jueves, 24 de diciembre de 2020

 Hacemos un paréntesis, aprovechando estas fechas que otrora fueron jubilosas, para que os saciéis de turrones, luces frías y lentejuelas. Volveremos justo después, el día 7 de Enero, para suministraros un revulsivo (algunos lo llaman chute) con Gaspar Noé como ATS.



Nosotros, en el entreacto, preferimos retirarnos al lugar del que, posiblemente, nunca debiéramos haber salido. 

Ahora en serio: Pasadlo bien si no se os ha olvidado.

lunes, 14 de diciembre de 2020

Película 526 # Año XVIII


Filmoteca de Extremadura
Programación de cine itinerante por  núcleos rurales extremeños en colaboración con 
CineClub "El Gallinero"

 

Matthias & Maxime

(Matthias et Maxime)

Jueves 17 de Diciembre

Sala Avenida/Jaraíz

20:30 Horas
 
 

DIRECTOR

Xavier Dolan
 
GUIÓN: Xavier Dolan 
 
MÚSICA: Jean-Michel Blais
 
FOTOGRAFÍA: André Turpin
 
REPARTO:  Xavier Dolan, Anne Dorval, Pier-Luc Funk, Catherine Brunet, Gabriel D'Almeida Freitas, Antoine Pilon, Marilyn Castonguay, Adib Alkhalidey, Micheline Bernard, Samuel Gauthier  
 
GÉNERO:  Drama | Homosexualidad. Amistad
 
DURACIÓN: 120 Min.     
 
 PAÍS: Canadá

 

SINOPSIS

Dos amigos de la infancia se besan como parte de la filmación de un cortometraje para la universidad. Tras el beso, ambos comienzan a preguntarse cuáles son sus auténticas preferencias sexuales, lo que pone en peligro la estabilidad de sus vínculos sociales.
 

¿Quién es quién?
 
Xavier Dolan-Tadros (nacido en 1989- Montreal, Quebec, Canadá) es un actor, productor, director y guionista canadiense.

En 2008, a la edad de 19, dirigió y escribió su primera película, J'ai tué ma mère (Yo maté a mi madre), por la cual ganó tres premios en el Festival de Cannes durante el 2009. El mismo Dolan dijo haber escrito el guion a la edad de dieciséis años, basándose en sus propias vivencias y mezclando las mismas con la ficción.


Su segundo film, Les Amours imaginaires (Los amores imaginarios) se estrenó en el 2010.Para este segundo trabajo, Xavier Dolan ocupó los cargos de director, productor y actor, además de la supervisión de los departamentos de vestuario y dirección de arte. Se estrenó en la categoría Un Certain Regard en el 63 Festival de Cannes, en mayo de 2010 recibiendo una gran ovación. Además, ganó el primer premio de la Official Competition del Sydney Film Festival en junio. 
Su tercer largometraje, Laurence Anyways (Laurence, de todas formas) fue estrenado en 2012, donde vuelve a dejar en evidencia su potencial a la hora de mostrarnos en la pantalla historias de amor. Es un drama romántico que cuenta la historia de una mujer transgénero (MTF) y su esposa en la década de 1990.
Mommy (del 2014), ganó el Premio del Jurado en la sección principal de la competencia en el Festival de Cine de Cannes 2014, compartido con la película de Jean-Luc Godard "Adiós al lenguaje" (Adieu au langage). La presidenta del jurado en el festival ese año fue Jane Campion y, al recibir el premio, Dolan dijo: "El Piano [la conocida película de Campion] fue la primera película que vi que realmente definió lo que soy... ella me dio ganas de escribir películas... El simple hecho de estar aquí en este escenario parado ante usted [Jane Campion] es extraordinario."  

A los 31 años, el "enfant terrible" del cine canadiense, lleva dirigidos ya 8 largometrajes (los cuatro que nombramos de gran talla), algunos vídeos musicales, e interpretados más de 20 filmes, cortos y anuncios. Hora era que apareciera por el Cineclub alguien que, de no decaer en su afán, hará historia en el mundo del séptimo arte.





 28 espectadores


 


sábado, 12 de diciembre de 2020

Película 525 # Año XVIII

 Cuando Fuimos Brujas

(The Juniper Tree)

Miércoles 16 de Diciembre/2020

Sala Avenida/Jaraíz

20:30 Horas 


DIRECTORA
 
Nietzchka Keene
 
GUIÓN: Nietzchka Keene  
 
MÚSICA: Larry Lipkis
 
FOTOGRAFÍA: Randolph Sellars
 
REPARTO: Björk, Bryndis Petra Bragadóttir, Valdimar Örn Flygenring, Geirlaug Sunna Þormar, Gudrun Gildottir
 
GÉNERO: Drama. Fantástico | Brujería. Edad Media 
 
DURACIÓN: 78 Min.
 
