Hacemos un paréntesis, aprovechando estas fechas que otrora fueron jubilosas, para que os saciéis de turrones, luces frías y lentejuelas. Volveremos justo después, el día 7 de Enero, para suministraros un revulsivo (algunos lo llaman chute) con Gaspar Noé como ATS.
Nosotros, en el entreacto, preferimos retirarnos al lugar del que, posiblemente, nunca debiéramos haber salido.
Ahora en serio: Pasadlo bien si no se os ha olvidado.
Filmoteca de Extremadura Programación de cine itinerante por núcleos rurales extremeños en colaboración con CineClub "El Gallinero"
Matthias & Maxime
(Matthias et Maxime)
Jueves 17 de Diciembre
Sala Avenida/Jaraíz
20:30 Horas
DIRECTOR
Xavier Dolan
GUIÓN:Xavier Dolan
MÚSICA:Jean-Michel Blais
FOTOGRAFÍA:André Turpin
REPARTO: Xavier Dolan, Anne Dorval, Pier-Luc Funk, Catherine Brunet, Gabriel D'Almeida Freitas, Antoine Pilon, Marilyn Castonguay, Adib Alkhalidey, Micheline Bernard, Samuel Gauthier
GÉNERO: Drama | Homosexualidad. Amistad
DURACIÓN: 120 Min.
PAÍS:Canadá
SINOPSIS
Dos amigos de la infancia se besan como parte de la filmación de un cortometraje para la universidad. Tras el beso, ambos comienzan a preguntarse cuáles son sus auténticas preferencias sexuales, lo que pone en peligro la estabilidad de sus vínculos sociales.
¿Quién es quién?
Xavier Dolan-Tadros (nacido en 1989- Montreal, Quebec, Canadá) es un actor, productor, director y guionista canadiense.
En 2008, a la edad de 19, dirigió y escribió su primera película,J'ai tué ma mère (Yo maté a mi madre), por la cual ganó tres premios en el Festival de Cannes durante el 2009. El mismo Dolan dijo haber escrito el guion a la edad de dieciséis años, basándose en sus propias vivencias y mezclando las mismas con la ficción.
Su segundo film, Les Amours imaginaires (Los amores imaginarios) se estrenó en el 2010.Para este segundo trabajo, Xavier Dolan ocupó los cargos de director, productor y actor, además de la supervisión de los departamentos de vestuario y dirección de arte. Se estrenó en la categoría Un Certain Regard en el 63 Festival de Cannes, en mayo de 2010 recibiendo una gran ovación. Además, ganó el primer premio de la Official Competition del Sydney Film Festival en junio.
Su tercer largometraje, Laurence Anyways (Laurence, de todas formas) fue estrenado en 2012, donde vuelve a dejar en evidencia su potencial a la hora de mostrarnos en la pantalla historias de amor. Es un drama romántico que cuenta la historia de una mujer transgénero (MTF) y su esposa en la década de 1990.
Mommy (del 2014), ganó el Premio del Jurado en la sección principal de la competencia en el Festival de Cine de Cannes 2014, compartido con la película de Jean-Luc Godard "Adiós al lenguaje" (Adieu au langage). La presidenta del jurado en el festival ese año fue Jane Campion y, al recibir el premio, Dolan dijo: "El Piano [la conocida película de Campion] fue la primera película que vi que realmente definió lo que soy... ella me dio ganas de escribir películas... El simple hecho de estar aquí en este escenario parado ante usted [Jane Campion] es extraordinario."
A los 31 años, el "enfant terrible" del cine canadiense, lleva dirigidos ya 8 largometrajes (los cuatro que nombramos de gran talla), algunos vídeos musicales, e interpretados más de 20 filmes, cortos y anuncios. Hora era que apareciera por el Cineclub alguien que, de no decaer en su afán, hará historia en el mundo del séptimo arte.
A finales de la Edad Media, la joven Margit (Björk) y su hermana mayor Katla huyen a las montañas después de la muerte de su madre, quemada por brujería. Ambas encuentran refugio con Jóhann, un viudo que vive con su hijo pequeño Jónas. Mientras Katla trata de seducir al campesino, Margit y Jónas se hacen buenos amigos. Pero el pequeño está convencido de que Katla es una bruja y la odia profundamente.
