abierta entre los miembros.
Por lo demás, el paseo cinematográfico resultará agradable desde el punto de vista estético, si no te chirrían las alucinaciones autobiográficas de los alejados recuerdos del director.
Ángela, una mujer sorda, va a tener un bebé con Héctor, su pareja oyente. El embarazo hace aflorar sus miedos frente la maternidad y sobre cómo podrá comunicarse con su hija. La llegada de la niña genera una crisis en la pareja y lleva a Ángela a afrontar la crianza de su hija en un mundo que no está hecho para ella. Largometraje basado en el corto de 2021 del mismo nombre.
¿Quién es quién?
Eva Libertad García López (Molina de Segura, 7 de octubre de 1978) es una directora de cine, guionista y productora española.
Estudió sociología en la Universidad Complutense de Madrid, y posteriormente recibió una beca para estudiar teatro. Completó su formación actoral en México y Argentina con Fernando Piernas y Augusto Fernandes.
Posteriormente regresó a Murcia donde comenzó a colaborar con colectivos culturares y feministas.
Biznaga de Oro (Festival de Málaga) a la Mejor Película Española a la cinta 'Sorda' en 2025.
Es primavera y toda la familia está alborotada por el inminente compromiso de la querida hija mayor, Marcella, quien, por su parte, sólo espera casarse rápidamente con un simpático chico de clase media, Giulio, y librarse por fin de esa incómoda familia.
¿Quién es quién?
Paola Cortellesi (Roma-1973) es una actriz, guionista, cómica, imitadora, cantante y directora italiana.
Según el periódico argentino Clarín, en la presentación de su película en este país:
“El filme es un homenaje a las historias que me contaron mis abuelas, quienes fueron testigos en sus patios de muchas mujeres maltratadas por sus maridos, que se creían sus dueños.” Así lo repite Paola Cortellesi, cuando le preguntan sobre su filme taquillero e interpelante Siempre habrá un mañana (2023), ópera prima.
En Italia superó a Barbie y Oppenheimer y es el mayor éxito logrado por una directora italiana. La vieron más de seis millones de italianos en 2023.
Desde niña supo que quería ser actriz. La familia no estaba de acuerdo ya que era un mundo nuevo para ellos y, sin embargo, la acompañaron en su vocación con afecto y discreción.
Ya a los 19, comenzó a estudiar actuación. En 2000, como actriz cómica, sacó a relucir sus habilidades para parodiar a personajes famosos. En 2004, formó parte del icónico Festival de San Remo. En su rol de cantante, ha recibido elogios de Mina, quien dijo: “La Cortellesi tiene una de las mejores voces de Italia”.Ha realizado una carrera prolífica en el cine, el teatro y la televisión, con distintos roles. Una de las palabras que podría definirla es: “poliédrica”, de muchas facetas.
Paola no sólo es feminista en el cine: se manifiesta férreamente a favor del empoderamiento femenino. También pertenece a la organización Una Nessuna Centomila, que colabora con las víctimas de la violencia de género, y hace poco logró reunir a miles de personas de toda Italia en la Arena de Verona, en un concierto, para recaudar fondos para las mujeres traspasadas por la violencia física y psicológica. Siempre habrá un mañana es un filme que habla del patriarcado, la violencia doméstica y los derechos civiles. Fue ambientada en la Roma de la posguerra, en los ‘40. Está filmada en blanco y negro: por un lado, porque la directora lo había imaginado así; por el otro, es un homenaje sutil al neorrealismo “rosa”, con toques cómicos y sarcásticos, que logran equilibrio entre el drama y la comedia. Como la vida misma.
Dice Cortellesi: “Es un tema que nos involucra a todos: el patriarcado tiene distintas variantes. A veces no es necesario que tu marido ejerza violencia física, o no todos los hijos ven que su madre es golpeada por el padre. Pero la violencia también es psíquica, y es tan malsana como la física, ejemplificada en gestos humillantes o destratos”. Paola afirma con determinación: “Quiero que mi hija sepa desde dónde partimos las mujeres y adónde tenemos que llegar. Que aprenda a no dar nada por sobreentendido. Nuestras conquistas han costado lágrimas y sangre. No hay que bajar la guardia”.
En la reciente entrega de los premios David di Donatello, el Oscar del cine italiano, ganó cuatro estatuillas. La película aparece en un momento donde los femicidios en Italia están asiduamente en las portadas de los diarios. Las muertes de mujeres en mano de sus parejas causan conmoción, lo cual hace que el tema de la violencia de género esté tan presente. En el período en que se desarrolla el filme, los derechos de las mujeres no estaban escritos, ni siquiera se pensaban.