PAÍS: Islandia 
 
 

SINOPSIS

A finales de la Edad Media, la joven Margit (Björk) y su hermana mayor Katla huyen a las montañas después de la muerte de su madre, quemada por brujería. Ambas encuentran refugio con Jóhann, un viudo que vive con su hijo pequeño Jónas. Mientras Katla trata de seducir al campesino, Margit y Jónas se hacen buenos amigos. Pero el pequeño está convencido de que Katla es una bruja y la odia profundamente.
 
 

¿Quién es quién?

Cuando fuimos brujas es el título impuesto desde el estreno en Francia —y ahora en España— de la primera película dirigida, escrita, coproducida y montada por la norteamericana Nietzchka Keene. Su corta filmografía se completa con el telefilme Heroine of hell y Barefoot to Jerusalem, terminada en 2008, cuatro años después de la  muerte de la cineasta. Estos son datos extraídos del dossier de prensa, puesto que hasta hace poco, la realidad es que había un profundo desconocimiento acerca de Keene, sumado al olvido tras el pase fugaz de Cuando fuimos brujas en el Festival de Sundance del 1991. El film, rodado en Islandia desde finales de los años ochenta hasta 1990, adapta el cuento El árbol de enebro, relato recopilado en las antologías de los hermanos Grimm. El método de traslado a la pantalla es la inspiración en el texto que respeta el argumento principal y básico, al tiempo que transforma los personajes, sus motivaciones y la estructura lineal de la narración oral y literaria, enriquecida por un juego de ensoñaciones, recuerdos o interludios poéticos que amplifican la fuerza del metraje cinematográfico. A pesar de los cambios en el terreno audiovisual, el largometraje gana interés por su breve duración que ronda los ochenta minutos, condensando el espíritu del cuento adaptado sin perder fuerza en su traslación al celuloide.

La fotografía en blanco y negro registrada por Randolph Sellars logra una expresividad que no caduca, casi treinta años después del rodaje. El aspecto invernal, melancólico, reforzado por el contraste del sol en los escenarios rocosos que perfilan la grandeza de las montañas o el mar embravecido que limita como frontera el poblado. Los tonos grises y penumbrosos del agua, en el río que atraviesa la zona, un caudal siempre turbio y peligroso, capaz de ocultar cuerpos inertes de personas y animales. El tiempo de la historia parece un período lejano de la Edad Media a tenor del vestuario austero, cosido a mano por los personajes, al igual que la iluminación artificial mediante velas en los interiores domésticos de chozas antiguas, edificadas entre peñascos y las faldas del monte. Esta textura visual puede ser tomada como un homenaje a obras de Ingmar Bergman como El manantial de la doncella o El séptimo sello, pero la profundidad filosófica del autor sueco no tiene reflejo en una aproximación más psicológica en el tratamiento de los personajes de las hermanas.

Cuando fuimos brujas permanece como una película única, con la entidad suficiente para no dejarse influir por las referencias atribuidas al ya mencionado Bergman u otros cineastas de lo reflexivo como Dreyer. Tal vez se podría emparejar a una producción posterior, El secreto de la isla de las focas de John Sayles que demuestra más sintonía con la propuesta. También se recordará el film por ser el primer papel en el cine de Björk, convincente en la inocencia y magia de su personaje, muy bien integrada junto al resto del reparto. Por descontado lo que queda es una gran adaptación de la esencia del cuento tradicional centroeuropeo, elemental y terrorífico a la vez. Violento y poético como los versos que inician «Miércoles de ceniza», el poema de TS Elliot que inspira también el largometraje:

«Bajo un árbol de enebro, cantaban esparcidos

los huesos relucientes»

             (Texto recogido de Pablo Vázquez Pérez- Cinemaldito


Y me parece a mi

Ser cuervo para ser libre

En la época de la inmediatez, del date prisa que lo nuevo caduca en un pestañeo, nos llega una película hecha a fuego lento; que ha recorrido más de treinta años para estar entre nosotros, cuando ya ni siquiera está la mujer que la dió vida.
Obra de fotografía hipnotizadora que nos traslada al grisáceo medievo, que parece no poderse contar de forma real si no es con la gama de colores del blanco y el negro.
Desde su título, y posterior planteamiento, Nietzchka Keene reivindica el justo protagonismo, birlado también a la mujer en aquella época feudal, cuando las féminas eran fácil pasto de las llamas por venir forradas con esa envoltura pecaminosa que deslumbraba y confundía a los "santos inquisidores".
Cuando las cosas no van bien, hay hambre, enfermedades o guerras alguien ha de resultar culpable; qué mejor que cargar el muerto sobre los más débiles, los más pobres, los más indefensos... ¡Alguien ha de sacrificarse!, diría el prelado poniendo un ojo en el cielo y el otro sobre la hembra más próxima.