¿Quién es quién?
Cuando fuimos brujas es el
título impuesto desde el estreno en Francia —y ahora en España— de la
primera película dirigida, escrita, coproducida y montada por la
norteamericana Nietzchka Keene. Su corta filmografía se completa con el
telefilme Heroine of hell y Barefoot to Jerusalem,
terminada en 2008, cuatro años después de la muerte de la cineasta.
Estos son datos extraídos del dossier de prensa, puesto que hasta hace
poco, la realidad es que había un profundo desconocimiento acerca de
Keene, sumado al olvido tras el pase fugaz de Cuando fuimos brujas
en el Festival de Sundance del 1991. El film, rodado en Islandia desde
finales de los años ochenta hasta 1990, adapta el cuento El árbol de
enebro, relato recopilado en las antologías de los hermanos Grimm. El
método de traslado a la pantalla es la inspiración en el texto que
respeta el argumento principal y básico, al tiempo que transforma los
personajes, sus motivaciones y la estructura lineal de la narración oral
y literaria, enriquecida por un juego de ensoñaciones, recuerdos o
interludios poéticos que amplifican la fuerza del metraje
cinematográfico. A pesar de los cambios en el terreno audiovisual, el
largometraje gana interés por su breve duración que ronda los ochenta
minutos, condensando el espíritu del cuento adaptado sin perder fuerza
en su traslación al celuloide.
La fotografía en blanco y negro
registrada por Randolph Sellars logra una expresividad que no caduca,
casi treinta años después del rodaje. El aspecto invernal, melancólico,
reforzado por el contraste del sol en los escenarios rocosos que
perfilan la grandeza de las montañas o el mar embravecido que limita
como frontera el poblado. Los tonos grises y penumbrosos del agua, en el
río que atraviesa la zona, un caudal siempre turbio y peligroso, capaz
de ocultar cuerpos inertes de personas y animales. El tiempo de la
historia parece un período lejano de la Edad Media a tenor del vestuario
austero, cosido a mano por los personajes, al igual que la iluminación
artificial mediante velas en los interiores domésticos de chozas
antiguas, edificadas entre peñascos y las faldas del monte. Esta textura
visual puede ser tomada como un homenaje a obras de Ingmar Bergman como
El manantial de la doncella o El séptimo sello, pero
la profundidad filosófica del autor sueco no tiene reflejo en una
aproximación más psicológica en el tratamiento de los personajes de las
hermanas.
Cuando fuimos brujas
permanece como una película única, con la entidad suficiente para no
dejarse influir por las referencias atribuidas al ya mencionado Bergman u
otros cineastas de lo reflexivo como Dreyer. Tal vez se podría
emparejar a una producción posterior, El secreto de la isla de las focas
de John Sayles que demuestra más sintonía con la propuesta. También se
recordará el film por ser el primer papel en el cine de Björk,
convincente en la inocencia y magia de su personaje, muy bien integrada
junto al resto del reparto. Por descontado lo que queda es una gran
adaptación de la esencia del cuento tradicional centroeuropeo, elemental
y terrorífico a la vez. Violento y poético como los versos que inician
«Miércoles de ceniza», el poema de TS Elliot que inspira también el
largometraje:
En la época de la inmediatez, del date
prisa que lo nuevo caduca en un pestañeo, nos llega una película hecha a
fuego lento; que ha recorrido más de treinta años para estar entre
nosotros, cuando ya ni siquiera está la mujer que la dió vida.
Obra de fotografía hipnotizadora que nos traslada al grisáceo medievo,
que parece no poderse contar de forma real si no es con la gama de
colores del blanco y el negro.
Desde su título, y posterior planteamiento, Nietzchka Keene reivindica
el justo protagonismo, birlado también a la mujer en aquella época
feudal, cuando las féminas eran fácil pasto de las llamas por venir
forradas con esa envoltura pecaminosa que deslumbraba y confundía a los
"santos inquisidores".