Paola espera que el filme siga creando conciencia. “Nacer mujer implica formar parte de un movimiento, quieras o no”, dice. “Debemos ser conscientes de cuánto hemos sufrido. Siempre digo hemos porque vale para nuestras abuelas y en menor medida, aún hoy subsiste. Los femicidios, lamentablemente, lo demuestran y en otros casos, la invisibilidad en el mundo del trabajo.” Y cierra: “Si bien mi filme fue ambientado en el pasado, mira al futuro: pensemos en hombres y mujeres, juntos, y de la mano”.
Y me parece a mi
También bajo la bota las mujeres se revuelven.
El tema es peliagudo pero Paola Cortellesi
se las apaña para introducirnos con cierta suavidad, en modo
costumbrista (comedia en ocasiones), las vicisitudes de una mujer
italiana de clase humilde en pleno período de postguerra. La
gestualidad, la música, la rebelde resignación de las "donnas", un guión
efectista que diluye en teatralidad un tema tan serio...; consiguen, en
el aliño, que el proyecto de denuncia de la violencia de género, como
elemento cultural, patriarcal y vertebrador de la sociedad italiana de
los años 40 del siglo pasado, no sea un culebrón al uso ni un dramón
apocalíptico. Sin restar, eso sí, un ápice a tan justa acusación.
La realizadora, y protagonista, utiliza un blanco y negro muy
contrastado, luminoso en ocasiones, que tiene la virtud de incorporar al
espectador muy próximo al lugar y las fechas en que tienen lugar los
acontecimientos que se relatan.
Es un film más que recomendable salvo para quienes, circunspectos,
opinen que no se deben hacer gracietas sobre anormalidades tan
monstruosas.
El inesperado final recomienda no entrar en detalle alguno de la trama para no dar excesivas pistas.
En Irlanda hay 80.000 hablantes de irlandés, 6.000 viven en el norte y tres de ellos lo van a poner todo patas arriba cuando formen un trío de rap llamado Kneecap. Anárquicos, salvajes y dispuestos a todo para salvar su lengua materna.
✎
"Hay gags e ideología. Drogas, raves, rap y conflicto lingüístico. Pero el tema irlandés está tratado desde el inicio con considerable sentido del humor (...) comedia ácida y dislocada (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)"
Quim Casas: Diario El Periódico
"El hip hop es la excusa para plasmar una pelea intergeneracional. Una descacharrante manera de enfrentarse a los problemas políticos (...) La apología del consumo de drogas es excesiva. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)"
Rubén Romero: Cinemanía
"Los ames, los odies o los detestes, el punto de Kneecap es que genuinamente no les importa - tómalos como son. Para muchos, eso es demasiado. Para muchos más, sin embargo, solo los hará aún más atractivos".
Fionnuala Halligan: Screendaily
"Deliciosa y punzante historia del improbable ascenso a la fama de un grupo de hip hop irlandés. Pero sería mucho mejor si supiera qué hacer con Michael Fassbender".
Adam Solomons: IndieWire
"Es una película audaz que anula por completo las expectativas del género del biopic musical (...) Es un acto de pura rebeldía que milagrosamente también sirve de inspiración"
William Bibbiani: The Wrap
"Una película que no teme desnudar para transmitir su mensaje sobre la música y el lenguaje que la hace oír".
Chase Hutchinson: Collider
"La energía contagiosa de la película, el uso de los efectos de cámara, la animación y todo tipo de efectos es tan fascinante y vertiginosa como lo fue cuando Danny Boyle utilizó muchos de los mismos recursos para 'Trainspotting'"
Leslie Felperin: The Hollywood Reporter
♒︎
Trailer VOSE
https://www.dailymotion.com/video/x94fpns
Y me parece a mi
¡Dejad en paz las rodillas de la gente!
Qué alegría ver que en un mundo tan controlado, ridículamente serio, falso y repleto de funcionarios petimetres, aún hay lugar para los iconoclastas. No es difícil empatizar con estos irlandeses rebeldes; hasta el punto de considerar que los pecados que se les imputan (adicciones, tráfico, actitudes macarras...) son chistecillos si los enfrentas con los de aquellos, colgados como distintivos en sus guerreras, de los que presumen los hipócritas que se sienten agredidos.
Tanto Rich Peppiatt, el director, como los chicos de Belfast; cuya banda de Hip-Hop da título a la película, que encubre bajo su traducción (rótula), un término inglés (kneecaping) utilizado en los años de conflicto anticolonial para advertir, con un tiro en la rodilla, que no estabas en el buen camino; utilizan las analogías para cagarse literalmente en las prohibiciones, los sistemas castrantes y los convencionalismos. Aunque utilicen viejas armas para combatir rancias modernidades.
La provocación siempre ha sido un reflejo de que seguimos vivos y viendo a estos jóvenes raperos cabreando a la "corrección política", te da por pensar, tal vez ingenuamente, que no todo está perdido. Aire fresco para pulmones cansados.