El cuento de los Grimm es la excusa de la cineasta para que las hermanas ocupen el espacio que las corresponde en unos días en que solo eran visibles cuando eran torturadas o quemadas.
Las supersticiones, enlodadas con la religión, el miedo y el afán de supervivencia son los resortes que articulan la vida de los personajes. Solo se huye mínimamente con el sexo y la imaginación; y de forma más efectiva con la locura o la muerte.
Jaht





lunes, 7 de diciembre de 2020

Película 524 # Año XVIII

Sentimental 

Jueves 10 de Diciembre/2020

Sala Avenida/Jaraíz

20:30 Horas




DIRECTOR

Cesc Gay 

GUIÓN: Cesc Gay (Obra: Cesc Gay)
 
FOTOGRAFÍA: Andreu Rebés
 
REPARTO:  Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta, Alberto San Juan 
 
GÉNERO: Comedia
 
DURACIÓN: 82 Min.
 
PAÍS: España 






SINOPSIS

Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esta noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana...¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirà la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro... Adaptación cinematográfica de 'Los vecinos de arriba', la obra teatral debut de Cesc Gay.
 
 

 
¿Quién es quién?
 
Francesc Gay i Puig, más conocido como Cesc Gay (Barcelona, 1967), es un director de cine, guionista y autor teatral español. Debutó como director en 1998, junto con el argentino Daniel Gimelberg, con su obra Hotel Room. En el año 2000 fue elegido para llevar al cine la obra de teatro Krámpack, realizando además su adaptación.

En 2002 fue el creador y responsable de la coordinación de guion de la serie de TV3 Jet lag, realizada por la compañía T de Teatre. En 2003 estrena la película En la ciudad, protagonizada entre otros por Mònica López, Eduard Fernández, María Pujalte y Leonor Watling, con la que consigue el reconocimiento mundial a su trabajo; con ella Eduard Fernández consigue el Premio Goya al mejor actor de reparto, obteniendo tres nominaciones más, para Mónica López como actriz de reparto y para el propio Cesc Gay a la dirección y al guion adaptado.

En 2006 estrenó Ficció (Ficción), protagonizada por Eduard Fernández, Javier Cámara, Montse Germán, Carme Pla y Àgata Roca, y producida por Gerardo Herrero y Marta Esteban. Por esta película fue galardonado con el Premio Nacional de Cine concedido por la Generalidad de Cataluña en 2007.

En 2015 estrenó su primera obra de teatro Els veins de dalt en Barcelona.​ En 2016 se representó en Madrid, traducida con el título Los vecinos de arriba; su versión cinematográfica es la que hoy nos ocupa en su tercera visita al Cineclub donde lloramos y reímos con: Truman y Una pistola en cada mano  



Dificilmente olvidables son: 

Javier Cámara Rodríguez (Albelda de Iregua, La Rioja- 1967), a punto de entrar en el Club de los Diez (al que pertenecen quienes han pasado al menos una decena de veces por nuestra cofradía avícola): Malas temporadas, La vida secreta de las palabras, Alatriste, Una pistola en cada mano, Vivir es fácil con los ojos cerrados y Truman

Belén Cuesta Llamas (Sevilla-1984): Ventajas de viajar en tren

Alberto San Juan Guijarro (Madrid-1968): Una pistola en cada mano y Casual Day




53 espectadores

sábado, 5 de diciembre de 2020

Película 523 # Año XVIII



El Huevo del Dinosaurio

(Öndög)

Miércoles 9 de Diciembre/2020

Sala Avenida / Jaraíz

20:30 Horas 


 

 

DIRECTOR

Wang Quan'an

GUIÓN: Wang Quan'an

FOTOGRAFÍA: Aymerick Pilarski

REPARTO:  Dulamjav Enkhtaivan, Aorigeletu, Norovsambuu, Gangtemuer Arild 

GÉNERO: Drama

DURACIÓN: 100 Min.

PAÍS: Mongolia





SINOPSIS

Una mujer es hallada asesinada en la estepa de Mongolia. Durante una noche, un policía joven e inexperto tiene que custodiar la escena del crimen. Dado que desconoce los peligros del lugar, le envían a una pastora lugareña para protegerle a él y al cadáver. Se trata de una resuelta mujer, de unos treinta y tantos años, que sabe cómo manejar un rifle y ahuyentar a los lobos. Ella se encarga de encender una hoguera para combatir el frío. El alcohol también ayuda a este propósito, así como la cercanía de los cuerpos que la mujer propicia.

 



¿Quién es quién?

Wang Quan'an (n. en Shanxi, China; 1965) es un guionista, director y actor de cine.