Cuando las cosas no van bien, hay hambre, enfermedades o guerras alguien
ha de resultar culpable; qué mejor que cargar el muerto sobre los más
débiles, los más pobres, los más indefensos... ¡Alguien ha de
sacrificarse!, diría el prelado poniendo un ojo en el cielo y el otro
sobre la hembra más próxima.
El cuento de los Grimm es la excusa de la cineasta para que las hermanas
ocupen el espacio que las corresponde en unos días en que solo eran
visibles cuando eran torturadas o quemadas.
Las supersticiones, enlodadas con la religión, el miedo y el afán de
supervivencia son los resortes que articulan la vida de los personajes.
Solo se huye mínimamente con el sexo y la imaginación; y de forma más
efectiva con la locura o la muerte.
REPARTO: Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta, Alberto San Juan
GÉNERO: Comedia
DURACIÓN: 82 Min.
PAÍS:España
SINOPSIS
Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años
que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que
ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esta noche Ana
ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San
Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y
simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para
Julio y Ana...¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán
una inusual y sorprendente propuesta que convertirà la velada en una
experiencia excesiva y catártica para los cuatro... Adaptación
cinematográfica de 'Los vecinos de arriba', la obra teatral debut de
Cesc Gay.
¿Quién es quién?
Francesc Gay i Puig, más conocido como Cesc Gay (Barcelona, 1967), es un director de cine, guionista y autor teatral español. Debutó como director en 1998, junto con el argentino Daniel Gimelberg, con su obra Hotel Room. En el año 2000 fue elegido para llevar al cine la obra de teatro Krámpack, realizando además su adaptación.
En 2002 fue el creador y responsable de la coordinación de guion de la serie de TV3 Jet lag, realizada por la compañía T de Teatre. En 2003 estrena la película En la ciudad, protagonizada entre otros por Mònica López, Eduard Fernández, María Pujalte y Leonor Watling, con la que consigue el reconocimiento mundial a su trabajo; con ella Eduard Fernández consigue el Premio Goya al mejor actor de reparto, obteniendo tres nominaciones más, para Mónica López como actriz de reparto y para el propio Cesc Gay a la dirección y al guion adaptado.
En 2006 estrenó Ficció (Ficción), protagonizada por Eduard Fernández, Javier Cámara, Montse Germán, Carme Pla y Àgata Roca, y producida por Gerardo Herrero y Marta Esteban. Por esta película fue galardonado con el Premio Nacional de Cine concedido por la Generalidad de Cataluña en 2007.
En 2015 estrenó su primera obra de teatro Els veins de dalt en Barcelona. En 2016 se representó en Madrid, traducida con el título Los vecinos de arriba; su versión cinematográfica es la que hoy nos ocupa en su tercera visita al Cineclub donde lloramos y reímos con: Truman y Una pistola en cada mano
Ejercicio de adaptación a la pantalla de
su propia, y primera, obra de teatro que nos cuenta una reunión de dos
parejas vecinales diametralmente opuestas. Cesc Gay bucea en los
sentimientos de dos relaciones con grados de pasión muy diferentes; una
transita senderos volcánicos y de la otra apenas queda un hilillo de
acomodaticia rutina burguesa.
Como si de una danza iniciática se tratara, la pareja más joven (Salva y
Laura) invade con desparpajo los territorios donde abunda la estéril
grama de la corrección de los bien establecidos (Julio y Ana). La
hipocresía huele a falso Chanel Nº 5 y a excusa construida con
rebuscados términos; el salvajismo del intercambio sexual, del cambio de
parejas, del amor libre..., sabe a desprejuiciados, felices insensatos y
gentes de sospechoso coeficiente intelectual.
Salva es el prototipo del materialismo seminal; Ana es consciente de que
vive en una cárcel con barrotes de oro; Julio es el infeliz que no
quiere cambiar nada por miedo a que todo empeore; y Laura es la inocente
criatura que ve actos de amor en cualquier entrega sin condiciones.
¿Qué puede salir mal en una cena amistosa, donde las propuestas van
desde bajar los decibelios de los jadeos orgásmicos hasta la catártica
solución que pasa por una cama redonda?
Buenas interpretaciones y esclarecedores diálogos.
Una mujer es hallada asesinada en la estepa de Mongolia. Durante una
noche, un policía joven e inexperto tiene que custodiar la escena del
crimen. Dado que desconoce los peligros del lugar, le envían a una
pastora lugareña para protegerle a él y al cadáver. Se trata de una
resuelta mujer, de unos treinta y tantos años, que sabe cómo manejar un
rifle y ahuyentar a los lobos. Ella se encarga de encender una hoguera
para combatir el frío. El alcohol también ayuda a este propósito, así
como la cercanía de los cuerpos que la mujer propicia.
¿Quién es quién?
Wang Quan'an (n. en Shanxi, China; 1965) es un guionista, director y actor de cine.
Actualmente es uno de los directores y guionistas más importantes e influyentes en el mercado cinematográfico chino, abriéndose puertas a la vez en el ámbito internacional. En su cine se refleja la línea que siguen los denominados directores de la Sexta Generaciónde directores chinos.
La "Sexta Generación" es el nombre concedido a un grupo de directores chinos que se graduaron en la Academia de Cine de Beijing y el Instituto Central de Drama a finales de los años 80 y la década de 1990, que incluyen a Wang Xiaoshuai, Lou Ye,
Lu Xuechang, Zhang Yuan, Guan Hu, Li Xin y Jia Zhangke.
La atención de estos directores hacia la sociedad contemporánea y su sorprendente estilo personal les distinguió de la Quinta Generación, encabezada por Zhang Yimou y Chen Kaige.
Como seguidor de este movimiento, Wang Quan’an refleja en sus películas la realidad social china, muchas veces de forma dramática y un poco exagerada. Habla de clases bajas, pone de manifiesto la problemática de la modernización en el país. Habla de la vida de gentes, sobre todo de las mujeres, lo cual le inspira mucho, como por ejemplo en películas como La Boda de Tuya (2006), recordada con gran aprecio por los seguidores del Cineclub, o Fuego de Fénix (2008).
Es la primera película que bajo bandera de Mongolia proyecta el Cineclub, porque si bien toda La boda de Tuya transcurre por estas tierras, es de capital chino; y El perro mongol (Pel. 110), documental de Byambasuren Davaa, muy celebrado también en El Gallinero era producción alemana.
Bueno es que sepamos algo más sobre este remoto territorio:
Mongolia es un país soberano, sin acceso al mar, situado entre las regiones de Asia Oriental y Asia Central. Limita con Rusia al norte y con China al sur. Su capital es Ulán Bator, en donde reside la mitad de la población total.
Esta nación tiene sus raíces en el antiguo Imperio mongol, que dominó gran parte de Asia durante el siglo XIII. Posteriormente perdió su independencia al ser asimilado por Manchuria, desde finales del siglo XVII hasta 1911, año en que recuperó brevemente su independencia, luego en 1919 las tropas chinas ocuparon su capital. En 1921, con la ayuda de la Unión Soviética, volvió a independizarse y tres años más tarde, en 1924, se proclamó la República Popular de Mongolia, adoptando políticas comunistas, considerándose un estado satélite de la Unión Soviética.
Tras la disolución de la URSS en 1991, Mongolia aprobó en 1992 una constitución liberal que marcó la transición a la democracia representativa, cambiando el país a su nombre actual.
Es el decimonoveno país más grande, con 1 564 116 kilómetros cuadrados, pero también el menos densamente poblado del mundo: el país está dominado por estepas y montañas al norte y oeste, y el desierto de Gobi al sur. De los 3,1 millones de habitantes, existe una alta tasa de nómadas y seminómadas, que ronda un 30%.
Un 90% de los habitantes son de la etnia mongol, con una minoría de etnias túrquicas como el kazajo. El budismo tibetano es la religión mayoritaria del país, siendo junto con Bután las únicas naciones independientes donde esta religión es predominante.