Actualmente es uno de los directores y guionistas más importantes e influyentes en el mercado cinematográfico chino, abriéndose puertas a la vez en el ámbito internacional. En su cine se refleja la línea que siguen los denominados directores de la Sexta Generación de directores chinos.
 La "Sexta Generación" es el nombre concedido a un grupo de directores chinos que se graduaron en la Academia de Cine de Beijing y el Instituto Central de Drama a finales de los años 80 y la década de 1990, que incluyen a Wang Xiaoshuai, Lou Ye,
Lu Xuechang, Zhang Yuan, Guan Hu, Li Xin y Jia Zhangke.

La atención de estos directores hacia la sociedad contemporánea y su sorprendente estilo personal les distinguió de la Quinta Generación, encabezada por Zhang Yimou y Chen Kaige.

Como seguidor de este movimiento, Wang Quan’an refleja en sus películas la realidad social china, muchas veces de forma dramática y un poco exagerada. Habla de clases bajas, pone de manifiesto la problemática de la modernización en el país. Habla de la vida de gentes, sobre todo de las mujeres, lo cual le inspira mucho, como por ejemplo en películas como La Boda de Tuya (2006), recordada con gran aprecio por los seguidores del Cineclub, o Fuego de Fénix (2008).
 
Es la primera película que bajo bandera de Mongolia proyecta el Cineclub, porque si bien toda La boda de Tuya transcurre por estas tierras, es de capital chino; y El perro mongol (Pel. 110), documental de Byambasuren Davaa, muy celebrado también en El Gallinero era producción alemana.
 
 

 Bueno es que sepamos algo más sobre este remoto territorio:
  
Mongolia es un país soberano, sin acceso al mar, situado entre las regiones de Asia Oriental y Asia Central. Limita con Rusia al norte y con China al sur. Su capital es Ulán Bator, en donde reside la mitad de la población total.

Esta nación tiene sus raíces en el antiguo Imperio mongol, que dominó gran parte de Asia durante el siglo XIII. Posteriormente perdió su independencia al ser asimilado por Manchuria, desde finales del siglo XVII hasta 1911, año en que recuperó brevemente su independencia, luego en 1919 las tropas chinas ocuparon su capital. En 1921, con la ayuda de la Unión Soviética, volvió a independizarse y tres años más tarde, en 1924, se proclamó la República Popular de Mongolia, adoptando políticas comunistas, considerándose un estado satélite de la Unión Soviética.​ 
Tras la disolución de la URSS en 1991, Mongolia aprobó en 1992 una constitución liberal que marcó la transición a la democracia representativa, cambiando el país a su nombre actual.

Es el decimonoveno país más grande, con 1 564 116 kilómetros cuadrados,​ pero también el menos densamente poblado del mundo: el país está dominado por estepas y montañas al norte y oeste, y el desierto de Gobi al sur. De los 3,1 millones de habitantes, existe una alta tasa de nómadas y seminómadas, que ronda un 30%. 
Un 90% de los habitantes son de la etnia mongol, con una minoría de etnias túrquicas como el kazajo. El budismo tibetano es la religión mayoritaria del país, siendo junto con Bután las únicas naciones independientes donde esta religión es predominante.    





Y me parece a mi

Las mujeres son los árboles de la estepa

La sencillez elevada a la máxima potencia. Cuando hay tanta verdad y naturalidad, los artificios, e incluso los guiones, sobran. Rechinarían de forma desagradable en la historia que nos propone Wang Quan’an, director chino de orígen mongol, que ya situó por estas latitudes esteparias “La boda de Tuya”, triunfadora en Berlín 2006.
Con una cámara objetiva y unos actores que no lo son, es suficiente para mostrar una manera de vivir que se nos antoja envidiable a quienes estamos sumergidos en el mar de las prisas y perdidos en el laberinto de las imposibles satisfacciones.

Un cadáver en medio de ninguna parte, rebaños de ovejas y de durísimos caballitos, un camello gigantesco que sirve de montura y de pared, profundas amistades de una noche, una mujer que hunde sus raíces en el último día de los dinosaurios y aspira a prolongarse en el tiempo haciendo fértiles los huevos petrificados, un centauro con ruedas zigzagueando por las inmensas llanuras heladas, policías desarmados, pocas palabras, muchas miradas, corazones parados con la mano, nacencias a golpe de un soplido... Solo vida, entre unos amaneceres que hielan la sangre y unos atardeceres que encienden a lo lejos las hierbas blancas; ambos salvajes, ambos gemelos.

Disfruta de la filosofía de un pueblo que se resiste a ser extinguido y al que aún le sobran tiempo y generosidad para darnos unas clases de sabiduría y coherencia.
Jaht







domingo, 29 de noviembre de 2020

Película 522 # Año XVIII

Under the Skin  

Jueves 5 de Noviembre

Sala Avenida  Jaraíz

20:30 Horas

 

 

DIRECTOR

Jonathan Glazer

GUIÓN:  Walter Campbell, Jonathan Glazer (Novela: Michel Faber)
 
MÚSICA: Mica Levi
 
FOTOGRAFÍA: Dan Landin
 
REPARTO: Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson
 
 GÉNERO: Ciencia ficción. Drama | Drama psicológico. Extraterrestres. Película de culto 
 
DURACIÓN: 108 Min.     PAÍS: Reino Unido 



SINOPSIS

En esta adaptación de la novela homónima de Michel Faber, Scarlett Johansson interpreta a una extraterrestre con apariencia de mujer que deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y confiados a un destino fatal. La película que se estrenó hace siete años, en Reino Unido, no había llegado aún a los cines españoles.