Y me parece a mi
Las mujeres son los árboles de la estepa
La sencillez elevada a la máxima potencia.
Cuando hay tanta verdad y naturalidad, los artificios, e incluso los
guiones, sobran. Rechinarían de forma desagradable en la historia que
nos propone Wang Quan’an, director chino de orígen mongol, que ya situó
por estas latitudes esteparias “La boda de Tuya”, triunfadora en Berlín
2006.
Con una cámara objetiva y unos actores que no lo son, es suficiente para
mostrar una manera de vivir que se nos antoja envidiable a quienes
estamos sumergidos en el mar de las prisas y perdidos en el laberinto de
las imposibles satisfacciones.
Un cadáver en medio de ninguna parte, rebaños de ovejas y de durísimos
caballitos, un camello gigantesco que sirve de montura y de pared,
profundas amistades de una noche, una mujer que hunde sus raíces en el
último día de los dinosaurios y aspira a prolongarse en el tiempo
haciendo fértiles los huevos petrificados, un centauro con ruedas
zigzagueando por las inmensas llanuras heladas, policías desarmados,
pocas palabras, muchas miradas, corazones parados con la mano, nacencias
a golpe de un soplido... Solo vida, entre unos amaneceres que hielan la
sangre y unos atardeceres que encienden a lo lejos las hierbas blancas;
ambos salvajes, ambos gemelos.
Disfruta de la filosofía de un pueblo que se resiste a ser extinguido y
al que aún le sobran tiempo y generosidad para darnos unas clases de
sabiduría y coherencia.
GUIÓN:Walter Campbell,Jonathan Glazer (Novela: Michel Faber)
MÚSICA: Mica Levi
FOTOGRAFÍA:Dan Landin
REPARTO:Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson
GÉNERO: Ciencia ficción. Drama | Drama psicológico. Extraterrestres. Película de culto
DURACIÓN:108 Min. PAÍS:Reino Unido
SINOPSIS
En esta adaptación de la novela homónima de Michel Faber, Scarlett
Johansson interpreta a una extraterrestre con apariencia de mujer que
deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y
confiados a un destino fatal. La película que se estrenó hace siete años, en Reino Unido, no había llegado aún a los cines españoles.
¿Quién es quién?
Jonathan Glazer (Londres-1965) es un director de cine inglés, cuyo trabajo como director incluye largometrajes, videos musicales y anuncios publicitarios.
Glazer nació en una familia judía, y estudió en una escuela judía. Después de estudiar diseño de teatro en la Universidad de Nottingham Trent, Glazer comenzó a dirigir teatro y hacer tráileres de cine y televisión, incluyendo galardonados trabajos para la BBC.
En 1993 escribió y dirigió tres cortometrajes (Mad, Pool y Commission), y se unió a Academy Commercials, una compañía de producción con sede en Londres.
En 2000, dirigió su primer largometraje, la película de gánsteres británica Sexy Beast, protagonizada por Ray Winstone y Ben Kingsley. En 2004 dirigió su segundo largometraje Reencarnación, protagonizado por Nicole Kidman, en los Estados Unidos. En 2013 dirigió Under the Skin, una adaptación libre de la novela del mismo nombre de Michel Faber protagonizada por Scarlett Johansson. La película se estrenó en el Festival de Cine de Telluride 2013 y recibió un estreno en 2014, obteniendo críticas positivas.
Scarlett Ingrid Johansson (Nueva York-1984) es una actriz, cantante y modelo estadounidense.
Johansson creció en un hogar con «poco dinero», y con una madre que era una «cinéfila». Ella y su hermano mellizo asistieron a la escuela primaria en el barrio de clase media-alta de Greenwich Village, en Manhattan. Johansson comenzó su formación teatral asistiendo y graduándose de la Professional Children's School en Manhattan en el año 2002.
Es la cuarta vez que esta rutilante estrella ha tenido a bien asomarse por El Gallinero. Antes de cumplir los 18 años apareció por la Sala Avenida de la mano de los Coen: El hombre que nunca estuvo allí ; más tarde, junto a Woody Allen nos deslumbró con la muy recordada:Match Point; para cautivarnos junto a Joaquín Phoenix, esta vez solo con su voz, en Her de Spize Jonze.
Y me parece a mi
Ultracuerpos vestidos con cuero de primera
Bajo la piel de una hermosa y misteriosa
mujer, que traslada confiados autoestopitas a una dimensión desconocida,
se halla el cuerpo de un ser extraterrestre cumpliendo una misión en la
tierra; concretamente en tierras escocesas.
El director inglés Jonathan Glazer aprovechó la novela del escritor
neerlandés Michel Faber: Under the Skin, publicada en el 2.000, para
llevar en el 2013 a las pantallas su versión sobre este relato de
ciencia-ficción, impregnado de metafísica. Precisamente la materia
especulativa conque está fabricada la historia, convierte a esta en un
errático viaje introspectivo de difícil digestión.
Hay algo en todo el conjunto (puesta en escena, música, iluminación...)
que a la par que te resulta incómodo te atrae, lo mismo que deben sentir
los insectos que circundan las telarañas; lo mismo que sentirán los
hombres de esta ficción ante la presencia de un ser tan especial, oculto
tras el envoltorio espectacular de una irresistible "mantis religiosa"
(Scarlett Johansson).
Y aunque de forma poco explícita, no es menor el mensaje que el director
intenta trasladar sobre la inconsistencia de la condición humana, la
parte más oscura de la sexualidad y nuestra extrema debilidad ante
cualquier agente extraño y exterior, lo que nuestros abuelos llamaban un
forastero.
Queda también bastante claro,
según los creadores de esta fábula, que los valores que un visitante
interplanetario encontraría en la Tierra serían residuales; vamos, lo
que nosotros denominaríamos poco interesante o basurilla.
REPARTO:Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, Jan-Eje Ferling, Thore Flygel, Stefan Karlsson, Bengt Bergius, Marie Burman, Amanda Davies, Karin Engman, Lotta Forsberg, Göran Holm, Lars Lundgren, Stefan Palmqvist, Vanja Rosenberg, André Vaara, Magnus Wallgren
GÉNERO: Drama
DURACIÓN:76 Min. PAÍS: Suecia
SINOPSIS
Inspirada en el cuento de "Las mil y una noches", la celebrada colección
de historias de oriente medio y de historia india, la película busca
ser una yuxtaposición de las distintas etapas que un ser humano
atraviesa en la vida. Desde los momentos más preciosos de la existencia
hasta el despertar intelectual que nos lleva a tratar de guardar la vida
como un tesoro y a compartirla con aquellos a los que amamos.
Roy Arne Lennart Andersson (Gotemburgo-1943), conocido como Roy Andersson, es un director de cine, productor y publicista sueco.
Su cine, siempre preocupado por la condición humana, es calificado como comedia y tragicomedia surrealista que llega a rozar el esperpento. Roy Andersson tiene una visión de la vida plagada de humor absurdo y a veces macabro con claros elementos psicológicos y una sutil crítica social.
Sus películas: Comienza conEn kärlekshistoria ( Una historia de amor o Una historia de amor sueca), 1970, neorrealista, que el propio autor considera como su favorita. Siguió con el drama existencial Giliap (1975) que no tuvo éxito y que quebró la continuidad de Andersson.
Se especializó en cortos comerciales publicitarios -anuncios- con los que tuvo éxito y fundó en 1980 su propia productora, Studio 24, lo que le ha proporcionado un absoluto control creativo sobre sus producciones que se manifestará en la trilogía: Canciones desde el segundo piso, La comedia de la vida y Una paloma se posó sobre una rama a reflexionar sobre la existencia, donde logra consolidar su estilo personal, caracterizado por escenas independientes y tomas largas. Este lenguaje cinematográfico se convirtió en el sello distintivo de sus películas consideradas como extravagantes y aclamadas en esta trilogía que realizó durante la primera década del 2000. Por su singularidad, es una figura muy apreciada en los Festivales de Cine, habiendo conseguido entre otros, el León de oro en el Festival de cine de Venecia 2014 (Una paloma...)