¿Quién es quién?

Jonathan Glazer (Londres-1965)​ es un director de cine inglés, cuyo trabajo como director incluye largometrajes, videos musicales y anuncios publicitarios. 
Glazer nació en una familia judía, y estudió en una escuela judía. Después de estudiar diseño de teatro en la Universidad de Nottingham Trent, Glazer comenzó a dirigir teatro y hacer tráileres de cine y televisión, incluyendo galardonados trabajos para la BBC.
  En 1993 escribió y dirigió tres cortometrajes (Mad, Pool y Commission), y se unió a Academy Commercials, una compañía de producción con sede en Londres.

En 2000, dirigió su primer largometraje, la película de gánsteres británica Sexy Beast, protagonizada por Ray Winstone y Ben Kingsley.​ En 2004 dirigió su segundo largometraje Reencarnación, protagonizado por Nicole Kidman, en los Estados Unidos.
En 2013 dirigió Under the Skin, una adaptación libre de la novela del mismo nombre de Michel Faber protagonizada por Scarlett Johansson. La película se estrenó en el Festival de Cine de Telluride 2013 y recibió un estreno en 2014, obteniendo críticas positivas.​
 
 
Scarlett Ingrid Johansson (Nueva York-1984) es una actriz, cantante y modelo estadounidense.
Johansson creció en un hogar con «poco dinero»,​ y con una madre que era una «cinéfila». Ella y su hermano mellizo asistieron a la escuela primaria en el barrio de clase media-alta de Greenwich Village, en Manhattan.​ Johansson comenzó su formación teatral asistiendo y graduándose de la Professional Children's School en Manhattan en el año 2002.
Es la cuarta vez que esta rutilante estrella ha tenido a bien asomarse por El Gallinero. Antes de cumplir los 18 años apareció por la Sala Avenida de la mano de los Coen: El hombre que nunca estuvo allí ; más tarde, junto a Woody Allen nos deslumbró con la muy recordada: Match Point ; para cautivarnos junto a Joaquín Phoenix, esta vez solo con su voz, en Her de Spize Jonze.

 

 
 
Y me parece a mi

Ultracuerpos vestidos con cuero de primera

Bajo la piel de una hermosa y misteriosa mujer, que traslada confiados autoestopitas a una dimensión desconocida, se halla el cuerpo de un ser extraterrestre cumpliendo una misión en la tierra; concretamente en tierras escocesas.
El director inglés Jonathan Glazer aprovechó la novela del escritor neerlandés Michel Faber: Under the Skin, publicada en el 2.000, para llevar en el 2013 a las pantallas su versión sobre este relato de ciencia-ficción, impregnado de metafísica. Precisamente la materia especulativa conque está fabricada la historia, convierte a esta en un errático viaje introspectivo de difícil digestión.

Hay algo en todo el conjunto (puesta en escena, música, iluminación...) que a la par que te resulta incómodo te atrae, lo mismo que deben sentir los insectos que circundan las telarañas; lo mismo que sentirán los hombres de esta ficción ante la presencia de un ser tan especial, oculto tras el envoltorio espectacular de una irresistible "mantis religiosa" (Scarlett Johansson).

Y aunque de forma poco explícita, no es menor el mensaje que el director intenta trasladar sobre la inconsistencia de la condición humana, la parte más oscura de la sexualidad y nuestra extrema debilidad ante cualquier agente extraño y exterior, lo que nuestros abuelos llamaban un forastero.
 
Queda también bastante claro, según los creadores de esta fábula, que los valores que un visitante interplanetario encontraría en la Tierra serían residuales; vamos, lo que nosotros denominaríamos poco interesante o basurilla.
Jaht





viernes, 27 de noviembre de 2020

Película 521 # Año XVIII

 Sobre Lo Infinito

(Om det oändliga)

Miércoles 2 de Diciembre/2020

Sala Avenida / Jaraíz 

20 : 30 Horas


DIRECTOR

Roy Andersson
 
GUIÓN: Roy Andersson
 
FOTOGRAFÍA: Gergely Pálos
 
REPARTO: Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, Jan-Eje Ferling, Thore Flygel, Stefan Karlsson, Bengt Bergius, Marie Burman, Amanda Davies, Karin Engman, Lotta Forsberg, Göran Holm, Lars Lundgren, Stefan Palmqvist, Vanja Rosenberg, André Vaara, Magnus Wallgren
 
GÉNERO: Drama
 
DURACIÓN: 76 Min.       PAÍS: Suecia 




SINOPSIS
 
Inspirada en el cuento de "Las mil y una noches", la celebrada colección de historias de oriente medio y de historia india, la película busca ser una yuxtaposición de las distintas etapas que un ser humano atraviesa en la vida. Desde los momentos más preciosos de la existencia hasta el despertar intelectual que nos lleva a tratar de guardar la vida como un tesoro y a compartirla con aquellos a los que amamos.




Roy Arne Lennart Andersson (Gotemburgo-1943), conocido como Roy Andersson, es un director de cine, productor y publicista sueco.

Su cine, siempre preocupado por la condición humana, es calificado como comedia y tragicomedia surrealista que llega a rozar el esperpento. Roy Andersson tiene una visión de la vida plagada de humor absurdo y a veces macabro con claros elementos psicológicos y una sutil crítica social.

Sus películas:  Comienza con En kärlekshistoria ( Una historia de amor o Una historia de amor sueca), 1970, neorrealista, que el propio autor considera como su favorita. Siguió con el drama existencial Giliap (1975) que no tuvo éxito y que quebró la continuidad de Andersson.

 
Se especializó en cortos comerciales publicitarios -anuncios- con los que tuvo éxito y fundó en 1980 su propia productora, Studio 24, lo que le ha proporcionado un absoluto control creativo sobre sus producciones que se manifestará en la trilogía: Canciones desde el segundo piso, La comedia de la vida y Una paloma se posó sobre una rama a reflexionar sobre la existencia, donde logra consolidar su estilo personal, caracterizado por escenas independientes y tomas largas. Este lenguaje cinematográfico se convirtió en el sello distintivo de sus películas consideradas como extravagantes y aclamadas en esta trilogía que realizó durante la primera década del 2000. Por su singularidad, es una figura muy apreciada en los Festivales de Cine, habiendo conseguido entre otros, el León de oro en el Festival de cine de Venecia 2014 (Una paloma...)

A pesar de ser también sueco Andersson manifesto, respecto a Ingmar Bergman:

    Respeto muchísimo a (Ingmar) Bergman. Pero efectivamente no es lo mío. ¿Qué es la vida sin una sonrisa? Bastante poco dura esto como para encima pasarlo de mal humor.

Ha declarado sobre el pintor Francisco de Goya: "se convirtió en mi principal influencia como creador."​ Otras influencias que el mismo señala son el director de cine Luis Buñuel y los pintores Pieter Brueghel el Viejo, Honoré Daumier y Otto Dix

Todos sus actores son secundarios, no profesionales en su mayoría y, salvo raras excepciones, no repiten ni en sus películas ni en el mundo del cine en general.
 
Es un honor para el Cineclub contar con este sueco tan extraño y original que rompe con cualquier estereotipo artístico y social, y que en todas sus obras muestra un profundísimo sentido del humor, que suele ascender desde el intestino grueso hasta los labios para convertirse en mueca o rictus, más que en sonrisa. A menos que seas de los pocos capaces de reírse de si mismo, y hayas asumido que la condición humana gusta de juguetear en el estercolero de la vida.


Y me parece a mi

Es científico: La estupidez humana es infinita.

Me siento muy conectado con la obra de Roy Andersson, con su sentido del humor vitriólico, con sus recurrentes cuadros costumbristas sobre los aspectos ridículos de la condición humana, con esa infinidad de detalles que nos convierten en seres patéticos y, aún así, dignos de misericordia.

La eternidad de lo cotidiano, o la cotidianidad de lo eterno, nos convierte en seres grises que giran alrededor de la noria: repitiendo errores, tropezando en lo consabido, mintiéndonos a nosotros mismos con poca convicción...
Podría parecer que con los elementos que viste sus películas, el minimalista director sueco cierra las puertas a cualquier esperanza, pero lo cierto es que encajas con sosiego todas sus pullas, e incluso sales reconfortado de la sala, pensando que este hombre nos muestra caminos que no deberíamos transitar, si consideramos que tras los túneles, los días sin sol y la irrespirable atmósfera metálica, se encuentran hilillos de felicidad que pueden acercarte a la luz y el calor.