A pesar de ser también sueco Andersson manifesto, respecto a Ingmar Bergman:
Respeto muchísimo a (Ingmar) Bergman. Pero efectivamente no es lo mío. ¿Qué es la vida sin una sonrisa? Bastante poco dura esto como para encima pasarlo de mal humor.
Ha declarado sobre el pintor Francisco de Goya: "se convirtió en mi principal influencia como creador." Otras influencias que el mismo señala son el director de cine Luis Buñuel y los pintores Pieter Brueghel el Viejo, Honoré Daumier y Otto Dix.
Todos sus actores son secundarios, no profesionales en su mayoría y, salvo raras excepciones, no repiten ni en sus películas ni en el mundo del cine en general.
Es un honor para el Cineclub contar con este sueco tan extraño y original que rompe con cualquier estereotipo artístico y social, y que en todas sus obras muestra un profundísimo sentido del humor, que suele ascender desde el intestino grueso hasta los labios para convertirse en mueca o rictus, más que en sonrisa. A menos que seas de los pocos capaces de reírse de si mismo, y hayas asumido que la condición humana gusta de juguetear en el estercolero de la vida.
Y me parece a mi
Es científico: La estupidez humana es infinita.
Me siento muy conectado con la obra de Roy
Andersson, con su sentido del humor vitriólico, con sus recurrentes
cuadros costumbristas sobre los aspectos ridículos de la condición
humana, con esa infinidad de detalles que nos convierten en seres
patéticos y, aún así, dignos de misericordia.
La eternidad de lo cotidiano, o la cotidianidad de lo eterno, nos
convierte en seres grises que giran alrededor de la noria: repitiendo
errores, tropezando en lo consabido, mintiéndonos a nosotros mismos con
poca convicción...
Podría parecer que con los elementos que viste sus películas, el
minimalista director sueco cierra las puertas a cualquier esperanza,
pero lo cierto es que encajas con sosiego todas sus pullas, e incluso
sales reconfortado de la sala, pensando que este hombre nos muestra
caminos que no deberíamos transitar, si consideramos que tras los
túneles, los días sin sol y la irrespirable atmósfera metálica, se
encuentran hilillos de felicidad que pueden acercarte a la luz y el
calor.
En esta ocasión, como en otras, los cuentos cortos de Roy, como los que
permitían a Sherezade seguir viva, nos alumbran, conociendo las
experiencias de nuestros congéneres, para huir del adocenamiento y la
inercia absurda de la vida.
Sería injusto considerar que un tipo tan original como R. Andersson está
haciendo apología de un modelo tan mediocre de supervivencia y que,
ante una naturaleza tan poco maleable como la del ser humano, se está
haciendo el sueco (permítaseme el chiste).
REPARTO:Andrea Fandós, Natalia de Molina, Carlota Gurpegui, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón, Álvaro de Paz, Mercè Mariné, Jesusa Andany, Maite Sequeira, Laura Gómez-Lacueva, Leonor Bruna, Mariano Anós, Eva Magaña, Amelia Ríus
GÉNERO:Drama | Infancia. Adolescencia. Años 90. Colegios & Universidad
DURACIÓN: 100 Min. PAÍS:España
SINOPSIS
Año 1992. Celia, una niña de 11 años, vive con su madre y estudia en un
colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada
de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la
adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas
del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y
algunas mentiras.
¿Quién es quién?
Pilar Palomero (Zaragoza-1980) es una cineasta y escritora española, reconocida con premios como la Biznaga de Oro por su película Las niñas.
Pilar Palomero estudió en la Universidad de Zaragoza y en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, la ECAM, donde se graduó en 2006 como directora de fotografía. Trabajó como escritora y guionista de cine y audiovisuales. Además fue profesora en esas mismas especialidades, escritura y dirección de guiones y audiovisuales.