En esta ocasión, como en otras, los cuentos cortos de Roy, como los que permitían a Sherezade seguir viva, nos alumbran, conociendo las experiencias de nuestros congéneres, para huir del adocenamiento y la inercia absurda de la vida.
Sería injusto considerar que un tipo tan original como R. Andersson está haciendo apología de un modelo tan mediocre de supervivencia y que, ante una naturaleza tan poco maleable como la del ser humano, se está haciendo el sueco (permítaseme el chiste).
Jaht 






domingo, 22 de noviembre de 2020

Película 520 # Año XVIII

 Las Niñas

Jueves 26 de Noviembre / 2020

Sala Avenida / Jaraíz

20: 30 Horas



Directora

Pilar Palomero

GUIÓN: Pilar Palomero

MÚSICA: Juan Carlos Naya
FOTOGRAFÍA: Daniela Cajías
 
REPARTO: Andrea Fandós, Natalia de Molina, Carlota Gurpegui, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón, Álvaro de Paz, Mercè Mariné, Jesusa Andany, Maite Sequeira, Laura Gómez-Lacueva, Leonor Bruna, Mariano Anós, Eva Magaña, Amelia Ríus 

GÉNERO: Drama | Infancia. Adolescencia. Años 90. Colegios & Universidad
 
DURACIÓN: 100 Min.    PAÍS: España 


SINOPSIS

Año 1992. Celia, una niña de 11 años, vive con su madre y estudia en un colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.
 
 


 ¿Quién es quién?
 
Pilar Palomero (Zaragoza-1980) es una cineasta y escritora española,​ reconocida con premios como la Biznaga de Oro por su película Las niñas.
Pilar Palomero estudió en la Universidad de Zaragoza y en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, la ECAM, donde se graduó en 2006 como directora de fotografía. Trabajó como escritora y guionista de cine y audiovisuales. Además fue profesora en esas mismas especialidades, escritura y dirección de guiones y audiovisuales. 
En 2013 se trasladó a Bosnia y Herzegovina y estudió un Máster en Dirección de Cine en la Film Factory en 2013, dirigido por el cineasta húngaro Béla Tarr en la ciudad de Sarajevo. Comenzó a realizar cortos, documentales, ensayos, junto a directoras como Carla Simón en Generation Kplus.
 

Respecto a su película: Las niñas, cuenta como a partir de una relectura del cuaderno de apuntes de Religión de 1992, cuando estudió sexto de EGB, hilvanó el guion. Rescata frases textuales como "la sexualidad está al servicio del amor" que utiliza para escribir la película. El contraste entre los eventos internacionales de ese año, la Exposición Universal de Sevilla o los Juegos Olímpicos de Barcelona con el mensaje que llegaba, a ella y sus compañeras de colegio, la sitúa en la realidad de la educación recibida. 
 
Palomero ha realizado documentales, participando en el montaje, dirección o como guionista.  Entre sus trabajos fílmicos destacan Niño balcón​ realizada en 2009, Chan Chan de 2012, Noé de 2015, al año siguiente La noche de todas las cosas, de 2017 Zimsko Sunce y Horta,​ y Agenda 1958 de 2019.
El deseo de transmitir emociones, el salto de la niñez a la madurez, es lo que impulsa a Palomero a dar el salto del documental a la ficción.
 
 
 Natalia de Molina (Linares-Jaén-1990) Ganadora de dos Premios Goya (Vivir es fácil con los ojos cerrados (David Trueba) y Techo y comida (Juan Miguel del Castillo), es de sobra conocida en nuestro Cineclub, al que regresa por cuarta vez tras las dos premiadas, reseñadas con anterioridad, y Quién te cantará (Carlos Vermut).


 
 Y me parece a mi
 
Las educadoras maleducadas

Pudiera parecer que la sociedad española de 1992: diecisiete años tras la muerte de Franco, más de un lustro después de La Movida, con una Expo Universal y Olimpiadas en marcha, con el "póntelo, pónselo" fuera ya de moda..., estaba alejada de la larga noche de la dictadura; pero los viscosos y coercitivos tentáculos de la rancia educación, máxime si se mantiene la influencia eclesiástica, son difíciles de amputar; e incluso tienden a una regeneración defensiva como la hidra.

Un colegio de monjas, que oyeron la llamada del Señor en los años que Carmen Polo atracaba impunemente joyerías (de ahí lo de la Collares), no es el mejor sitio para abrir los ojos a la verdad a las niñas que se encaminan, sin remedio, a la adolescencia.
Pilar Palomero, la directora, estaba entre aquellas inocentes que muy pronto dejarían de serlo y este, su primer largometraje, es un testimonio de ello.

La crónica de un país tan próxima y aún con el pestazo a "cerrado y sacristía" trasciende unos niveles incontestables de autenticidad. La memoria no puede engañar a una mujer de cuarenta años cuando escribe sobre lo sucedido hace veintitantos, apoyándose aún en sus cuadernos escolares.
No, este país ni tuvo ni desgraciadamente tiene esos óptimos niveles de libertad democrática y preparación, discurso con el que una mayoría de políticos martillean pertinazmente las quejas de algunos inconformistas sobre militares, jueces y eclesiásticos. Aún hoy, sigue habiendo claramente dos Españas: la que debería ser de todos y la que es de unos pocos.