En 2013 se trasladó a Bosnia y Herzegovina y estudió un Máster en Dirección de Cine en la Film Factory en 2013, dirigido por el cineasta húngaro Béla Tarr en la ciudad de Sarajevo. Comenzó a realizar cortos, documentales, ensayos, junto a directoras como Carla Simón en Generation Kplus.
Respecto a su película: Las niñas, cuenta como a partir de una relectura del cuaderno de apuntes de Religión de 1992, cuando estudió sexto de EGB, hilvanó el guion. Rescata frases textuales como "la sexualidad está al servicio del amor" que utiliza para escribir la película. El contraste entre los eventos internacionales de ese año, la Exposición Universal de Sevilla o los Juegos Olímpicos de Barcelona con el mensaje que llegaba, a ella y sus compañeras de colegio, la sitúa en la realidad de la educación recibida.
Palomero ha realizado documentales, participando en el montaje, dirección o como guionista. Entre sus trabajos fílmicos destacan Niño balcón realizada en 2009, Chan Chan de 2012, Noé de 2015, al año siguiente La noche de todas las cosas, de 2017 Zimsko Sunce y Horta, y Agenda 1958 de 2019.
El deseo de transmitir emociones, el salto de la niñez a la madurez, es lo que impulsa a Palomero a dar el salto del documental a la ficción.
Natalia de Molina (Linares-Jaén-1990) Ganadora de dos Premios Goya (Vivir es fácil con los ojos cerrados (David Trueba) y Techo y comida (Juan Miguel del Castillo), es de sobra conocida en nuestro Cineclub, al que regresa por cuarta vez tras las dos premiadas, reseñadas con anterioridad, y Quién te cantará(Carlos Vermut).
Y me parece a mi
Las educadoras maleducadas
Pudiera parecer que la sociedad española
de 1992: diecisiete años tras la muerte de Franco, más de un lustro
después de La Movida, con una Expo Universal y Olimpiadas en marcha, con
el "póntelo, pónselo" fuera ya de moda..., estaba alejada de la larga
noche de la dictadura; pero los viscosos y coercitivos tentáculos de la
rancia educación, máxime si se mantiene la influencia eclesiástica, son
difíciles de amputar; e incluso tienden a una regeneración defensiva
como la hidra.
Un colegio de monjas, que oyeron la llamada del Señor en los años que
Carmen Polo atracaba impunemente joyerías (de ahí lo de la Collares), no
es el mejor sitio para abrir los ojos a la verdad a las niñas que se
encaminan, sin remedio, a la adolescencia.
Pilar Palomero, la directora, estaba entre aquellas inocentes que muy
pronto dejarían de serlo y este, su primer largometraje, es un
testimonio de ello.
La crónica de un país tan próxima y aún con el pestazo a "cerrado y
sacristía" trasciende unos niveles incontestables de autenticidad. La
memoria no puede engañar a una mujer de cuarenta años cuando escribe
sobre lo sucedido hace veintitantos, apoyándose aún en sus cuadernos
escolares.
No, este país ni tuvo ni desgraciadamente tiene esos óptimos niveles de
libertad democrática y preparación, discurso con el que una mayoría de
políticos martillean pertinazmente las quejas de algunos inconformistas
sobre militares, jueces y eclesiásticos. Aún hoy, sigue habiendo
claramente dos Españas: la que debería ser de todos y la que es de unos
pocos.
Hemos crecido con déficits que deberíamos habernos ahorrado: la
infelicidad de las criaturas más cándidas, los traumas por enseñanzas
fallidas, los miedos al pecado y el infierno, los silencios y las
culpabilidades... No permitamos que los futuros angelitos caigan en los
mismos errores.
spoiler:
Que esta ópera prima de la
zaragozana, que se presenta a los Goya 2020 con muchas opciones, sirva
al menos para contraponer modelos educativos, rechazando algunos que ya
conocemos por inservibles. Y si no se nos ocurre nada mejor podríamos
volver a intentarlo con la ILE [Institución Libre de Enseñanza
(1876-1939)]. Con un proyecto pedagógico de estas características,
nuestras niñas de 1992, no habrían estudiado segregadas ni hubiera
podido introducir la religión postulado alguno.