Hemos crecido con déficits que deberíamos habernos ahorrado: la infelicidad de las criaturas más cándidas, los traumas por enseñanzas fallidas, los miedos al pecado y el infierno, los silencios y las culpabilidades... No permitamos que los futuros angelitos caigan en los mismos errores.
spoiler:
Que esta ópera prima de la zaragozana, que se presenta a los Goya 2020 con muchas opciones, sirva al menos para contraponer modelos educativos, rechazando algunos que ya conocemos por inservibles. Y si no se nos ocurre nada mejor podríamos volver a intentarlo con la ILE [Institución Libre de Enseñanza (1876-1939)]. Con un proyecto pedagógico de estas características, nuestras niñas de 1992, no habrían estudiado segregadas ni hubiera podido introducir la religión postulado alguno.
 Jaht
 
 

 
 
 
63 espectadores

sábado, 21 de noviembre de 2020

Película 519 # Año XVIII

 Bliss

 Miércoles 25 de Noviembre/2020

Sala Avenida / Jaraíz

20: 30 Horas 


DIRECTOR

Joe Begos
 
GUIÓN: Joe Begos
 
MÚSICA: Steve Moore
 
FOTOGRAFÍA: Mike Testin
 
REPARTO:  Dora Madison, Tru Collins, Rhys Wakefield, George Wendt, Abraham Benrubi, Chris Mckenna, Graham Skipper, Jeremy Gardner, Rachel Avery, Mark Beltzman, Jesse Merlin, Matt Mercer, Josh Ethier, Jackson Birnbaum, Susan Slaughter, Erin Braswell, Zoe Cooper, Simone Wasserman
 
GÉNERO: Terror. Fantástico | Pintura. Drogas. Gore 
 
DURACIÓN: 80 Min.    PAÍS: USA  
 


 
SINOPSIS

Una mujer hará todo lo que sea necesario para completar lo que ella considera su gran "obra maestra", aunque para ello tenga que adentrarse en un mundo de sexo, droga y asesinatos en la periferia de la ciudad de Los Ángeles. 
 
 

 ¿Quién es quién?

Joe Begos (Rhode Island- USA-1987) trabajó como director de escena en Re-Animator: The Musical. Tras realizar el cortometraje Bad Moon Rising debutó en el largo con Almost Human

 


“Mi experiencia en la vida consistía solamente en fumar
montones de maría y ver películas con mis amigos. Así que eso
es lo que hice: películas que eran como cápsulas de lo que había
visto mientras crecía, y que necesitaba expulsar de mi cuerpo.” (Joe Begos)

 
 
Greñudo, barbudo y siempre enfundado en camisetas de películas de horror de los ochenta y los noventa, la prototípica y simpática figura freak de Joe Begos ha sido saludada por una parte del público del cine fantaterrorífico, al que pertenece la práctica totalidad de su filmografía, como la de un fan capaz de dar el paso al otro lado del patio de butacas. Un cineasta que en su tremenda irregularidad da también muestras de una cierta coherencia fílmica, fruto en parte de trabajar casi siempre con el mismo equipo humano y de las recurrencias argumentales y/o referenciales de gran parte de su cine, muy reforzada por el celoso grado de control creativo ejercido sobre sus películas pese, o debido, a la libertad que le otorga las precarias condiciones económicas con las que ha trabajado hasta el momento.                                                                                                                Fuente: (Canino)
 
 

 Y me parece a mi
 
Andar con muñones el camino de la felicidad

Hay quien mantiene que el futuro está en lo sintético. Que la evolución pasa por aprovechar los procedimientos industriales para conseguir estados satisfactorios; alcanzar lo sencillo, lo natural, a través de sustancias psicotrópicas, que de alguna manera engañen a nuestro sistema nervioso, a nuestro cerebro. Es tan rebuscado, bajo mi punto de vista, como intentar encontrarse a uno mismo persiguiendo sombras por un bosque laberíntico.
Aún así, los perseguidores de la ultra-percepción, experimentan con distintos materiales psicoactivos a la búsqueda de la excelencia amatoria, artística, deportiva...; encontrando en ocasiones efectos y resultados estrambóticos e insospechados.

En un berenjenal parecido se sumerge la angelina Dezzy (Dora Madison), vendiendo su alma a un negro diablo que se cuela por la nariz, en un desasosegante viaje sin reglas ni cortapisas, y con un claro y único objetivo: terminar con el bloqueo creativo que permita rematar en obra maestra un cuadro paralizado.

Sin duda esta obra de Joe Begos está dirigida a los amantes del género fantástico en su vertiente más gore. De ahí que quienes no somos fanes de los excesos viscosos y hemáticos nos la creemos solo a medias.
 
spoiler:
Y para ser sinceros, la pintura estaba mejor cuando era solo un proyecto que cuando se supone finalizada.
Jaht 
 
 

 
 20 espectadores